Mel Gibson

Todo homem morre, mas nem todo homem realmente vive

Roberto SiqueiraDeixe um comentário

Roger Ebert dizia que “nenhum filme bom é longo demais e nenhum filme ruim é curto o suficiente”.

Desde que me tornei pai, sempre tive a expectativa de apresentar grandes clássicos do cinema aos meus filhos. Sempre fui apaixonado por cinema, sonhava desde criança em ter minha própria coleção de filmes, mas tudo isso ganhou uma nova dimensão quando meus filhos nasceram.

Pensando em retrospectiva, parte da minha motivação em seguir colecionando filmes mesmo quando a evolução da tecnologia já apontava para o risco dos DVDs e Blurays tornarem-se obsoletos era justamente oferecer a eles algo que eu nunca tive e sempre sonhei, a chance de acessar a qualquer momento que quiserem um acervo de grandes clássicos do cinema.

Além disso, no meu íntimo eu projetava e idealizava o momento que apresentaria muitos dos filmes que são especiais e marcantes em minha vida. Faço isso desde que são muito pequenos, apresentando-os de acordo com o crescimento deles e a evolução da maturidade para compreender certos temas. Algumas vezes, o filme apresentado é muito importante na história do cinema, em outras, é importante apenas para mim. De vez em quando, o escolhido da vez se encaixa nas duas situações.

Por tudo isso, o último fim de semana foi muito especial. Não apenas por que finalmente, após 4 anos vivendo em Portugal, consegui remontar minha coleção pessoal de filmes, que chamo desde sempre aqui no blog de Videoteca do Beto, mas também por que aproveitei o momento em que eles estão muito interessados em épicos medievais para apresentar o filme mais importante da minha vida.

Eu estava um pouco preocupado, confesso, por que a violência gráfica de “Coração Valente” era algo brutal na época em que foi lançado e me impactou profundamente, além é claro do peso dramático da narrativa. Para piorar, a geração dos meus filhos tem pouca paciência para “filmes longos”, o que sempre me faz evitar ao máximo dizer a duração dos filmes para eles. No entanto, a verdade é que os anos passaram e a evolução da linguagem cinematográfica e até mesmo de outras formas de entretenimento como os jogos de videogame fizeram com que aquela brutalidade hoje soe mais, digamos, normal.

Isso não impediu o Arthur e o Raul de curtirem demais o filme. Ambos gostaram muito, se empolgaram nas cenas de batalha, ficaram aflitos com as atrocidades cometidas pelo império inglês, se surpreenderam com as reviravoltas da narrativa e se emocionaram com o desfecho da história. Quanto à duração, os dois terminaram dizendo que nem perceberam as 3 horas passarem. Ebert, como sempre, tinha razão.

Obviamente, o impacto da trajetória de Wiilliam Wallace sobre eles não foi e nem deveria ser o mesmo que teve em mim há quase 30 anos atrás. O mais importante é que pude viver este momento sonhado por anos ao lado deles e curtir cada segundo.

Certamente meus pequenos irão encontrar o “Coração Valente” da vida deles, aquele filme que gerará um impacto muito além da própria experiência cinematográfica. Por enquanto, eles vão se divertindo com o cinema da forma mais pura, sendo envolvidos pela história que está sendo narrada, sem grandes preocupações com o futuro. E no dia em que eles encontrarem o filme mais importante da vida deles, poderão contar comigo para conversar e refletir a respeito.

Roger Ebert também dizia que “os filmes são janelas para o mundo. Eles nos permitem desvendar outras mentes – não simplesmente pela identificação com os personagens, embora isso seja uma parte muito importante, mas por nos oferecem a oportunidade de ver o mundo como outras pessoas o vêem”.

E está sendo uma delícia ver o mundo novamente junto dos meus pequenos.

Texto publicado em 10 de Março de 2023 por Roberto Siqueira

A FUGA DAS GALINHAS (2000)

Roberto Siqueira4 Comentários

(Chicken Run)

 

 

Videoteca do Beto #234

Dirigido por Peter Lord e Nick Park.

Elenco: Vozes de Mel Gibson, Julia Sawalha, Miranda Richardson, Tony Haygarth, Jane Horrocks, Imelda Staunton, Benjamin Whitrow, Lynn Ferguson, Timothy Spall, Phil Daniels e John Sharian.

Roteiro: Karey Kirkpatrick.

Produção: David Sproxton, Peter Lord e Nick Park.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Verdadeira lenda da animação, o inglês Nick Park (detentor de 3 prêmios Oscar por curtas) resistiu por alguns anos às ofertas dos grandes estúdios para dirigir um longa-metragem, até que finalmente aceitou levar para as telonas o ótimo roteiro de “A Fuga das Galinhas”. Ao lado do norte-americano Peter Lord, ele deu vida com sua criatividade peculiar e técnica ousada a uma história envolvente, interessante e que agrada crianças e adultos na mesma proporção.

Escrito por Karey Kirkpatrick, “A Fuga das Galinhas” nos leva ao cotidiano de Ginger (voz de Julia Sawalha), uma galinha que tenta encontrar alguma forma de fugir do galinheiro onde vive aprisionada ao lado de diversas outras companheiras de espécie. Após inúmeras tentativas frustradas, ela conhece o galo Rocky (voz de Mel Gibson), que chega voando ao local e reaquece as esperanças de todos, ainda que o machucado provocado em seu pouso lhe impeça de ensinar as demais a voar. Os planos ganham ares dramáticos quando a Sra. Tweedy (voz de Miranda Richardson), a dona do galinheiro, decide mudar os rumos da administração local, afetando diretamente a vida de todas galinhas.

Antes de mais nada é muito importante contextualizar o lançamento de “A Fuga das Galinhas”. Numa época já dominada por produções inspiradas na revolução provocada por “O Rei Leão” e, principalmente, “Toy Story”, apostar numa técnica antiga, trabalhosa e que parecia fadada a extinção como o stop motion era algo extremamente corajoso e arriscado. No entanto, a Dreamworks sabia que seus riscos diminuiriam consideravelmente se pudesse contar com o talento de Park, o que fica comprovado já nos primeiros instantes do longa, nos quais a qualidade da animação chama a atenção pela riqueza de detalhes e revela que esta técnica ainda poderia ser eficiente e divertida.

Muito por conta do tema abordado, que remete a filmes clássicos de prisão como “Fuga de Alcatraz”, “Fugindo do Inferno” e até mesmo “A Lista de Schindler”, o longa tem boa parte de suas cenas à noite e aposta no uso das sombras empregado pelos diretores de fotografia Tristan Oliver e Frank Passingham para criar a atmosfera pretendida. Cientes disso, os diretores não hesitam em recriar o clima dos campos de concentração nazistas, evidente no plano geral do galinheiro que revela sua estrutura, nos apertados poleiros em que elas dormem, no som da bota da dona da granja que intimida as galinhas e, claro, quando uma delas é sacrificada simplesmente por não produzir mais ovos, numa cena em que o visual e a trilha sonora triste de Harry Gregson-Williams e John Powell realçam o peso do que vemos. Aliás, é cruel pensar que muitas vezes é desta forma mesmo que produtores agem para manter a rentabilidade de seus negócios, mas divago.

A riqueza de detalhes do design de produção de Phil Lewis não surge apenas na concepção do galinheiro, sendo notável também na decoração da casa onde a Sra. Tweedy mora, um local cinza e sem vida que realça sua alma vazia, assim como as roupas que ela utiliza imaginadas pela figurinista Sally Taylor. E se o visual é encantador, o ritmo empregado pelos montadores Robert Francis, Tamsin Parrye e Mark Solomon mantém a narrativa sempre envolvente, oscilando entre as tentativas de fuga, os bons diálogos entre Ginger e Rocky e o cotidiano dos donos do galinheiro, retratados como cruéis opressores justamente por estarmos acompanhando tudo sob o ponto de vista das galinhas. A crítica ao progresso encontra eco também na máquina que permitirá a proprietária maximizar seus lucros ao passo em que acelerará a matança das galinhas, assim como no dilema que acomete quase todas elas e que pode se aplicar a inúmeros seres humanos: obedecer o sistema e caminhar lentamente para a morte ou tentar subvertê-lo e ser feliz fazendo o que realmente gosta?

Há também espaço para o humor, é claro, como na divertida sequência de treinamento das galinhas, novamente sublinhada pela excelente trilha sonora, nas tentativas frustradas de fuga durante o ato inicial e nos instantes em que a montagem é crucial para que a piada funcione, como quando o Sr. Tweedy (voz de Tony Haygarth) diz que “elas não são organizadas” e, no plano seguinte, observamos a reunião das galinhas. St. Tweedy, aliás, que por si só já é um personagem engraçado por conta de sua passividade diante da esposa e sua incompetência ao cuidar das galinhas.

Ganhando vida na voz de Julia Sawalha, Ginger transmite seu idealismo através do brilho no olhar criado pelos animadores e também pela forma como a atriz dubla a personagem, demonstrando empolgação quando fala de seus planos e frustração ao descobrir a verdade sobre Rocky e evidenciar o conflito provocado pelas diferentes personalidades deles. Surgindo em cena já com o famoso grito de seu dublador, o galo Rocky encarna alguns traços da persona de Mel Gibson a época, realçando o lado galã ao mesmo tempo que soa debochado em diversos instantes, criando a aura de bon vivant, sem por isso deixar de novamente surgir como o libertador de um povo – ainda que aqui isto não seja exatamente uma verdade. Outro aspecto interessante que surge após sua aparição é a diferença cultural entre norte-americanos e britânicos, evidente nos diálogos entre Rocky e o veterano de guerra Fowler (voz de Benjamin Whitrow) e que vai muito além da diferença entre o charmoso sotaque britânico e a despojada forma de falar da terra do Tio Sam.

Após focar no relacionamento entre ambos, a narrativa nos leva ao inevitável conflito quando Rocky revela sua mentira. Observe então como, após descobrir que ele não voa, as galinhas surgem tristes, banhadas pela chuva e enquadradas num plano contra-plongè que as diminui em cena, o que, somado a trilha melancólica, transmite perfeitamente a decepção de todos naquele instante. Assim, o clímax começa a ser construído quando as galinhas percebem que não precisam dele para arquitetar a fuga e salvar as próprias vidas, ao contrário do que ocorrera instantes antes quando Ginger é levada para a nova máquina de fazer tortas e consegue escapar com a ajuda de Rocky.

Nesta sequência muito bem dirigida, os diretores nos levam através da máquina num ritmo alucinante, nos permitindo conhecer o funcionamento dela ao mesmo tempo em que nos faz torcer pelo sucesso do casal. Depois, tanto a criativa sequência de produção quanto a de apresentação do avião construído pelas galinhas são visualmente belas e conduzidas com dinamismo, empolgando o expectador e preparando-o para a esperada fuga, que é igualmente interessante e entrega exatamente o que prometeu.

