Cuba Gooding Jr. – Cinema & Debate

AMOR ALÉM DA VIDA (1998)

27 janeiro, 2014Roberto Siqueira2 Comentários

(What Dreams May Come)

Videoteca do Beto #182

Dirigido por Vincent Ward.

Elenco: Robin Williams, Cuba Gooding Jr., Max von Sydow, Annabella Sciorra, Jessica Brooks Grant, Josh Paddock e Rosalind Chao.

Roteiro: Ronald Bass, baseado em livro de Richard Matheson.

Produção: Barnet Bain e Stephen Simon.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Em certo momento de “Amor Além da Vida”, a esposa do protagonista questiona como ele poderia ser capaz de perdoá-la após ter contribuído para a morte dos filhos, a dele próprio e ainda ter se suicidado. Sua resposta: “Porque você é uma pessoa tão maravilhosa que me faz querer trocar o céu pelo inferno só para estar ao seu lado”. Este tipo de frase perigosa, que caminha no limite entre o brega e o poderoso, pode definir bem o longa de Vincent Ward. Durante boa parte do tempo, o diretor explora muito bem o potencial dramático da história, nos levando por um caminho já conhecido, é verdade, mas enriquecido por um visual belíssimo e por momentos interessantes como este.

Escrito por Ronald Bass, baseado em livro de Richard Matheson, “Amor Além da Vida” tem início quando Chris Nielsen (Robin Williams) conhece a bela Annie (Annabella Sciorra) num lago europeu. Felizes, eles se casam e constituem família, até que um terrível acidente tire a vida de seus dois filhos. Após superar a fase mais traumática, o casal reencontra a alegria de viver, mas outro acidente automobilístico provoca a morte de Chris, deixando Annie solitária e profundamente deprimida. Enquanto Chris tenta compreender e se adaptar ao paraíso, Annie comete suicídio. Impossibilitado de ver a esposa, Chris decide então tentar resgatá-la ao lado do amigo Albert (Cuba Gooding Jr.) e de um misterioso guia (Max von Sydow), que insiste em alertá-lo para o perigo da missão.

A vida após a morte sempre representou um mistério e um território perigoso para os roteiristas, já que é praticamente impossível não encontrar furos em quase todas as teorias a respeito e, o que é pior, quase sempre o longa pode encontrar rejeição por parte daqueles que não compartilham da mesma visão sobre o tema. Assim, tanto Ronald Bass como o diretor Vincent Ward são inteligentes o bastante para focarem muito mais no relacionamento do casal protagonista em detrimento de mirabolantes explicações que buscassem tornar aquele universo mais verossímil. Trabalhando na dinâmica do relacionamento entre Chris e Annie desde o início, o diretor busca criar empatia entre o casal e a plateia, o que é essencial para que a narrativa funcione dramaticamente.

Obviamente, a boa química existente entre Robin Williams e Annabella Sciorra colabora bastante neste sentido, já que o espectador acredita no amor dos personagens e, consequentemente, na dor deles quando as tragédias surgem em suas vidas. Ainda assim, inicialmente temos a sensação de que a perda dos filhos não interferiu tanto na relação deles, já que um salto de quatro anos na narrativa não nos permite acompanhar a fase mais traumática pós-acidente, que seria revelada somente depois através do uso de flashbacks. É somente após a morte de Chris que sentimos o peso da dor que paira sobre Annie – e só então somos apresentados ao lado depressivo da moça, até então escondido sob aquela carcaça de felicidade.

Oscilando bem entre a encantadora garota que surge no lago e a sofrida mulher que não consegue superar a perda dos filhos, Sciorra oferece uma performance sensível, que transmite muito bem os fortes sentimentos da personagem e lhe garante destaque mesmo num elenco recheado com nomes importantes como Cuba Gooding Jr., que mesmo com seus costumeiros momentos de exagero se sai bem como o carismático amigo que recepciona Chris no paraíso, além é claro de Max von Sydow, que tem uma marcante participação na sombria sequência da busca por Annie.

No entanto, o destaque do elenco fica mesmo para Robin Williams, que também oferece uma atuação sensível e poderosa, transitando entre o encantamento na chegada ao paraíso e a desilusão após saber do suicídio da esposa. Expressivo, ele transmite com competência a dor do personagem no belo discurso sobre o homem que seu filho poderia ter sido, assim como é muito convincente a sua devoção diante da esposa na sequência em que ele tenta resgatá-la no inferno. O tempo inteiro, nós acreditarmos em seu sofrimento sem jamais temos a sensação de que ele desistirá de Annie, e isto é mérito do ator.

Emocionante também é o seu reencontro com a filha Marie que, por outro lado, serve também para revelar um importante artifício narrativo que esvazia a próxima revelação da trama. Assim, quando Chris começa a refletir sobre as próprias palavras e recorda que só seria capaz de enfrentar o inferno com determinada pessoa ao lado, fica evidente que Albert na verdade é o seu filho – ao que parece, nem assim o diretor confia na inteligência do espectador, já que ele faz questão de inserir planos rápidos do rosto de Cuba Gooding Jr. instantes antes da “revelação”. Mesmo previsível, o momento tem seu impacto devido à carga emocional naturalmente envolvida no reencontro entre pai e filho.

Alternando entre o presente no paraíso e o passado que revela detalhes importantes da vida do protagonista, a montagem de David Brenner e Maysie Hoy também transita entre o pós-vida de Chris e a vida terrena de sua esposa até o instante em que o suicídio dela é anunciado e altera radicalmente o tom da narrativa, numa mudança que terá reflexo quase que imediato também na belíssima fotografia do português Eduardo Serra, que passa a adotar tons obscuros que transformam os ótimos cenários concebidos pelo design de produção de Eugenio Zanetti em locais extremamente sombrios.

Inicialmente buscando realçar as lindas paisagens do colorido paraíso, a fotografia oscila de acordo com o andamento da narrativa, transmitindo através do visual os sentimentos pretendidos pelo diretor. Observe, por exemplo, como a cor roxa, normalmente associada ao misticismo ou vista como símbolo de espiritualidade, magia e mistério, predomina em todas as cenas após a morte de Chris, simbolizando sua luta para superar o trauma e encontrar a paz (para os católicos, o roxo tem o significado de melancolia e penitência). Apoiado pela ótima fotografia e pelos excepcionais efeitos visuais que dão vida aos quadros que fizeram parte da história do casal, o diretor trabalha muito bem na composição dos planos, criando um filme visualmente belíssimo.

Esta marcante construção visual das cenas gera imagens que ficam na memória mesmo após o término do longa, como o terrível mar de rostos no inferno e a bagunçada e obscura casa em que Chris reencontra Annie, o que só reforça o ótimo trabalho de design de produção de Zanetti. A cena na casa, aliás, também escancara o eficiente design de som que nos ambienta ao paraíso e ao inferno com precisão. Observe, por exemplo, como os pequenos barulhos são ampliados nesta cena, como o som de uma porta batendo ou o movimento corporal dos personagens, numa distorção da realidade que torna aquele local ainda mais sombrio e amplia a sensação de incômodo no espectador. E finalmente, vale mencionar a bela trilha sonora de Michael Kamen, que surge melancólica quando deve ser, mas também evocativa quando o momento pede por isso.

É uma pena, portanto, que, após nos levar por cenários tão deslumbrantes e nos envolver completamente, o desfecho de “Amor além da vida” seja tão previsível e clichê, seguindo o mesmo caminho já percorrido por tantos e tantos filmes semelhantes anteriormente. Mas ainda que sua história de amor não fuja do convencional, a maneira como ela é contada, seu visual arrebatador, as boas atuações e a direção eficiente garantem um bom resultado.

Assim, “Amor Além da Vida” está longe de ser aquele quadro intrigante que nos permite extrair inúmeros significados. Mas, enquanto passamos por ele, não podemos conter o impulso de ao menos dar uma olhadinha, tamanha a sua beleza plástica. E quando vamos embora, seguimos sem refletir a respeito, mas a beleza daquelas imagens permanece um bom tempo conosco.

Texto publicado em 27 de Janeiro de 2014 por Roberto Siqueira

MELHOR É IMPOSSÍVEL (1997)

20 outubro, 2013Roberto SiqueiraDeixe um comentário

(As good as it gets)

Videoteca do Beto #177

Dirigido por James L. Brooks.