A piada final abordando a velha questão do ovo e da galinha é a pitada final de bom humor que fecha este filme divertido, inteligente e ousado por apostar numa técnica diferenciada numa época em que muitos poderiam torcer o nariz por acha-la ultrapassada. Felizmente, o cinema sempre pode resgatar o passado com competência.

Texto publicado em 07 de Março de 2017 por Roberto Siqueira

MÁQUINA MORTÍFERA 4 (1998)

Roberto Siqueira3 Comentários

(Lethal Weapon 4)

3 Estrelas 

Videoteca do Beto #185

Dirigido por Richard Donner.

Elenco: Mel Gibson, Danny Glover, Joe Pesci, Rene Russo, Chris Rock, Jet Li, Steve Kahan e Kim Chan.

Roteiro: Channing Gibson.

Produção: Richard Donner e Joel Silver.

Máquina Mortífera 4[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Apostando na competente mistura de cenas de ação de tirar o fôlego com muito bom humor, a série “Máquina Mortífera” consolidou-se como uma franquia de sucesso que, obviamente, também contava com o enorme carisma de seus personagens para conquistar a plateia. No entanto, se os três primeiros trabalhos eram marcados pela eficiência e regularidade, este quarto filme traz uma leve queda neste aspecto, ainda que o tombo não seja suficiente para fazer de “Máquina Mortífera 4” um longa ruim, apenas um trabalho claramente mais preguiçoso que os anteriores.

Escrito por Channing Gibson (que não tem relação de parentesco com Mel Gibson), “Máquina Mortífera 4” nos traz os policiais Martin Riggs (Mel Gibson) e Roger Murtaugh (Danny Glover) já mais velhos e agora promovidos ao cargo de Capitão após causarem mais confusão pelas ruas de Los Angeles. O problema é que eles acidentalmente descobrem uma gangue chinesa que atua na cidade trazendo imigrantes ilegais, dando início a uma investigação que levará a novas descobertas que colocarão em perigo suas famílias e amigos, entre eles Lorna (Rene Russo), a namorada de Riggs, o falastrão Leo (Joe Pesci) e o novato Detetive Lee Butters (Chris Rock), especialmente quando se deparam com o perigoso Wah Sing Ku (Jet Li).

Logo em seus empolgantes instantes iniciais, “Máquina Mortífera 4” já deixa claro que estamos assistindo a um legítimo filme da série, nos colocando dentro da ação enquanto acompanhamos o divertido diálogo dos carismáticos personagens, numa sequência muito bem conduzida por Richard Donner e que conta ainda com o excepcional design de som para nos ambientar, permitindo distinguir a conversa em meio aos tiros e explosões com precisão. Ciente de que já somos familiarizados com os personagens e seus dramas, traumas, problemas familiares e qualidades, o roteiro economiza tempo e parte logo para a apresentação do conflito que moverá a narrativa, através da chegada dos chineses no porto.

O problema é que Channing Gibson infla demais a trama com um excesso desconfortável de personagens que busca arrumar espaço para cada estrela que compõe o elenco, se perdendo também através de “surpresas” extremamente previsíveis, como a revelação de que Butters engravidou uma das filhas de Murtaugh. Por outro lado, a mistura de humor e ação que marca toda a série aparece novamente com força, balanceada de maneira extremamente eficiente durante toda a narrativa, encontrando espaço também para criticar a exploração de imigrantes ilegais nos Estados Unidos.

Com tantos personagens, a montagem de Dallas Puett, Kevin Stitt, Eric Strand e Frank J. Urioste soa um pouco confusa em certos momentos, mas acerta ao focar a maior parte do tempo no núcleo de sucesso da série, que é a relação entre Riggs e Murtaugh. Vividos novamente por Gibson e Glover de maneira extremamente descontraída e entrosada, os dois policiais são os grandes destaques de um elenco recheado, garantindo os melhores momentos do longa através de suas brincadeiras. Com o passar dos anos e o conhecimento mútuo, a relação de amizade entre eles só melhora, e isto fica evidente em “Máquina Mortífera 4”, que traz ainda um momento marcante da série, quando Riggs finalmente diz que “está velho demais para isso”, num instante que sinaliza a nostalgia que tomará conta da tela no ato final.

Empolgantes instantes iniciaisRelação de amizade só melhoraEstou velho demais para issoE se a química entre Riggs e Murtaugh continua intacta, o mesmo pode se dizer da relação entre Riggs e Lorna, novamente interpretada por Rene Russo e agora auxiliada pelo charme que a gravidez traz. Já Joe Pesci surge ainda mais falastrão e caricato na pele do engraçado Leo, que agora ganha a companhia de outro falastrão, o nem tão engraçado Butters vivido por Chris Rock.

Lorna e o charme que a gravidez trazEngraçado LeoNem tão engraçado ButtersJá os vilões continuam sendo a pedra no sapato da série, já que novamente eles surgem enfraquecidos e raramente representam alguma ameaça aos protagonistas. Esta sensação é reforçada pelo momento em que Riggs ridiculariza quase todos eles no restaurante de Benny (Kim Chan), que serve ao menos para apresentar a rara exceção dentro daquele grupo. Obviamente, estou me referindo ao misterioso Wah Sing Ku, interpretado por Jet Li. Compondo o vilão mais perigoso de toda franquia, Li não escapa da natureza unidimensional que marca os antagonistas da série, mas ao menos consegue oferecer alguma ameaça aos protagonistas, o que claramente não acontece com os outros vilões de “Máquina Mortífera”. Inicialmente soando ameaçador somente através da expressão facial, ele apresenta o quanto é letal quando mata um integrante da gangue num telhado, demonstrando toda sua capacidade nas artes marciais.

A presença dos chineses oferece uma oportunidade para que a figurinista Ha Nguyen se divirta ao criar as típicas roupas orientais, ganhando destaque também por chamar a atenção para o contraste entre Riggs e Murtaugh, que antes associávamos às diferenças de estilo entre eles, mas agora passamos a associar ao suposto sucesso financeiro de Murtaugh que gera desconfiança em Riggs. Já a fotografia de Andrzej Bartkowiak aposta novamente em cenas diurnas e iluminadas, que contrastam com o ato final, claramente mais sombrio e banhado pela chuva (outra marca da série). E finalmente, a trilha sonora composta por Eric Clapton (sim, ele!), Michael Kamen e David Sanborn aposta novamente em toques de guitarra que remetem aos bons momentos da franquia, mas agora inova ao trazer uma composição que faz alusão à China na sequência em Chinatown, escorregando por outro lado pelo tom exagerado que emprega em certos instantes, como na chegada do navio que carrega os chineses logo no começo.

Misterioso Wah Sing KuCenas diurnasAto final sombrio e banhado pela chuvaConduzindo todo este trabalho com segurança, Richard Donner acerta novamente na criação de cenas marcantes, como a excelente perseguição de carros envolvendo um trailer numa autopista de Los Angeles, repleta de malabarismos absurdos dos personagens e conduzida de maneira ágil e nunca confusa pelo diretor. Já quando Riggs para o carro na beira do trilho do trem, a tensão toma conta da tela justamente por termos acompanhado um assassinato semelhante no início do filme – e o posicionamento idêntico da câmera ajuda nesta associação. Balanceando estes momentos de adrenalina e tensão, as cenas engraçadas surgem em profusão, mas a que mais se destaca é mesmo a hilária conversa entre Riggs, Murtaugh e Benny num consultório odontológico. E finalmente, Donner mantém-se fiel à estrutura narrativa clássica da série, nos levando ao confronto final entre Riggs e o vilão numa noite chuvosa, fotografada de maneira bem obscura para ampliar a tensão. Só que desta vez, a luta corporal conta também com a participação de Murtaugh e, obviamente, é reforçada pela presença de um oponente realmente ameaçador.

Excelente perseguição de carros envolvendo um trailerHilária conversa num consultório odontológicoConfronto final entre Riggs e o vilãoEscorregando especialmente no roteiro, “Máquina Mortífera 4” representa uma leve queda na qualidade da série, mas está longe de ser um fracasso. Ainda que falte um pouco mais de ação, a foto da “família” e a criativa apresentação dos créditos finais conferem uma atmosfera nostálgica ao desfecho do longa, garantindo o encerramento digno de uma série muito eficiente e divertida.

Máquina Mortífera 4 foto 2Texto publicado em 17 de Fevereiro de 2014 por Roberto Siqueira

O PREÇO DE UM RESGATE (1996)

Roberto SiqueiraDeixe um comentário

(Ransom)

3 Estrelas 

Videoteca do Beto #144

Dirigido por Ron Howard.

Elenco: Mel Gibson, Rene Russo, Gary Sinise, Delroy Lindo, Liev Schreiber, Lili Taylor e Brawley Nolte.

Roteiro: Richard Price e Alexander Ignon.

Produção: Brian Grazer, B. Kipling Hagopian e Scott Rudin.

O Preço de um Resgate[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Poucas situações devem ser mais desesperadoras do que aquela que move “O Preço de um Resgate”. Por isso, é uma pena constatar que Ron Howard e sua equipe falhem ao não explorar todas as possibilidades oferecidas pelo tema abordado, ainda que, dramaticamente, o diretor consiga provocar impacto, baseando-se essencialmente nas ótimas atuações de seu elenco. O resultado é um filme eficiente que, nas mãos de um diretor um pouco mais ousado, poderia ser um complexo estudo sobre os efeitos trágicos que tal situação pode provocar em uma família.

Escrito a quatro mãos por Richard Price e Alexander Ignon (baseado no filme “Decisão Amarga”, de 1956), “O Preço de um Resgate” nos apresenta Tom Mullen (Mel Gibson), o milionário dono de uma companhia de aviação que tem o filho Sean (Brawley Nolte) sequestrado num evento na cidade e se vê obrigado a pagar os dois milhões de dólares exigidos pelos criminosos em troca do resgate do filho. Apoiado pela esposa Kate (Rene Russo) e sob a orientação do agente Lonnie (Delroy Lindo), ele decide seguir as orientações, mas devido à inesperada interferência do FBI, a operação falha e culmina na morte de um dos bandidos, levando à ira o mentor do sequestro Jimmy Shaker (Gary Sinise). Pai e sequestrador passam então a discutir por telefone com frequência e, com os ânimos elevados, Mullen começa a agir de maneira completamente irracional.

Apresentada inicialmente como uma família feliz e bem sucedida, os Mullen (como toda família, aliás) também escondem seus problemas sob aquela fachada de riqueza e prosperidade escancarada em sua vistosa mansão (design de produção de Michael Corenblith), o que é bom, pois aproxima a família do espectador. Neste sentido, aliás, é ótimo que o roteiro evite transformar o longa numa disputa entre mocinho e bandido, driblando o maniqueísmo e a santificação de Tom logo de cara através de seu problema com Jackie Brown. Fugindo de clichês básicos através de pequenos detalhes (repare, por exemplo, que a primeira ligação após o sequestro não é do sequestrador), os roteiristas anunciam gradativamente que a narrativa tomará um caminho diferente do usual, preparando o espectador para o que virá pela frente após o sequestro do garoto. Vale notar ainda como, ainda que apenas superficialmente, o roteiro aborda temas adjacentes interessantes, como o comportamento nada racional da imprensa nestas situações.

Família feliz e bem sucedidaVistosa mansãoComportamento nada racional da imprensaPreparando a plateia para o sequestro desde os primeiros minutos de projeção, Ron Howard faz questão de ressaltar num plano detalhe a tatuagem no pescoço de uma garçonete durante o evento que abre o longa, da mesma maneira que faz com um dos sequestradores enquanto este prepara o cativeiro. Assim, quando vemos a mão tatuada pegando um copo acompanhada pela trilha sonora sombria (e clichê!), já sabemos que os criminosos estão presentes no parque, iniciando o sequestro que se confirmará num movimento de câmera interessante, no qual num instante estamos acompanhando Sean andando pelo parque e, após a câmera passar por trás de uma pilastra, já não vemos mais o garoto. Além de demonstrar de maneira eficiente o drama dos pais neste momento, o diretor também acerta na tensa sequencia da entrega do dinheiro, contando com o auxilio da montagem dinâmica de Dan Hanley e Mike Hill para imprimir um ritmo intenso que deixa a plateia em frangalhos, reforçada pela trilha acelerada de James Horner. Mas, se acerta no tom de urgência empregado nos momentos de tensão, Horner cai num velho clichê ao utilizar o rock pesado para embalar as ações dos sequestradores, esvaziando seu trabalho na composição da trilha sonora.

Tatuagem no pescoço de uma garçoneteMão tatuada pegando um copoO sequestroAtravés das cores frias da fotografia de Piotr Sobocinski e dos figurinos de Rita Ryack, Howard cria um visual acinzentado que ajuda a manter o tom sóbrio exigido pela narrativa. Por outro lado, o diretor aposta no uso frequente do zoom in e do zoom out para realçar as reações dos atores, transmitindo a atmosfera de tensão que é complementada pelo movimento agitado da câmera em diversos momentos, como quando os sequestradores entram em contato com os pais do garoto. O diretor ainda reflete bem a angústia que as horas representam para qualquer pai que enfrente esta situação, mostrando-o prostrado diante do telefone, como se implorasse pela chamada que determinaria as condições exigidas pelos criminosos para acabar com aquele pesadelo.

Cores friasAtmosfera de tensãoProstrado diante do telefoneFuncionando como um porto seguro para aqueles pais desesperados, o agente Lonnie de Delroy Lindo é obrigado a andar no fio da navalha, tentando equilibrar todos os lados daquela equação. Demonstrando autoridade quando preciso, mas também sabendo ser compreensivo nos momentos mais delicados, o agente se sai bem na difícil tarefa e o ator é responsável direto por isso. Entretanto, para que esta situação funcione dramaticamente, é essencial que o espectador acredite que o garoto corre perigo de fato e, por isso, é fundamental que os sequestradores surjam falando abertamente em matar o garoto, deixando claro que aqueles criminosos representam uma ameaça real. Por outro lado, os conflitos entre os sequestradores são essenciais para que a reviravolta provocada pela oferta de Tom tenha algum efeito na plateia, já que, desta forma, nós acreditamos que uma recompensa milionária poderia provocar o desequilibro daquele grupo pouco homogêneo.

Agente LonnieAmeaça realConflitos entre os sequestradoresSurgindo inicialmente como um policial interessado no comportamento de um suspeito numa loja, Jimmy Shaker invade a casa e revela sua participação no sequestro, pra surpresa da plateia. Exibindo um ar ameaçador convincente, Gary Sinise impõe respeito como o mentor do sequestro, demonstrando a autoridade esperada de um líder e, o que é ainda melhor, evidenciando o desequilíbrio que as atitudes de Tom causam no personagem, como notamos, por exemplo, logo após o anúncio da recompensa que o deixa transtornado. A presença imponente de Sinise é essencial também para que Gibson não ofusque o sequestrador com suas explosões, já que o espectador, ainda que inconscientemente, carrega na memória a persona cinematográfica do ator, normalmente associado a heróis que enfrentam a tudo e a todos para conseguirem o que querem.

Policial interessado no comportamento de um suspeitoMentor do sequestroTranstornadoDemonstrando uma química também já conhecida pelo público desde “Máquina Mortífera 3”, Gibson e Russo convencem como casal, demonstrando afinidade e cumplicidade na mesma intensidade em que enfrentam seus problemas, o que é natural em qualquer relacionamento. Entretanto, as atuações de ambos ganham força mesmo após o sequestro, quando ilustram muito bem o drama dos pais e os conflitos entre o casal que as circunstâncias naturalmente evocam. A partir deste instante, praticamente podemos sentir a dor de Kate graças ao ótimo desempenho de Russo, sempre com o olhar expressivo e desesperado que qualquer mãe lançaria nesta situação. Gibson, por sua vez, parece sempre prestes a explodir, algo também natural na condição dele. Pra completar, a conversa inicial entre Tom e Sean na cama logo após o evento inicial serve para demonstrar a afinidade entre eles e criar empatia com a plateia, o que é essencial para aumentar o impacto que a cena do sequestro naturalmente já provocaria.

Afinidade e cumplicidadeDor de KateConversa inicial entre Tom e SeanPor tudo isso, nós não nos surpreendemos quando Tom, ao ver as imagens do filho numa televisão, decide mudar o jogo e inverter a situação – e a expressão no rosto de Gibson permite que a plateia antecipe seus pensamentos, num momento em que não sabemos pelo que torcer, já que esta atitude ousada poderia colocar em risco a vida de seu filho. Com a voz firme, o olhar frio e o coração cheio de ódio, o pai desesperado anuncia que o resgate agora seria uma recompensa paga a quem trouxer o sequestrador “vivo ou morto”, dividindo opiniões não apenas no ambiente diegético (repare os olhares das pessoas que acompanham o anúncio no estúdio), mas também na plateia. Se por um lado aquele ato poderia significar a desestabilização completa do grupo de sequestradores, por outro poderia definir a morte de seu filho – algo que, convenhamos, é um risco que pai algum no mundo gostaria de correr. Pode até funcionar no filme, mas está bem distante da realidade. Ciente disto, Howard faz questão de inserir imagens da cova sendo preparada para Sean logo após o anúncio, criando um conforto artificial no espectador ou, em outras palavras, manipulando nossa visão do tema ao aliviar a loucura cometida por Tom (o que é uma pena, pois esvazia completamente a discussão que a cena poderia gerar). É como se o diretor e os roteiristas dissessem: “Está tudo bem, eles iam matar o garoto de qualquer jeito”.

Expressão no rostoOlhares das pessoas no estúdioCova preparada para SeanCom este cenário de tensão montado, chegamos ao grande momento de “O Preço de um Resgate”, quando sequestrador e pai discutem ao telefone e levam o publico a pensar que Sean foi morto. Demonstrando o desespero do pai de maneira tocante, Gibson se destaca na cena, indo da ira ao desespero e às lagrimas em segundos, seguido de perto pela explosão de Russo (e a distancia pela ira de Sinise), numa cena dramaticamente densa que, infelizmente, é quase destruída graças a um plano rápido que revela que Sean está vivo. Infelizmente, Howard não teve coragem de estender mais o suspense, o que poderia suscitar reflexões interessantes na plateia. Ainda assim, o diretor (e os montadores) se sai bem ao criar um clima tenso através da troca rápida de planos, encerrando a cena num belo plongè que diminui o casal e ilustra sua tristeza, embalado pela trilha melancólica.

Sequestrador e pai discutem ao telefoneDa ira ao desespero e às lagrimasSean está vivoA discussão, reforçada pelo aumento da recompensa, leva os sequestradores ao desequilíbrio total. Esperto, Shaker decide então eliminar o grupo e sair como herói, numa saída inteligente que poderia elevar “O Preço de um Resgate” a outro patamar. Só que, mais uma vez, Howard e seus roteiristas demonstram covardia e optam por encerrar o longa da maneira convencional, apostando no velho confronto entre mocinho e bandido, ainda que, para isto, nos entreguem outra grande cena, quando o garoto escuta a voz de Shaker e, através da troca de olhares com o pai, indica estar diante do criminoso.

HeróiMocinho e bandidoTroca de olharesAbordando um tema delicado e de alta carga dramática, “O Preço de um Resgate” flerta com a possibilidade de ser um grande filme, mas escorrega sempre que depende de escolhas mais ousadas de seus realizadores. No fim das contas, temos um filme tenso e razoavelmente bem conduzido, mas que acaba fugindo um pouco da realidade e tornando-se apenas um bom entretenimento, ainda que as atuações centrais sejam dignas de aplausos.

O Preço de um Resgate foto 2Texto publicado em 02 de Dezembro de 2012 por Roberto Siqueira

POCAHONTAS (1995)

Roberto Siqueira1 comentário

(Pocahontas)

 

Videoteca do Beto #134

Dirigido por Mike Gabriel e Eric Goldberg.

Elenco: Irene Bedard, Mel Gibson, Christian Bale, David Ogden Stiers, Judy Kuhn, John Kassir e Russell Means.

Roteiro: Carl Binder, Susannah Grant e Philip LaZebnik, baseado em história de Glen Keane, Joe Grant, Ralph Zondag, Ed Gombert, Burny Mattinson, Kaan Kalyon, Rob Gibbs, Francis Glebas, Todd Kurosawa, Duncan Marjoribanks, Chris Buck e Bruce Morris.

Produção: James Pentecost.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Abordando o inevitável conflito cultural que a arrogância do homem branco trouxe para as Américas na época das grandes embarcações, “Pocahontas” certamente poderia ser considerado um grande filme se tivesse sido lançado algumas décadas antes. No entanto, lançado um ano depois de “O Rei Leão” e no mesmo ano de “Toy Story”, o longa dirigido por Mike Gabriel e Eric Goldberg claramente soa ultrapassado. Apesar de divertir, seu visual fascinante não consegue eliminar a fraqueza de uma narrativa inocente demais para os padrões de sua época.

Adaptado por Carl Binder, Susannah Grant e Philip LaZebnik com base em história de diversos autores, “Pocahontas” traz a história do encontro da personagem título (voz de Irene Bedard) e de seu povo indígena com os conquistadores britânicos, que chegam ao “novo mundo” liderados pelo governador Ratcliffe (voz de David Ogden Stiers) e pelo capitão John Smith (voz de Mel Gibson), trazendo na bagagem o interesse pela exploração da terra local. Obviamente, este interesse se choca diretamente com os interesses dos nativos, criando um ambiente instável que pode levar à guerra, para a tristeza dos apaixonados Pocahontas e Smith.