Elenco: Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear, Cuba Gooding Jr., Skeet Ulrich, Shirley Knight, Yeardley Smith, Lupe Ontiveros, Missi Pyle, Maya Rudolph, Lawrence Kasdan, Julie Benz, Harold Ramis, Kathryn Morris, Todd Solondz e Jesse James.

Roteiro: Mark Andrus e James L. Brooks.

Produção: James L. Brooks, Bridget Johnson e Kristi Zea.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Recordista de indicações ao Oscar, Jack Nicholson levou seu terceiro prêmio após sua brilhante atuação neste “Melhor é Impossível”, que, com seus personagens simultaneamente problemáticos e agradáveis, conquista o espectador quase que da mesma maneira como o protagonista conquista a personagem brilhantemente interpretada por Helen Hunt. Assim, não são raros os momentos graciosos que são quebrados por alguma grosseria e vice-versa, numa mistura eficiente de instantes dramaticamente densos e outros recheados de humor negro; e é ao balancear estes polos opostos com tanto cuidado que o longa dirigido por James L. Brooks alcança seu sucesso.

Escrito pelo próprio Brooks ao lado de Mark Andrus, “Melhor é Impossível” narra o cotidiano do obsessivo-compulsivo e preconceituoso escritor Melvin Udall (Jack Nicholson), um homem repleto de cinismo e sarcasmo que adora tirar uma onda com seu vizinho homossexual Simon (Greg Kinnear) e que faz questão de ser sempre atendido pela mesma garçonete no restaurante onde almoça todos os dias. A garçonete é Carol (Helen Hunt), uma mãe solteira que se desdobra para cuidar do filho, que sofre com uma grave doença respiratória.

Desenvolvendo muito bem seus personagens, o roteiro de “Melhor é Impossível” ajuda a humanizar cada um deles, demonstrando aos poucos as qualidades e defeitos de pessoas que facilmente poderiam tornar-se caricatas e odiáveis em mãos menos cuidadosas – e na pele de atores menos talentosos. Neste caso, o que ocorre é exatamente o contrário. Os personagens conquistam o espectador justamente por escancararem seus defeitos de maneira tão humana, o que naturalmente os aproximam da plateia.

Atrás das câmeras, Brooks faz um trabalho discreto e eficiente que busca valorizar as atuações através do uso de planos americanos e closes, empregando ainda o zoom para realçar momentos de impacto dramático e saindo-se muito bem na condução de cenas fortes como aquela em que um grupo de jovens de rua espanca Simon (numa rápida participação dos atores Skeet Ulrich e Jamie Kennedy, de “Pânico”, na qual se destaca o ótimo trabalho de maquiagem que torna realistas os machucados no rosto dele na cena seguinte no hospital). Igualmente discreta, a fotografia de John Bailey aposta em cenas diurnas e filtros que realçam cores leves, ao passo em que a gostosa trilha sonora de Hans Zimmer apresenta um tema principal inspirado, mas que também surge apenas em momentos pontuais. Desta forma, quem acaba chamando mais a atenção é o trabalho do montador Richard Marks, que transita muito bem entre o drama de Carol com a doença do filho, as rotinas de Melvin e o trabalho de Simon e Frank, integrando os personagens de maneira orgânica e mantendo a narrativa sempre atraente e fluída.

No entanto, é inegável que o grande atrativo de “Melhor é Impossível” é mesmo o seu elenco talentoso e inspirado, que oferece performances simultaneamente divertidas e tocantes. Vivendo um personagem preconceituoso e (desculpe o termo) escroto, Nicholson tem um desempenho excepcional, saindo-se muito bem na difícil tarefa de conquistar a empatia da plateia mesmo na pele de alguém tão desprezível. Destilando veneno em muitas de suas frases sarcásticas, Melvin poderia tornar-se ainda mais irritante por sofrer de TOC (transtorno obsessivo-compulsivo), o que faz com que ele sente sempre na mesma mesa do restaurante, evite pisar nas linhas do chão, deteste ser tocado por outras pessoas, organize milimetricamente os sabonetes da mesma marca em seu armário e feche a porta do apartamento cinco vezes. E se ainda assim nós gostamos dele, grande parte do mérito é mesmo do lendário ator.