Apostando no mais que batido tema das diferenças culturais entre homens brancos e índios, “Pocahontas” ao menos acerta ao questionar a imbecilidade da guerra, mas sua fórmula desgastada fica evidente em diversos momentos da projeção. Pra piorar, quando comparado ao excepcional resultado alcançado pela Disney um ano antes na obra-prima “O Rei Leão”, o projeto soa ultrapassado tanto tematicamente quanto em sua estrutura narrativa, empalidecendo ainda mais diante da renovação que o gênero sofreria no mesmo ano de 1995 com o revolucionário “Toy Story” (da própria Disney, em parceria com os estúdios Pixar). Abordando o conflito entre conquistadores e nativos da maneira mais direta possível, “Pocahontas” não hesita em caracterizar os europeus como cruéis exploradores da terra, que surgem entoando canções sobre como matarão os “selvagens” – o que não está tão distante da realidade apresentada em filmes como o ótimo “A Missão”. E apesar de jamais mostrar o resultado das ações violentas dos personagens (poupando o público infantil), “Pocahontas” pelo menos apresenta estes inevitáveis confrontos, ainda que no primeiro deles apenas um índio seja ferido. Neste sentido, a morte de Kocoum é bem mais realista e essencial para que o espectador entenda o risco daquela situação, trazendo peso dramático num momento crucial da narrativa.

O roteiro peca ainda ao trazer os índios falando em inglês, mas esta é uma escolha compreensível, pois seria comercialmente inviável numa produção voltada para o público infantil misturar dois idiomas e intercalar trechos dublados e legendados, apesar da verossimilhança que esta escolha traria para a narrativa. Por outro lado, os roteiristas acertam ao respeitar características marcantes da cultura indígena, como as reuniões coletivas em que eles debatem assuntos relevantes, o que ajuda na ambientação do espectador, além de inserir na cabeça das crianças, ainda que de maneira inocente, esta visão mais profunda e despida de preconceitos sobre as diferenças entre os povos, reforçada nas conversas entre Smith e Pocahontas. E se – talvez pela falta de carisma de alguns personagens – a narrativa jamais consegue envolver o espectador completamente, por outro lado apresenta personagens interessantes, como a adorável árvore falante que rouba a cena sempre que aparece.

Repleto de canções desde sua abertura, na seqüência visualmente belíssima em que os britânicos deixam o porto em direção ao novo mundo, “Pocahontas” emprega a estrutura narrativa tradicional da Disney – em menos de 20 minutos de projeção, temos quatro números musicais. Com seu trabalho facilitado pela curta duração do filme, o montador H. Lee Peterson não encontra problemas para dar dinamismo a narrativa, esbarrando apenas nestas sequências musicais que quebram o ritmo constantemente. Por outro lado, Peterson acerta em transições interessantes, como aquela em que vemos os índios dizendo que torcem para que os europeus não tenham vindo pra ficar e, no plano seguinte, vemos a bandeira britânica sendo fincada na terra deles. Mas se esta estrutura narrativa claramente estava ultrapassada, pelo menos as músicas do competente Alan Menken têm função narrativa e dão seqüência na história, ainda que não cheguem a empolgar ou tenham a beleza das canções que ele criou para “A Pequena Sereia” e “A Bela e a Fera” – nem mesmo “Colors of the Wind” me agradou tanto.

Explorando mais uma vez com competência a oportunidade de criar paisagens lindas, os animadores da Disney entregam um universo colorido e impressionante, que ganha vida nos movimentos de câmera e planos gerais dos diretores Mike Gabriel e Eric Goldberg, além dos planos simbólicos como o que Pocahontas se depara diante de dois caminhos no rio, escolhendo o mais tortuoso e indicando sua escolha na vida amorosa. Além disso, os diretores acertam em cheio no esperado primeiro encontro entre Pocahontas e Smith, numa cena conduzida lentamente, sob a névoa da cachoeira e praticamente sem diálogos, embalada apenas pela trilha sonora. O visual ganha destaque também quando Pocahontas visita Smith na sombria prisão e, especialmente, na seqüência predominada por tons avermelhados que realçam a natureza violenta das canções entoadas antes da batalha, quando os dois lados gritam que seus adversários são “bárbaros”.

Apesar do requintado visual, “Pocahontas” não apresenta muitos personagens cativantes, falhando também quando tenta ser engraçado, com piadas desinteressantes que normalmente envolvem os animais da protagonista – como sabemos, os momentos de alívio cômico costumam funcionar muito bem em animações. Por outro lado, os personagens centrais da trama não comprometem e compensam esta falha. Surgindo como um grande herói logo em sua introdução, quando salva um homem que caiu no mar, Smith é o típico “príncipe Disney”, de cabelos compridos e olhos claros, e que conta ainda com a voz imponente de Mel Gibson, que confere carisma ao personagem, ainda que lhe falte o sotaque britânico ideal no papel. Já David Ogden Stiers empresta sua voz ameaçadora ao comandante Ratcliffe, um vilão egoísta que não pensa duas vezes antes de prejudicar alguém em benefício próprio, mas que pelo menos garante raros momentos de diversão graças as suas expressões caricaturais. Vale destacar também que Christian Bale empresta sua voz ao dedicado Thomas. E finalmente, Pocahontas se apresenta como uma heroína destemida e corajosa, que carrega a narrativa com facilidade e conquista a empatia do espectador, o que é fundamental para salvar o projeto do fracasso. E se seu romance com Smith não chega a empolgar, pelo menos não compromete em nada o resultado final.

Construído numa escala dramática crescente, o esperado confronto entre conquistadores e nativos é impedido pela coragem de Pocahontas, num final previsível e até mesmo irreal, mas que funciona ao concluir o arco dramático da protagonista, transformando-a na grande heroína. Em seguida, o tema do amor proibido ganha ecos ainda mais dramáticos na despedida de Smith, quando Pocahontas sobe num monte para ver o navio distante (num lindo plano, aliás), perdendo-se no horizonte enquanto leva seu amado de volta para o velho mundo. Apesar do tom melancólico, este sim é um final coerente com a história narrada.

Coerente também é dizer que “Pocahontas” é um apenas bom filme, que diverte o espectador, mas jamais deixa sua marca. Empalidecido diante do cenário em que foi lançado, tampouco ganhou relevância com o passar dos anos, sendo relegado ao esquecimento de parte do grande público, ainda que sobreviva na memória de cinéfilos e apaixonados por animações. Em todo caso, assim como sua protagonista, o longa tem sua beleza.

Texto publicado em 15 de Julho de 2012 por Roberto Siqueira

CORAÇÃO VALENTE (1995)

Roberto Siqueira25 Comentários

(Braveheart)

 

Videoteca do Beto #125

Vencedores do Oscar #1995

Dirigido por Mel Gibson.

Elenco: Mel Gibson, Patrick McGoohan, Sophie Marceau, Catherine McCormack, Brian Cox, Angus MacFadyen, Brendan Gleeson, James Robinson e David O’Hara.

Roteiro: Randall Wallace.

Produção: Bruce Dave, Mel Gibson e Alan Ladd Jr.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Grandioso e intenso, “Coração Valente” apresentou ao mundo muitas das características marcantes do controverso cinema de Mel Gibson, algo que não aconteceu em sua estréia atrás das câmeras, no singelo e tocante “O homem sem face”. Desta vez, o diretor empregou toda sua energia, nos trazendo uma história apaixonante e entregando um longa de forte impacto visual e emocional. Goste ou não do que se vê na tela, uma coisa é certa: o segundo filme dirigido pelo então astro de Hollywood deixou claro que a indiferença é um sentimento que você jamais sentirá num filme dele.

Escrito por Randall Wallace a partir de uma pesquisa em busca de seus ancestrais escoceses, “Coração Valente” narra a história de William Wallace (Mel Gibson), um escocês que tem a noiva assassinada (Catherine McCormack, belíssima como Murron) por ingleses no século XIII e parte para uma vingança pessoal que inflama seus compatriotas e resulta na luta pela liberdade de seu povo.

Olhando superficialmente, o roteiro de “Coração Valente” pode soar maniqueísta por tratar a maioria dos ingleses como cruéis vilões e os escoceses como sofridos heróis. Entretanto, esta visão unidimensional e até mesmo romantizada tem uma justificativa plausível, fugindo do maniqueísmo ao narrar os fatos sob o ponto de vista de Robert the Bruce (Angus MacFadyen), um personagem claramente seduzido pela força do protagonista. E apesar de alguns pequenos erros históricos, o roteiro de Randall apresenta, além de uma estrutura narrativa envolvente, um protagonista realmente cativante, algo que, associado ao carisma de Mel Gibson, faz com que a platéia acredite em suas motivações e “lute” junto com ele. Além disso, o roteiro utiliza com elegância algumas rimas narrativas, seja através das palavras (“Isto é algo que teremos que remediar”) ou de simbolismos, como a flor que conquista Murron (e o coração das mulheres na platéia), abordando ainda de maneira interessante os bastidores das batalhas, através das estratégias de guerra utilizadas por William e pelo rei Eduardo I, o “Longshanks” (Patrick McGoohan), pecando apenas no desnecessário romance entre a princesa Isabelle (Sophie Marceau) e William, que existe apenas para justificar a gravidez dela e amenizar um pouco o sufocante final.

Conseguindo sucesso na difícil tarefa de condensar toda esta história épica sem torná-la cansativa, o montador Steven Rosenblum acerta, por exemplo, ao acelerar o relacionamento entre William e Murron (namoro e casamento acontecem rapidamente), abrindo mais espaço para as seqüências de batalha, que são a alma de “Coração Valente” – e onde, vale ressaltar, o trabalho do montador mais se destaca -, além de intercalar com fluência entre a trama na realeza inglesa, as decisões políticas dos nobres escoceses e a rebelião comandada por William. Já a trilha sonora de James Horner é um capitulo a parte. Misturando elementos tradicionais da música escocesa como a gaita de fole com uma abordagem solene típica dos grandes épicos, Horner cria diversas melodias magníficas, como o lindo tema da relação entre William e Murron “For the Love of a princess”, e colabora muito para a atmosfera lendária do longa.

Essenciais num filme de época, os figurinos de Charles Knode também se destacam, caprichando na recriação dos uniformes do exército inglês, do próprio Longshanks e da princesa Isabelle, que com sua elegância criam um forte contraste com as roupas feitas de trapos e os kilts dos escoceses. Por sua vez, a direção de arte de Ken Court, Nathan Crowley, John Lucas e Ned McLoughlin acerta na escolha de imponentes castelos, na decoração interna destes ambientes e na variedade de armas e acessórios utilizados nas guerras, como os escudos e capacetes. Quem também merece destaque especial é a excelente maquiagem, que torna os ferimentos nas batalhas bastante realistas, assim como o ótimo design de som, que nos permite escutar cada arma sendo movimentada, a respiração dos personagens, o som da chuva e os cavalos cavalgando com incrível clareza.

Explorando a beleza da região e captando com destreza a essência das batalhas, o diretor de fotografia John Toll colabora sensivelmente para o sucesso da direção de Mel Gibson. São inúmeras as seqüências de grande beleza plástica, como o ritual com as gaitas de fole no túmulo do pai de William ou o encontro entre os jovens William e Murron em que a menina o consola com uma flor, além de toda a seqüência do namoro deles, que faz com que a platéia crie empatia pelo casal. Aliás, a chuva que marca o início do romance indica o futuro trágico daquela relação.

Com um sotaque britânico apenas razoável, o competente e carismático Mel Gibson demonstra bem a transformação de William, inicialmente um homem preocupado somente em constituir sua família, mas que vai até as últimas conseqüências dos conflitos após ver sua noiva ser friamente executada. Encarnando o líder escocês com alma e paixão, ele oferece um desempenho acima da média, envolvendo o espectador na luta do personagem (nós acreditamos nele) e convencendo no papel de grande líder até o último instante. Na pele de seu antagonista, Patrick McGoohan entrega uma atuação marcante e faz de seu rei Eduardo I, o “Longshanks”, um vilão respeitável, demonstrando a autoridade esperada de alguém em sua posição e mostrando cuidado com pequenos detalhes de sua composição, por exemplo, ao começar a tossir levemente quando retorna da França e encontra a cabeça do sobrinho numa cesta, indicando o início da doença que o levaria à morte. E mesmo que o roteiro demonize seu personagem, McGoohan consegue demonstrar algumas das características marcantes do verdadeiro Eduardo I, como a inteligência e a liderança.

Dona de um rosto angelical e grande carisma, Sophie Marceau vive a princesa Isabelle e se torna o porto seguro do espectador sempre que a narrativa salta para a Inglaterra, enquanto o Hamish de Brendan Gleeson é o responsável pelos momentos de alivio cômico da narrativa – como no reencontro com William ainda no primeiro ato -, assim como Stephen, o irlandês maluco vivido por David O’Hara. E finalmente, o angustiado Robert the Bruce de Angus MacFadyen é um personagem complexo, dividido entre manter as posses da família e o respeito dos nobres e jogar tudo pro alto para lutar com a paixão de William contra os ingleses.

Todo este apuro técnico e bom nível das atuações de “Coração Valente” contam, obviamente, com o olhar atento do diretor Mel Gibson, que demonstra ainda enorme talento para a composição visual e energia para conduzir à narrativa. Gibson inicia seu épico mostrando uma série de paisagens deslumbrantes no acidentado terreno das Highlands, numa metáfora sutil para a própria vida de William, um personagem belíssimo, mas com uma trajetória repleta de altos e baixos. Retratando a vida do herói escocês desde sua infância, onde presenciamos dois traumas marcantes (a descoberta dos escoceses enforcados e a morte de seu pai, numa cena em que a reação do garoto ao perceber que o pai não voltou vivo nos parte o coração), o diretor conduz a narrativa com paciência, nos familiarizando com os personagens e, principalmente, criando empatia entre William e a platéia. Além disso, ele também utiliza com destreza a câmera lenta em momentos de forte impacto, como quando uma noiva plebéia acalma os soldados ingleses e se entrega ao lorde local para a primae noctis ou no ataque da cavalaria inglesa em Stirling, criando também planos inteligentes, como aquele que mostra muitos ingleses cercando um pequeno grupo de escoceses, que serviam de isca para o ataque dos outros que surgem no alto do monte. Existe ainda um pequeno momento que confirma o talento de Gibson atrás das câmeras, quando Stephen salva William na floresta, numa cena em que a câmera fala mais que qualquer palavra.

Ponto de virada na narrativa, a morte de Murron serve também para inserir pela primeira vez o tipo de violência gráfica que permeia “Coração Valente”, preparando o espectador para o que virá pela frente. O choque com a morte dela nos faz esperar pela reação de William e o diretor, ciente disto, brinca com nossa expectativa, esticando ao máximo o momento que precede seu ataque através da câmera lenta. Ele sabe que o agora revoltado espectador espera que William se vingue e quando isto acontece, a direção visceral e a montagem cheia de energia criam uma seqüência de forte impacto. Mas Gibson sabe que este momento significa muito mais do que uma simples vingança pessoal, marcando o nascimento da lenda e o estopim para a luta pela independência escocesa, e encerra a cena com um marcante silêncio que precede os gritos de “Wallace”, enquanto William é filmado por baixo para engrandecê-lo na tela.

Mas apesar desta grande cena, sua competência na direção se confirma mesmo na sensacional batalha de Stirling, um espetáculo cinematográfico de primeira grandeza, que não deve em nada às grandes cenas da história dos épicos. Temos certeza de estar acompanhando um momento marcante desde o inicio, com a triunfal chegada do exército inglês, capaz de fazer o chão tremer (novamente, ponto para o design de som), passando pelos efeitos digitais que multiplicam os figurantes e nos apresentam numerosos exércitos e pelo emocionante discurso de William antes do inicio da batalha – neste discurso, aliás, nasce à imagem icônica do personagem com a cara pintada de azul, num erro histórico de menor importância que é um ótimo exemplo de licença criativa que agrega à narrativa. O show do diretor continua durante o confronto, imprimindo uma energia incrível em toda seqüência, com sua câmera inquieta e cortes rápidos que jamais soam confusos e nos jogam pra dentro do campo de batalha de maneira brutal, nos fazendo praticamente sentir o calor do combate e o sangue que é derramado. Obviamente, este realismo extremo torna a batalha muito mais convincente. Além disto, temos o genial momento em que os escoceses param pela primeira vez na história a cavalaria inglesa, num fato real que fica ainda mais empolgante na câmera de Gibson.

Entretanto, a adrenalina contagiante das batalhas de “Coração Valente” termina em Falkirk, com a traição de Robert the Bruce (indicada numa conversa prévia com seu pai) provocando outro choque na platéia, que se sente tão desnorteada quanto o próprio William, que apesar disto consegue escapar. Mas o arrependimento não tarda e Bruce cai de joelhos em meio aos mortos da batalha, numa cena triste, ressaltada pela névoa e pelo plano que o diminui na tela. Só que em outra emboscada, desta vez sem a participação dele, Wallace finalmente é capturado pelos ingleses. Julgado e condenado, ele caminha para a morte e o longa para o seu trágico desfecho. Mantendo o realismo habitual, a triste execução nos sufoca e nos faz clamar pelo grito de piedade de William – praticamente podemos sentir sua dor, graças ao ótimo desempenho de Gibson. Quando ele finalmente se esforça para falar, ouvimos a única palavra que poderíamos esperar dele. E o grito de “liberdade” de William Wallace certamente está entre os grandes momentos do cinema nos anos 90, sendo capaz de levar muitos espectadores às lagrimas. O final poético, com sua espada fincada no campo de batalha e as palavras que anunciam a conquista da liberdade escocesa, encerra este filme triste, é verdade, mas que carrega em cada fotograma a grandiosidade dos melhores épicos.

Se “todo homem morre, mas nem todo homem realmente vive”, William Wallace pode se orgulhar, pois sua incrível jornada sobreviveu ao tempo e se eternizou neste belo e poético “Coração Valente”, um filme com sentimento, apaixonante e que se eterniza na memória dos amantes da sétima arte.

PS: Como afirmei na crítica de “Um Sonho de Liberdade”, “Coração Valente” é responsável direto por minha paixão pela sétima arte, além de ser – como vocês saberão em detalhes no próximo post – o filme mais importante da minha vida.

Texto publicado em 29 de Janeiro de 2012 por Roberto Siqueira

MAVERICK (1994)

Roberto SiqueiraDeixe um comentário

(Maverick)

 

Videoteca do Beto #104

Dirigido por Richard Donner.

Elenco: Mel Gibson, Jodie Foster, James Garner, Alfred Molina, James Coburn, Corey Feldman, Danny Glover, Graham Greene, Geoffrey Lewis, Paul L. Smith, Dan Hedaya, Max Perlich, Jean Da Baer, Jack Garner, Dub Taylor e Margot Kidder.

Roteiro: William Goldman, baseado na série de TV “Maverick”, escrita por Roy Huggins.

Produção: Bruce Davey e Richard Donner.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Os anos 90 marcaram a ressurreição do mais americano dos gêneros, o western, através de excelentes filmes como “Dança com Lobos” e “Os Imperdoáveis”. Graças a eles, as produtoras voltaram a ter confiança no gênero e filmes como este despretensioso “Maverick” puderam ser lançados. Quem saiu ganhando foi o cinéfilo, que viu ressurgir um gênero delicioso. Com muito bom humor e uma narrativa leve, o longa dirigido por Richard Donner cumpre muito bem o que se propõe a fazer, divertindo o espectador enquanto acompanha a trajetória do esperto protagonista interpretado com carisma por Mel Gibson.

Bret (e não Bert!) Maverick (Mel Gibson) é um hábil jogador de pôquer que precisa desesperadamente arrumar três mil dólares para poder participar de um milionário campeonato num rio do Mississipi. No caminho, ele cruza com a bela Annabelle Bransford (Jodie Foster) e com o durão Zane Cooper (James Garner), que acompanharão o protagonista em sua atrapalhada jornada.

Escrito por William Goldman (baseado na série de TV homônima, escrita por Roy Huggins), “Maverick” acompanha a trajetória de seu personagem principal pelo velho oeste com bom humor. Buscando participar de um importante campeonato de pôquer que poderá lhe render nada menos que meio milhão de dólares, tudo que Bret Maverick deseja é ganhar os seus dólares sem morrer no caminho. O que os outros enxergam como covardia, para ele é apenas questão de sobrevivência. Repleto de sátiras que constantemente provocam o riso no espectador, o roteiro Goldman apresenta uma série de diálogos divertidos e ágeis, especialmente quando envolvem o trio Maverick, Cooper e Annabelle, além de inserir boas tiradas, que surgem ainda melhores graças à condução de Donner (repare como ele demora a revelar o “puro sangue” de Maverick, o que é essencial nesta piada, por exemplo). Além das excelentes piadas, o diretor consegue criar boas seqüências de ação, como quando Maverick tenta controlar uma diligência desgovernada em alta velocidade, pulando de um cavalo para outro até conseguir frear os animais (uma referência ao clássico de John Ford “No Tempo das Diligências”). Repleta de referências a momentos típicos dos westerns clássicos, a narrativa apresenta até mesmo a habitual cena em que os bandidos dormem bêbados ao redor da fogueira, sendo surpreendidos pelo protagonista, em outro momento divertido, que se encerra num emocionante e tradicional tiroteio.

Explorando com competência as belas paisagens, Donner ambienta perfeitamente o espectador ao velho oeste, auxiliado também pela direção de arte de Daniel T. Dorrance, que cria uma bela cidade no início, assim como capricha na aldeia indígena e no barco que receberá o campeonato de pôquer. Também vale citar os figurinos de April Ferry, essenciais na ambientação do espectador, com os vestidos charmosos das mulheres e os ternos elegantes dos homens, especialmente nos jogos. E por falar nos jogos, Donner também consegue deixar as partidas sempre interessantes, graças à montagem eficiente de Stuart Baird e Michael Kelly, como no primeiro jogo em que Maverick perde por uma hora, onde a rápida seqüência de imagens e a trilha divertida de Randy Newman tornam a cena empolgante – e vale registrar o olhar cínico de Gibson quando Maverick olha para o relógio e confirma que passou uma hora, guardando-o rapidamente para que os outros jogadores não percebam que agora ele poderá vencer. Finalmente, o tom leve e bem humorado da narrativa é reforçado pela fotografia de Vilmos Zsigmond, que emprega cores quentes, valorizando o visual árido do oeste.