Personagem complexo, Melvin consegue ser egoísta e egocêntrico e, ao mesmo tempo, é capaz de agir com surpreendente gentileza e encantar Carol com a bela frase “Você me faz querer ser um homem melhor”, somente para, minutos depois, estragar tudo com outra frase detestável. Este comportamento imprevisível fica ainda mais claro quando ele choca uma fã na editora, escancarando a intrigante diferença entre o autor sensível e o ser humano desprezível que conflitam dentro dele.

Mas se Nicholson surge solto e diverte-se no papel, Hunt não fica atrás, demonstrando excelente química com o consagrado ator numa atuação sensível e poderosa. Externando os traumas ocasionados por relacionamentos passados (“Não vou dormir com você!”, diz ela para Melvin), Carol emociona pela maneira como admite sua carência num belíssimo diálogo com a mãe, num dos grandes momentos da atuação de Hunt, que se destaca ainda na reação dramaticamente poderosa de Carol após Melvin mencionar seu filho no restaurante, que dá os primeiros sinais de sua vulnerabilidade e, especialmente, quando demonstra a alegria genuína da personagem diante do médico que oferece tratamento para seu filho, num momento tocante. Lentamente, Carol vai reencontrando a felicidade, algo simbolizado até mesmo por suas roupas (figurinos de Molly Maginnis), que evoluem lentamente das cores sem vida de seu uniforme para o vestido vermelho e chamativo que ela usa durante um jantar.

Com seus trejeitos e a forte tendência para o overacting, Cuba Gooding Jr. diverte-se como Frank, o amigo engraçado e falastrão de Simon que se impõe fisicamente diante de Melvin, enquanto Kinnear demonstra muito bem a sensibilidade de Simon, emocionando em momentos especiais como quando vê seu rosto desfigurado pela primeira vez num espelho ou quando, com a ajuda de Carol, se empolga após conseguir romper o bloqueio criativo. Aliás, sua bagunçada casa reflete não apenas sua mente agitada (essencial em sua profissão), mas também sua instabilidade emocional, o que ressalta o bom design de produção de Bill Brzeski.

Quem também tem participação importante na narrativa é o cachorro de Simon, explorado com competência pela câmera de Brooks, como no close que capta sua reação após Melvin receber a notícia que terá que devolvê-lo – numa das primeiras cenas que escancaram a fragilidade daquele homem solitário, que se esconde sob aquela capa de cinismo e sarcasmo. E fechando o elenco, temos a simpática mãe de Carol interpretada por Shirley Knight e a participação do diretor Lawrence Kasdan como o Dr. Green.

Quando o casal se desentende e se separa durante a viagem, sabemos que estamos perto do final conciliador, típico das comédias românticas. Mas até mesmo este clichê funciona muito bem em “Melhor é Impossível”, justamente pela maneira sincera e coerente que os personagens se comportam, buscando a reaproximação sem exigir que o outro mude completamente. E o que é mais interessante, o espectador sabe que eles continuarão exibindo os mesmos defeitos, e mesmo assim nós torcemos pelo sucesso daquela relação. Afinal, somos mesmo assim, repletos de defeitos e virtudes e eternamente buscando alguém que nos compreenda em toda nossa complexidade e vulnerabilidade.

Filme com alma e coração, “Melhor é Impossível” beneficia-se das atuações de alto nível para tocar o espectador sem jamais pender para o melodrama ou soar piegas, divertindo e emocionando com a mesma eficiência. Não é o caso de dizer que melhor que isso é impossível. Mas quase.

Texto publicado em 20 de Outubro de 2013 por Roberto Siqueira

JERRY MAGUIRE – A GRANDE VIRADA (1996)

18 dezembro, 201218 dezembro, 2012Roberto Siqueira8 Comentários

(Jerry Maguire)

Filmes em Geral #94

Dirigido por Cameron Crowe.

Elenco: Tom Cruise, Cuba Gooding Jr., Renée Zellweger, Kelly Preston, Jerry O’Connell, Bonnie Hunt, Jay Mohr, Regina King, Jonathan Lipnicki, Todd Louiso, Mark Pellington, Donal Logue, Eric Stoltz, Lucy Liu e Beau Bridges.

Roteiro: Cameron Crowe.

Produção: James L. Brooks, Cameron Crowe, Laurence Mark e Richard Sakai.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Quando decidiu escrever e dirigir “Jerry Maguire”, Cameron Crowe era apenas um ex-colaborador da tradicional revista “Rolling Stone” com dois filmes no currículo. Entretanto, ao apostar na mistura de dois gêneros recheados de clichês e na força do então maior astro de Hollywood, ele finalmente alcançou o sucesso. Com boas atuações, alguns diálogos interessantes e uma abordagem mais humanista de temas batidos, o diretor/roteirista entregou um bom filme, que está longe de ser uma obra-prima, mas nos diverte de maneira delicada e eficiente.

O longa narra a trajetória de Jerry Maguire (Tom Cruise), um agente esportivo picareta e eficiente que, após ser confrontado pelo filho de um jogador lesionado, decide escrever uma declaração sugerindo que os agentes esportivos sejam mais humanos, ganhem menos e deem mais atenção aos seus clientes. Como consequência, ele acaba demitido da agência em que trabalha e acaba abrindo a própria agência, ao lado da também ex-funcionária Dorothy Boyd (Renée Zellweger). O problema é que dentre todos os atletas agenciados por Jerry, somente o jogador de futebol americano Rod Tidwell (Cuba Gooding Jr.) decide continuar com ele.

Se comédias românticas dificilmente conseguem fugir de certos clichês, filmes de esporte não ficam nem um pouco atrás, normalmente trazendo histórias de superação repletas de situações batidas que já estamos mais do que acostumados a ver. Ciente disso, Crowe se mostra inteligente o bastante para não tentar desconstruir estes gêneros, já que esta tarefa exigiria um esforço tremendo e um talento digno de um Tarantino – algo que, convenhamos, Crowe sabe que não é. Ao invés disso, ele aposta numa abordagem mais realista, menos sentimental e mais humana, obtendo um resultado que, se não enche os olhos, ao menos soa sincero e, por isso, agrada.

Ainda assim, Crowe não escapa de situações convencionais dos dois gêneros, mostrando a queda em desgraça do protagonista que, obviamente, se recuperará, o atleta que não é conhecido e que chegará ao sucesso (ainda que, neste caso, seja através de uma situação bem diferente daquela que imaginamos) e o casal que só descobre que se ama de verdade após uma breve separação. Entretanto, se comete alguns equívocos que prejudicam seu trabalho, Crowe ao menos escapa do clichê “mocinha briga com mocinho e deixa a cidade” no último instante ao fazer com que ela fique e se case com ele. No entanto, a briga é apenas adiada e momentos depois eles decidem “dar um tempo”, num diálogo tocante em que Cruise e Zellweger se saem muito bem. Além disso, o igualmente previsível drama que Rod enfrenta no ato final tem um desfecho bem agradável e abre espaço para que Cuba Gooding Jr. abuse de seus maneirismos e exageros sem prejudicar a narrativa, da mesma forma que o esperado reencontro entre Jerry e Dorothy se salva pela forma delicada em que é conduzido pelo diretor – além, é claro, das atuações convincentes da dupla romântica.

Também seguindo a fórmula das comédias românticas, a fotografia de Janusz Kaminski investe em cores quentes e cenas diurnas, colaborando para a sensação de bem estar da plateia que é reforçada pela montagem ágil de Joe Hutshing e David Moritz. Igualmente, a econômica trilha sonora aposta em belas músicas como “Secret Garden”, de Bruce Springsteen, para embalar momentos marcantes como a saída de Jerry e Dorothy para um jantar. E se não ganha grande destaque na maior parte do tempo, ao simular as batidas aceleradas do coração de Jerry o design de som nos prepara para uma negociação importantíssima para o futuro dele segundos antes do agente entrar na casa de Cush (Jerry O’Connell), além de se destacar durante as partidas, realçando o barulho das arquibancadas e os choques entre os atletas com precisão.