Leve e espontâneo em diversos momentos, Mel Gibson confirma seu talento para cenas cômicas, já indicado na série “Máquina Mortífera”, arrancando o riso da platéia com facilidade, por exemplo, ao oscilar entre a fúria e o bom humor numa discussão com um rival de jogo ou nas constantes brincadeiras que faz com Annabelle. Além disso, momentos como aquele em que brinca com uma arma com grande habilidade servem para conquistar a simpatia do espectador, o que é essencial na trama, transformando o protagonista num personagem carismático, ainda que politicamente incorreto. Da mesma forma, o talento e o carisma de Jodie Foster se encaixam perfeitamente na charmosa e atrapalhada Annabelle, uma personagem igualmente adorável. Demonstrando excelente química com Gibson, a atriz surge leve e divertida, destacando-se em diversos momentos, como quando tenta seduzir e roubar Maverick eu seu apartamento. E apesar de exagerar nas caretas em alguns instantes, Alfred Molina cria um vilão respeitável como Angel, coerente com o tom leve da narrativa, mas impondo-se quando necessário, como quando surra quatro homens num bar.

A inteligência de Richard Donner fica evidente ainda na genial ponta de Danny Glover, que surge como um ladrão de bancos que “está velho demais pra isso”. Num fascinante exercício metalingüístico, Donner cria uma cena sensacional ao permitir que Gibson e Glover troquem olhares com um ar de “te conheço de algum lugar”, numa referência clara a parceria da dupla em “Máquina Mortífera”, confirmada até mesmo pelo toque da trilha sonora quando o rosto de Glover é revelado e pela frase do bandido, dita após sair do banco. Também inteligente é a escolha de James Garner para viver Cooper, o pai de Maverick, já que o ator interpretou Bret Maverick na série de TV que inspirou o filme, ainda no final dos anos 50. Garner está seguro no papel, demonstrando firmeza como um policial respeitável e coroando sua atuação na cena final, quando demonstra grande afinidade com Gibson. Outra escolha acertada é a de Graham Greene para viver Joseph, o líder indígena, numa referência ao seu papel em “Dança com Lobos”, também confirmada por um rápido acorde da trilha sonora. Leve e despojada, a atuação de Greene é uma síntese de todo o elenco. Eles estavam leves e realmente se divertindo ao fazer o filme – o que reforça o mérito do trabalho de Donner.

Imprimindo o ritmo correto ao longa, Donner e a dupla de montadores dividem muito bem a narrativa, balanceando momentos de ação e bom humor até chegar ao esperado campeonato de pôquer, onde o trabalho dos montadores novamente se destaca, transformando o campeonato em outra seqüência agradável, novamente embalada pela excelente trilha sonora. Apesar disto tudo, o longa não é perfeito, e o pequeno drama que surge quando Maverick é trancado em sua cabine serve apenas para que o herói (?) chegue ao jogo no último minuto, num clichê que, desta vez, soa descartável. Por outro lado, toda a partida final é empolgante e tensa, com exceção do divertido momento em que Maverick elimina Annabelle da mesa. E na última jogada, o silêncio que predomina por alguns instantes amplia a tensão até que a carta mágica de Maverick seja revelada, numa interessante rima narrativa com outra cena, ainda no início, em que ele fala sobre a crença de infância desacreditada pelo pai. Infelizmente, logo após este momento de êxtase, a desnecessária fuga de Cooper com o dinheiro da aposta “brocha” o espectador. Nem mesmo a explicação de seu plano junto ao Comodoro (James Coburn) justifica a ação, já que o problema está no pouco tempo que a platéia tem para curtir a vitória de Maverick. A cena final revela que Cooper é o pai de Maverick e, somada à aparição de Annabelle e aos deliciosos diálogos sobre as semelhanças entre pai e filho, encerra o filme no tom correto, jogando o espectador pra fora com aquela deliciosa sensação de satisfação.

Com cenas memoráveis e muitos momentos capazes de fazer a platéia sorrir, “Maverick” é destes filmes leves, que alegram nosso dia, ainda que não deixem grandes reflexões. Nem deveriam. Com muito bom humor, o versátil Richard Donner tira mais uma carta da manga e, graças também ao ótimo elenco, entrega uma narrativa despretensiosa, envolvente e, acima de tudo, suficiente para nos divertir.

Texto publicado em 13 de Julho de 2011 por Roberto Siqueira

MÁQUINA MORTÍFERA 3 (1992)

Roberto Siqueira3 Comentários

(Lethal Weapon 3)

 

Videoteca do Beto #85

Dirigido por Richard Donner.

Elenco: Mel Gibson, Danny Glover, Joe Pesci, Rene Russo, Stuart Wilson, Steve Kahan, Darlene Love, Traci Wolfe, Damon Hines, Ebonie Smith, Gregory Millar, Nick Chinlund, Bobby Wynn, Alan Scarfe e Mark Pellegrino.

Roteiro: Jeffrey Boam, baseado em história de Jeffrey Boam e Robert Mark Kamen.

Produção: Richard Donner e Joel Silver.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Se “Máquina Mortífera 2” apresentava algumas novidades que evitavam a sensação de “mais do mesmo”, este “Máquina Mortífera 3” não apresenta o mesmo frescor, dando a sensação de que simplesmente repete a fórmula dos filmes anteriores. Felizmente, “Máquina Mortífera” é uma série que depende muito pouco da trama de cada filme, baseando seu sucesso na excelente mistura de ação e comédia empregada por Richard Donner, e, principalmente, na química de sua dupla de policiais, graças ao excepcional entrosamento de Mel Gibson e Danny Glover. Desta forma, se os vilões enfraquecidos e a história simples demais prejudicam a narrativa, a força das cenas de ação constantemente intercaladas com momentos de bom humor e a dinâmica relação da dupla principal garantem o sucesso do longa.

Após provocar acidentalmente a explosão de um prédio, a dupla de policiais formada por Martin Riggs (Mel Gibson) e Roger Murtaugh (Danny Glover) é rebaixada ao cargo de guarda de rua. Só que um movimento suspeito num furgão dá a chance de redenção para a explosiva dupla, que inicia uma investigação a respeito de um gigante esquema de roubo de armas, comandado por um ex-integrante da policia.

Apostando na mesma fórmula de “Máquina Mortífera” e “Máquina Mortífera 2”, Richard Donner consegue mais uma vez balancear com incrível competência as empolgantes seqüências de ação com momentos dignos dos bons filmes de comédia, algo notável desde a primeira cena deste “Máquina Mortífera 3”, quando o conflito entre a impulsividade de Riggs e o conservadorismo de Murtaugh nos leva pra dentro de um prédio cercado pela polícia devido a suspeita de uma bomba e nos entrega uma das mais emblemáticas cenas da série. Observe a excepcional condução de Donner, intercalando as tiradas de Riggs (“Cher não tem tanto plástico!”), a discussão sobre qual fio é o correto e, inteligentemente, incluindo um plano de um gato andando sobre o carro, que será a chave para o hilário final da seqüência (“Pegue o gato!”). O diretor é competente também na condução das ótimas cenas de ação, como a perseguição com furgões em alta velocidade, também repleta de pitadas de bom humor, graças à simpática Delores, interpretada com carisma por Delores Hall, ou a empolgante perseguição que se inicia no metro, sai pelas ruas com Riggs numa moto (e na contramão!) e termina com ele pendurado numa ponte. Nesta cena, observe a alternância dinâmica entre os planos aéreos, os closes e planos subjetivos, que nos colocam sob o ponto de vista de Riggs, graças também a montagem ágil de Robert Brown e Battle Davis, além da qualidade do som, que capta com precisão o barulho da moto, dos carros, das buzinas e as vozes dos personagens. Donner também é hábil nos movimentos de câmera que nos jogam pra dentro da trama, como a câmera que acompanha Riggs e Roger no tiroteio que resulta na morte de Darryl (Bobby Wynn), além de utilizar estes mesmos movimentos para nos transmitir sensações, como no zoom out que diminui Roger na tela após este tiroteio, ilustrando a aflição do policial após matar o garoto. E finalmente, Richard Donner mostra talento na condução das cenas engraçadas, como quando Riggs interrompe as filmagens de um filme e atrapalha Rianne (Traci Wolfe), tratando de recuperar imediatamente o emprego da moça à sua maneira, ou quando Leo (Joe Pesci) leva um tiro na quadra de hóquei e é levado ao hospital.

Para manter este clima descontraído, Donner manteve também algumas das principais falhas da série, como as situações pouco verossímeis, como quando o ex-tenente Travis (Stuart Wilson) entra na delegacia sem ser revistado, vai até a sala, mata o assaltante preso diante das câmeras e vai embora tranquilamente, e os vilões enfraquecidos pela leveza da narrativa, algo evidenciado quando Lorna (Rene Russo) e Riggs invadem uma casa, batem em todos os bandidos e fogem com as armas e o cachorro deles. E desta vez Donner peca ao criar um plano óbvio demais, quando envolve Travis em chamas na tentativa de “demonizar” o vilão, o que não acontece por tudo que já foi citado, mas também por causa da fraca atuação de Wilson, que jamais consegue transmitir segurança como o vilão principal. Por outro lado, a tradicional trilha sonora de Eric Clapton, Michael Kamen e David Sanborn, repleta de jazz e blues, e a fotografia clara de Jan de Bont, que aposta em cores vivas e muitas cenas diurnas, continuam coerentes com a atmosfera leve da série.

Escrito por Jeffrey Boam, baseado em história de Jeffrey Boam e Robert Mark Kamen, “Máquina Mortífera 3” aborda novamente, ainda que superficialmente, o tema da aposentadoria, ilustrando o cruel dilema que toda pessoa enfrenta ao se aproximar o momento de deixar de fazer o que gosta. Este interessante subtexto fica ainda mais evidente, obviamente, porque agora Roger está muito mais perto de se aposentar (mais precisamente, há oito dias quando a narrativa se inicia). Desta forma, Danny Glover pela primeira vez tem mais destaque que Mel Gibson, ao ilustrar muito bem o incomodo que o personagem sente, por exemplo, através de sua já tradicional frase “Estou muito velho pra isso”, algo refletido também quando responde a pergunta “Cortou-se? Lâmina velha?” com duas palavras secas e diretas: “Rosto velho”. O ator mostra competência ainda quando Roger se preocupa com o filho Nick (Damon Hines), tentando desesperadamente manter a intimidade perdida com o garoto através da patética brincadeira que faz com as gírias que o filho utiliza no dia-a-dia. A situação só piora quando ele mata acidentalmente um amigo de Nick, o que nos leva à melhor cena dramática do longa, quando Riggs mostra pro amigo que ele não teve culpa no assassinato, provando mais uma vez a forte amizade entre eles. Repare o predomínio das sombras na cena, refletindo a angustia de Roger e até mesmo de Riggs, pois, nas palavras dele, “era a dupla que estava sofrendo” e não somente Roger. O alívio só vem para Roger quando seu filho diz que não o culpa, tirando um peso enorme de suas costas e devolvendo-lhe a motivação. Além deste ponto alto em suas atuações, Gibson e Glover mantém o incrível entrosamento dos filmes anteriores, fazendo com que aquela amizade torne-se praticamente palpável ao espectador, que carrega ainda na memória a lembrança de tudo que eles viveram, dando à amizade entre Riggs e Roger um peso enorme. Além disso, as constantes brincadeiras entre eles conferem realismo aquela relação, pois os verdadeiros amigos agem exatamente desta forma.

Novamente interpretado com muito carisma por Mel Gibson, Riggs continua louco ao ponto de brincar com um cachorro feroz e fazer amizade com ele, impressionando sua nova parceira Lorna, mas já não tem o mesmo impulso suicida de antes, pois encontrou o seu lugar na família de Roger. E apesar de sua introdução seguir o clichê “brigam e depois ficam juntos”, a Lorna de Rene Russo é realmente encantadora, conquistando Riggs com suas habilidades durante uma briga (“Minha garota”, diz ele), mas também com seu jeito direto de lidar com o maluco policial. Ainda que não tenha a química de Gibson e Glover em cena, Russo se sai bem e estabelece uma boa parceria com a dupla, especialmente com Mel Gibson, algo notável da divertida cena em que eles mostram as cicatrizes no corpo e acabam dormindo juntos. Fechando os destaques do elenco, Joe Pesci está novamente hilário como Leo, com suas falas rápidas e seu jeito ansioso de lidar com os seus “amigos”.

As agradáveis rimas narrativas também marcam presença neste terceiro filme, como quando Roger usa o chute parafuso e diz que “funciona mesmo”, numa alusão a brincadeira de Riggs na delegacia. Em outra interessante rima narrativa, agora com os dois filmes anteriores, Riggs se envolve numa luta corporal com o grande vilão do filme, resultando no momento em que ele usa as balas “mata ex-tiras” e vence o rival. Além disso, o fogo no chão no empolgante terceiro ato faz alusão aos créditos iniciais do filme, quando os letreiros aparecem sob chamas, o que também é elegante – e aqui vale citar o divertido momento em que Riggs pede que Roger conte até 20 antes de colocar fogo em tudo e Roger, sem se dar conta da insanidade daquele pedido, tenta efetivamente contar (“13, 14… Ah, dane-se!”). Após a explosiva solução do conflito, Riggs, com Lorna nos braços, reencontra o amor e Roger não se aposenta, deixando a sensação (na época) de que um quarto filme era apenas questão de tempo.

Richard Donner aposta na repetição da fórmula dos filmes anteriores neste “Máquina Mortífera 3”, que justamente por não depender exclusivamente da trama, consegue um bom resultado, graças aos seus personagens marcantes e ao que de melhor a série apresenta, uma mistura genuína entre ação e comédia.

PS: Vale aguardar o final dos créditos para acompanhar uma divertida brincadeira envolvendo Roger e Riggs.

Texto publicado em 02 de Fevereiro de 2011 por Roberto Siqueira

MÁQUINA MORTÍFERA 2 (1989)

Roberto Siqueira13 Comentários

(Lethal Weapon 2)

 

Videoteca do Beto #63

Dirigido por Richard Donner.

Elenco: Mel Gibson, Danny Glover, Joe Pesci, Joss Ackland, Derrick O’Connor, Patsy Kensit, Darlene Love, Traci Wolfe, Steve Kahan, Mark Rolston, Jenette Goldstein, Dean Norris, Juney Smith e Nestor Serrano.

Roteiro: Jeffrey Boam, baseado em estória de Shane Black e Warren Murphy.

Produção: Richard Donner e Joel Silver.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Embalado pelo sucesso de “Máquina Mortífera”, o diretor Richard Donner se juntou novamente a dupla Mel Gibson e Danny Glover para realizar este “Máquina Mortífera 2”, que felizmente consegue manter as melhores características do primeiro filme e, através da introdução de novos elementos na narrativa, renova a trama, evitando que o espectador tenha a sensação de estar vendo uma simples repetição do que já viu anteriormente. Além disso, o longa apresenta seqüências de ação de tirar o fôlego, recheadas com um humor sarcástico que mantém a narrativa leve e descontraída.

A dupla de policiais formada pelo maluco Martin Riggs (Mel Gibson) e pelo pai de família Roger Murtaugh (Danny Glover) tenta combater o traficante de drogas Arjen “Aryan” Rudd (Joss Ackland) que, por ser do corpo diplomático da África do Sul, usa sua imunidade política como escudo para poder cometer seus crimes livremente. A situação da dupla de policiais se complica ainda mais quando os dois são escolhidos para dar proteção a uma testemunha chave do governo, o chato Leo Getz (Joe Pesci).

Logo no início de “Máquina Mortífera 2” o espectador já pode perceber que as principais características do primeiro filme foram mantidas nesta seqüência, através da alucinante perseguição de carro pela cidade. Novamente, Riggs se mostra agitado e sem medo da morte e Roger mais preocupado com sua família do que com qualquer outra coisa. A empolgante perseguição serve também para confirmar o bom trabalho técnico da equipe liderada por Richard Donner, a começar pela a excelente montagem de Stuart Baird – que mantém a cena num ritmo frenético – e pelo belo trabalho de som e efeitos sonoros, que capta com precisão o barulho dos veículos em alta velocidade, os diálogos e principalmente os tiros e explosões. Também se destaca o bom trabalho do próprio Donner, que conduz a cena com segurança e envolve o espectador completamente na narrativa com menos de dez minutos de projeção. A seqüência de abertura revela ainda a característica principal da série, misturando ação e bom humor quando Riggs ri durante a perseguição e diz pra Roger que ele tinha razão, pois “não tinha espaço” para o carro passar. Finalmente, a trilha sonora nostálgica dos excelentes Eric Clapton, Michael Kamen e David Sanborn também está presente nesta continuação.

Um dos grandes destaques do longa, o roteiro de Jeffrey Boam, baseado em estória de Shane Black e Warren Murphy, espalha pela narrativa diversos diálogos sobre coisas banais, como o método utilizado pelo drive-thru para enganar os clientes, o que reforça o clima descontraído. Também colabora a direção de fotografia de Stephen Goldblatt, que utiliza cores vivas durante boa parte da narrativa, o que contrasta muito bem com os momentos de tensão, que normalmente se passam no período da noite e, portanto, com um visual mais sombrio. O roteiro aproveita o clima descontraído para apresentar características dos personagens que refletirão em momentos chave da narrativa, como a brincadeira de Riggs ao deslocar o ombro no departamento de polícia. Uma das marcas da série, o bom humor aparece com força total neste segundo filme, por exemplo, quando Roger assiste junto com toda a família o comercial de Rianne sobre camisinhas (até mesmo Roger ri quando os policiais montam uma árvore em homenagem ao comercial de sua filha) ou quando o som da máquina de pregar faz com que Riggs e Roger se deitem no chão com as armas na mão. Repare que nem mesmo os vilões escapam das piadas do roteiro, como quando um dos capangas de Arjen diz que “só estava vendo se estava em cima do plástico”, numa engraçada referencia à morte de outro parceiro. Mas se por um lado este aspecto mantém a narrativa leve e descontraída, por outro claramente enfraquece os vilões diante do espectador. Em outro momento hilário, Roger fica preso na privada devido a uma bomba e Riggs, apesar de prometer não causar muito alarde, convoca todo o departamento de polícia e a imprensa. Rapidamente, o momento de descontração é substituído pela tensão antes da explosão da bomba, o que serve também para que a dupla prove mais uma vez sua afinidade e amizade através do diálogo que precede a explosão. Outro momento que foge do tom leve da narrativa acontece quando Trish Murtaugh (Darlene Love) encontra uma caneta dourada, o que serve de gancho para que o roteiro explique como foi a morte de Vicki, esposa de Riggs, e mostre como este assunto claramente ainda o perturba. Finalmente, Jeffrey Boam espalha pelo roteiro algumas críticas de forma sutil, como a aposta paga por um policial com a moeda sul-africana que demonstra a corrupção da polícia ou o interessante protesto político contra a matança dos peixes através dos gritos para Roger não comer atum.

Mantendo uma das características do primeiro filme, a fragilidade dos vilões fica evidente em diversos momentos do longa. Repare, por exemplo, a facilidade com que Riggs entra no prédio do consulado sul-africano depois da confusão armada por Roger. Novamente os vilões não conseguem dar a sensação de que representam alguma ameaça à dupla de policiais, talvez pelo tom leve da narrativa ou simplesmente pelas atuações apenas razoáveis dos bandidos. Nem mesmo a tentativa de Donner, ao engrandecer Arjen na tela filmando-o de baixo pra cima ou ao mostrar o chefão eliminando um de seus comparsas após este perder o dinheiro numa fuga de carro, consegue transformar o vilão em alguém temível. Somente no terceiro ato é que os bandidos finalmente passam a representar uma séria ameaça, quando começam a eliminar de seu caminho todos os policiais. Neste momento, aliás, a trama aumenta consideravelmente a carga dramática, através do assassinato de Rika (Patsy Kensit), num plano impressionante embaixo da água, da tortura de Leo e da revelação do assassino de Vicki. Até mesmo a atuação de Gibson melhora consideravelmente neste momento, expressando muito bem a raiva do personagem (“Esta noite não sou policial. É pessoal!”) e partindo para a vingança de forma alucinada. “Não tente me deter Roger”, diz Riggs, claramente transtornado e sedento por vingança. Este, aliás, é um tema recorrente na carreira de Gibson, que freqüentemente interpreta homens que, após terem a família dizimada, partem para a vingança sem medir esforços e conseqüências – o que não diminui a qualidade do trabalho do ator, por mais que não seja uma novidade.

Mel Gibson, vale dizer, que está bem novamente na pele do debochado Riggs. O ator mantém o ritmo frenético do personagem, correndo, pulando, lutando e dando a sensação, com seus olhos arregalados, de estar sempre pronto para explodir. Mas além deste aspecto, Gibson mostra muita qualidade no timing cômico, já que Riggs é responsável por grande parte das ótimas piadas do filme. Observe, por exemplo, como ele contém o riso quando o “careta” Roger se irrita ao ver o comercial de Rianne ou sua forma “carinhosa” de curar um ferimento no nariz de Leo. Quem também repete a boa atuação do primeiro filme é Danny Glover. Seu Roger Murtaugh é o contraponto ideal para a loucura de Riggs, se mostrando sempre focado em sua família e ao mesmo tempo, jamais deixando o parceiro na mão. Novamente a dupla demonstra uma sintonia incrível através dos diálogos sarcásticos e irônicos, o que garante a empatia do espectador. Mas “Máquina Mortífera 2” precisava de algo novo para não se tornar um filme do tipo “mais do mesmo” e para isto conta com um reforço de peso em seu elenco, já que o fantástico Joe Pesci dá as caras para interpretar o irritante Leo Getz de forma fabulosa. Suas falas rápidas, o jeito atrapalhado e as constantes piadas e perguntas infantis fazem de Leo um personagem encantador. Repare sua empolgação quando finalmente se envolve numa perseguição policial (“Isto é assunto da polícia!”) e sua felicidade quando enfim os amigos policiais permitem que ele ligue a sirene.