A abordagem leve da narrativa se confirma através de interessantes tiradas do diretor, como o divertido mentor de Jerry que surge de vez em quando para deixar algumas de suas mensagens motivacionais. Só que, para uma comédia romântica, “Jerry Maguire” tem poucos momentos realmente capazes de provocar o riso, ainda que algumas sequências sejam memoráveis, como quando Jerry grita no telefone (“Show me the Money!”) ou quando Dorothy decide sair da empresa junto com ele, numa cena em que a boa atuação de Cruise ganha ainda mais destaque pelos trejeitos e exageros do ator. Aliás, se a parte técnica e até mesmo a direção de Crowe é discreta, é também porque o diretor sabe que “Jerry Maguire” é um filme essencialmente de personagens e, por isso, são eles que devem brilhar. Empregando constantemente o tradicional plano/contraplano, ele realça o que o longa tem de melhor e evita ofuscar as boas atuações com excesso de virtuosismos. Ainda assim, o diretor utiliza a câmera ágil para nos colocar dentro dos jogos, nos permitindo sentir o calor das partidas.

Jerry Maguire é tão egocêntrico que até mesmo a narração é feita em primeira pessoa. Famoso pela cara de pau com que mente e por enganar qualquer um, ele se beneficia desta fama para conseguir os melhores contratos para seus jogadores – e o sorriso constante de Cruise só colabora para criar esta aura de falsidade no personagem. Agindo com naturalidade em diversos momentos, como quando Jerry tenta cantar diversas músicas no carro até finalmente conseguir encontrar aquela que casa com seu estado de espírito, Cruise confere enorme carisma ao agente, conquistando a plateia quase que instantaneamente, o que é vital para que o espectador torça por seu sucesso profissional e pessoal, a despeito de seus métodos inicialmente desprezíveis. Inteligente, Jerry conquista Dorothy também através de seu filho Ray (Jonathan Lipnicki), afinal, que mãe não gosta de ver alguém tratando bem seu filho? Ele acaba criando tanta afinidade com o garoto que, no fim das contas, é justamente ao vê-lo chorando que Jerry decide propor Dorothy em casamento. Ironicamente, é também o garoto que serve de escudo para que Jerry evite discutir a relação com Dorothy quando fica evidente que ele casou por gratidão e não por amor.

Tímida e atrapalhada, a Dorothy de Zellweger se mostra empolgada diante da presença de Jerry desde a saída do avião, ainda na sequência que abre o filme. Constantemente observando casais que trocam carícias, ela escancara sua carência para Jerry de maneira nada sutil, mas compensa sua falta de prática na arte da paquera com grande carisma, desarmando-se completamente enquanto se envolve com o novo chefe. Por isso, chega a ser dolorido acompanhá-los levando aquela relação adiante mesmo sabendo que estão apenas curando sua carência ao lado de outra pessoal igualmente ressentida. E, também por isso, tanto a breve separação quanto o esperado retorno do casal conseguem conquistar o espectador, ainda que seja apenas a repetição de uma velha fórmula do gênero.

Claramente se divertindo no papel, Cuba Gooding Jr. chama a atenção sempre que entra em cena com seu jeito espalhafatoso que cai muito bem no divertido Rod. Seus diálogos com Jerry são sempre envolventes e engraçados, demonstrando a química entre os atores e dando vida a narrativa. Por isso, é uma pena que o roteiro invista pouco na boa dinâmica dos dois, gastando muito tempo no previsível relacionamento entre Jerry e Dorothy. Por sua vez, Bonnie Hunt evita transformar Laurel no estereótipo da irmã mais velha e chata que sente inveja da mais nova, demonstrando carinho e preocupação com ela justamente por não querer vê-la sofrer, mas vibrando com os momentos felizes da irmã (como quando sorri sozinha na janela ao escutar a noite de amor da caçula). E fechando o elenco, Kelly Preston vive a agitada e maluca Avery, a ex-noiva de Jerry que termina com ele por um motivo totalmente artificial e arbitrário inserido pelos roteiristas apenas para liberar o caminho do protagonista.

Longo demais para uma comédia romântica, “Jerry Maguire” ao menos trata a relação entre o casal principal de maneira adulta, tornando seus personagens um pouco mais críveis e aproximando-os da plateia. Com um final alegre, este típico “feel good movie” se destaca também pelas boas atuações, nos divertindo e, ao mesmo tempo, deixando algumas reflexões que podem não mudar o mundo, mas fazem com que o espectador se sinta mais humano.

Texto publicado em 18 de Dezembro de 2012 por Roberto Siqueira