A competente direção de Donner é responsável ainda pela condução das ótimas seqüências de ação. Numa das grandes cenas do filme, o som dos helicópteros sobre a água serve de alerta para que Riggs e Rika tentem fugir antes do massacre proporcionado pelos vilões em seu trailer. A ação também aparece com força total no terceiro ato, primeiro com a fúria de Riggs, que resulta na destruição da casa de Arjen (repare como ele explode de satisfação quando a casa vem abaixo) e depois, com a tensa seqüência final dentro do navio, onde assim como no primeiro filme, Riggs resolve seus problemas numa luta com seu rival. Donner cria ainda um pequeno suspense quando Riggs cai baleado, mas o bom humor volta com força total no último e engraçado diálogo da dupla, com Riggs deitado no colo do amigo.

Richard Donner consegue repetir em “Máquina Mortífera 2” a fórmula de sucesso do primeiro filme da série, mesclando com competência o bom humor e as espetaculares cenas de ação. Talvez a narrativa leve demais não dê ao tema abordado o peso dramático que este sugere, mas felizmente o segredo do sucesso do filme está na mistura entre ação e humor, e não na discussão sobre o tráfico e suas conseqüências. Dentro de sua proposta, é um filme eficiente, que diverte plenamente o espectador, graças também ao competente trabalho da dupla Gibson e Glover. Por tudo isto, assim como Roger fez com seu tiro certeiro em Arjen, Richard Donner acertou novamente no alvo.

Texto publicado em 03 de Setembro de 2010 por Roberto Siqueira

MAD MAX 2 – A CAÇADA CONTINUA (1981)

Roberto Siqueira8 Comentários

(The Road Warrior)

 

Videoteca do Beto #56

Dirigido por George Miller.

Elenco: Mel Gibson, Bruce Spence, Michael Preston, Max Phipps, Vernon Wells, Kjell Nilsson, Emil Minty, Virginia Hey, William Zappa, Steve J. Spears, Syd Heylen, Moira Claux, David Downer e Arkie Whiteley.

Roteiro: Terry Hayes, George Miller e Brian Hannat.

Produção: Byron Kennedy.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido o filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Goste ou não de “Mad Max 2 – A Caçada Continua”, segundo filme da trilogia apocalíptica dirigida por George Miller e estrelada por Mel Gibson, uma coisa é certa: o espectador não sairá indiferente ao que viu. Utilizando um impressionante visual, que se tornou cult com o passar dos anos, o decadente mundo futurista retratado por Miller incomoda, chegando até mesmo a ser repulsivo e sufocante. Incomoda também a falta de diálogos do longa, algo proposital num mundo onde o relacionamento humano está extremamente desgastado. Por isso, apesar da importância do primeiro “Mad Max”, que até mesmo confere bagagem dramática para esta seqüência, este segundo filme se estabelece como o melhor da trilogia, já que o terceiro “Mad Max – Além da Cúpula do Trovão” é o responsável pela queda vertiginosa de qualidade da série.

Num futuro não muito distante, o bem mais precioso da terra passa a ser a gasolina, em virtude de uma guerra nuclear que acabou com os campos petrolíferos do Oriente Médio. Com o precioso combustível é possível se deslocar, fugir ou perseguir alguém. Sem ele, não é possível conseguir nada. É quando Max (Mel Gibson), um homem misterioso e amargurado pelo terrível passado, decide ajudar uma comunidade a defender sua refinaria contra uma gangue de motoqueiros em troca de gasolina.

Todas as palavras que precisam ser ditas em “Mad Max 2” estão resumidas na pequena e excelente introdução do filme, através de um vídeo que recorda a estória do primeiro “Mad Max” e conta como a guerra nuclear devastou o planeta. A partir dali, toda e qualquer palavra será desnecessária. As ações falam por si. Pra piorar, Max é sabidamente um personagem amargurado, de poucas palavras, devastado pela tragédia do passado que retirou as duas pessoas mais importantes de sua vida. Portanto, é absolutamente coerente e compreensível que o roteiro de Terry Hayes, George Miller e Brian Hannat se ressinta de palavras, o que inteligentemente abre espaço para a ação, tão bem conduzida pelo diretor.

Logo na primeira cena George Miller aproveita para matar a sede dos fãs, numa seqüência de perseguição muito bem dirigida e de tirar o fôlego, ainda que momentos depois, ele não resista ao susto barato, quando Max examina um caminhão abandonado e uma mão, seguida por uma cabeça, aparece repentinamente com um acorde alto da trilha sonora, provocando o susto forçado no espectador. Miller também não poupa o espectador ao mostrar o resultado deste novo e violento mundo, com pedaços de corpos mutilados, um estupro coletivo e muitas mortes, como na forte cena em que o garoto-fera (Emil Minty) mata com o bumerangue um dos integrantes da gangue. E ainda que valorize bastante a parte visual, Miller também cria planos simbólicos, como na cena após o terrível estupro, em que Max aparece para vingar o casal e o plano demonstra a grandeza do personagem ao torná-lo gigante na tela. Finalmente, o diretor volta a utilizar, assim como no primeiro filme, uma quantidade menor de frames para transmitir a sensação de velocidade, além de expor todo o excelente trabalho técnico de sua equipe através de planos distantes da Refinaria, inteligentemente apresentados como sendo a visão de Max.

Ainda sobre o esplêndido aspecto visual de “Mad Max 2”, devemos destacar que o visual árido do longa é resultado da fotografia sem vida de Dean Semler, que explora muito bem as locações em meio ao deserto, além de captar com precisão as sensacionais perseguições nas estradas. A empoeirada refinaria e os remendados automóveis e motocicletas atestam o ótimo trabalho de Direção de Arte de Graham Walker. Repare como cada detalhe é bem trabalhado nos cenários, como o ônibus que funciona como portão e toda a estrutura interna da refinaria. Também merecem destaque os interessantes figurinos de Norma Moriceau, com adereços extravagantes nos selvagens motoqueiros e a roupa preta de Max (que como afirmei na crítica de “Mad Max”, simboliza o estado de espírito do personagem), além das roupas brancas das pessoas dentro da refinaria, numa clara alusão ao conflito entre o bem e o mal representado no longa. Finalmente, o excelente trabalho de som é notável nas perseguições, com o nítido som dos carros, motos, caminhões e até mesmo do “helicóptero” cortando o céu, e a trilha sonora de Brian May, até mesmo pela falta de diálogos, marca presença em boa parte da narrativa e mantém um ritmo frenético que colabora com o clima de tensão.

Entre o elenco, o principal destaque vai mesmo para Mel Gibson, que tem atuação discreta, porém muito coerente com o personagem. Este não é o tipo de papel que exige muito do ator, mas Gibson é competente dentro da proposta do personagem. Afetado pelo trágico passado, Max é alguém que praticamente não fala, e o ator transmite muito bem a amargura do nômade, que claramente evita o contato com outras pessoas, como podemos notar quando se recusa a ficar na Refinaria. Solitário por natureza, percebemos até mesmo através de seu carro que Max é alguém completamente adaptado ao mundo em que vive. Seu Interceptor V8 é preparado contra invasores, com faca escondida próximo ao tanque e dispositivo anti-roubo de gasolina, prestes a explodir ao primeiro toque que não seja do próprio Max. Sua única companhia é um cachorro, já que este não fará perguntas e nem forçará Max a pronunciar uma única palavra que não queira. Ainda assim, o desespero daquelas pessoas para encontrar um salvador fez com que apostassem tudo em Max, que inicialmente recusou o rótulo. Obviamente, ele não ajudaria ninguém a não ser que tivesse alguma compensação e só decidiu levar o caminhão quando perdeu tudo que tinha, inclusive seu carro.Sem mais nada a perder e com sede de vingança (novamente, o tema recorrente da série), finalmente resolve dirigir o caminhão. E observe como na conversa em que Pappagallo fala a respeito da fuga, o plano da areia descendo pelo marcador de tempo indica o surpreendente desfecho da perseguição, já que a areia teria papel fundamental na fuga. Dentro do elenco, podemos citar ainda Bruce Spence, com uma atuação modesta na pele do capitão Gyro, responsável pelo mais engenhoso meio de transporte do longa (uma espécie de helicóptero para duas pessoas, feito com resto de material) e Michael Preston, que tem boa atuação como Pappagallo, o líder dos habitantes da refinaria, com destaque para o momento em que questiona a razão da amargura de Max (“Você não é nada!”).

Numa das poucas vezes em que abre a boca pra falar algo, Max demonstra sua coragem (“Se quiserem sair daqui, falem comigo”), facilmente compreendida se pensarmos que este homem não tem mais o que perder na vida. Na realidade, temos a constante sensação de que Max desafia a morte, como quando vai buscar o caminhão sabendo que na volta enfrentará sozinho os perigosos motoqueiros. Esta, aliás, é uma das melhores seqüências do longa, extremamente bem conduzida por George Miller, que confere um ritmo frenético à cena, graças também aos cortes rápidos que revelam o bom trabalho de montagem do trio Michael Balson, David Stiven e Tim Wellburn. Acompanhada pela agitada trilha sonora, a perseguição alterna entre planos aéreos, que dão uma visão panorâmica da perseguição, e planos fechados do rosto de Max, que transmitem sua tensão na angustiante corrida para chegar à refinaria, o que permite ao espectador compreender perfeitamente o que se passa na tela. Já a espetacular seqüência da perseguição final inicia com um impressionante travelling aéreo e, a partir daí, exibe um festival de imagens em alta velocidade, alternando planos diversos de dentro e de fora do caminhão com o uso da câmera lenta, permitindo ao espectador apreciar cada detalhe da frenética perseguição, como atropelamentos e manobras (entre elas, um sensacional giro em 180 graus do caminhão em alta velocidade). Tudo isto, pontuado por uma trilha empolgante e coroado com um final surpreendente, que revela a inteligente estratégia adotada pelos integrantes da refinaria para conseguir fugir com o precioso bem.

Pra finalizar, é importante dizer que “Mad Max 2” é um excelente filme de ação, com um ritmo muito forte e imagens marcantes, baseadas num roteiro simples, mas que diz muito mais através de imagens do que de palavras. Exibindo um futuro ainda mais sombrio que no primeiro filme da série, conta com um visual singular para despejar no espectador uma chuva de sensações, e com isso, fazer com que ele jamais saia indiferente ao que viu.

Texto publicado em 30 de Abril de 2010 por Roberto Siqueira