VINGADORES: ULTIMATO (2019)

(Avengers: Endgame)

 

Lançamentos #2

Dirigido por Anthony Russo e Joe Russo.

Elenco: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Scarlett Johansson, Chris Hemsworth, Jeremy Renner, Brie Larson, Josh Brolin, Paul Rudd, Don Cheadle, Chadwick Boseman, Sebastian Stan, Elizabeth Olsen, Chris Pratt, Vin Diesel, Zoe Saldana, Bradley Cooper, Evangeline Lilly, Rene Russo, Michelle Pfeiffer, Tilda Swinton, Karen Gillan, Gwyneth Paltrow, Dave Bautista, Benedict Cumberbatch, Tom Hiddleston, Pom Klementieff, Anthony Mackie, Jon Favreau, Tom Holland e Samuel L. Jackson.

Roteiro: Christopher Markus e Stephen McFeely, baseado nos personagens criados por Stan Lee e Jack Kirby.

Produção: Kevin Feige.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Responsável por concluir uma trajetória de 11 anos e nada menos que 22 filmes, “Vingadores: Ultimato” é o capítulo derradeiro de um dos projetos mais ambiciosos da história do cinema, o que, por si só, coloca enorme pressão por um resultado que soe satisfatório não apenas para a horda de fãs de seus personagens tão famosos e queridos, mas também para o espectador comum que passou a acompanhá-los ao longo dos anos. Felizmente, o longa cumpre muito bem sua missão, amarrando de maneira brilhante as pontas soltas até então, concluindo os arcos dramáticos de seus principais personagens e entregando uma série de momentos épicos que fazem o mais frio dos espectadores vibrar diante da telona.

Escrito por Christopher Markus e Stephen McFeely, baseado nos personagens criados por Stan Lee e Jack Kirby, “Vingadores: Ultimato” tem início quando os Vingadores, logo após Thanos (Josh Brolin) pulverizar metade de toda a vida no universo, procuram pelo Titã em busca de vingança e não apenas o encontram com certa facilidade como de fato conseguem matá-lo, só que sua morte não reverte o estrago causado por sua ação. Cinco anos depois, os já cansados e deprimidos heróis são surpreendidos pela reaparição de Scott Lang (Paul Rudd) e, diante de uma informação surpreendente, decidem tentar através da ciência recuperar as joias do infinito e desfazer a tragédia.

Após exterminar boa parte de seus heróis em “Vingadores: Guerra Infinita”, seria preciso de alguma forma trazê-los de volta para o universo Marvel e, assim, garantir a continuidade de franquias lucrativas, por isso, confesso que esperava alguma solução razoavelmente convencional para desfazer o trágico final do filme anterior, o que na época reduziu o impacto dramático daquela conclusão para mim. Só que a solução encontrada pelos roteiristas e diretores neste capítulo derradeiro vai muito além do trivial, demonstrando ousadia, inteligência e conseguindo seu objetivo sem fazer com que o espectador se sinta traído, apostando numa abordagem mais elaborada e criativa que foca boa parte do tempo no impacto daquela tragédia na vida de todos, fazendo com que o público sinta junto com eles o peso da ação de Thanos antes que finalmente surja uma luz no fim do túnel, o que ocorre de uma forma que não apenas cumpre a missão de trazer seus heróis pulverizados de volta num momento chave como também permite que o espectador reviva momentos marcantes de outros filmes através das viagens no tempo, reforçando a nostalgia que este encerramento naturalmente carrega. Ao invés de seguir por um caminho fácil e sem riscos, os irmãos Russo preferem apostar numa solução corajosa e até surpreendente, o que é louvável – e nem mesmo a saída encontrada para resgatar Tony Stark (Robert Downey Jr.) no espaço me incomodou, já que a natureza poderosa da Capitã Marvel (Brie Larson) faz dela a própria Deusa Ex-Machina encarnada e os diretores parecem brincar com isso.

Quem não brinca em serviço é a equipe técnica de “Vingadores: Ultimato”, que mantém o alto padrão estabelecido nos filmes anteriores e nos brinda com momentos visualmente marcantes, começando pelo design de produção de John Plas e Charles Wood, que capricha na criação de cenários impactantes como o local sombrio onde está guardada a joia da alma, onde iremos presenciar um tocante sacrifício, que torna-se ainda mais real e doloroso pela forma convincente como o relacionamento entre a Viúva Negra (Scarlett Johansson) e o Gavião Arqueiro (Jeremy Renner) se desenvolveu ao longo dos anos. Nós realmente sentimos a dor e o sacrifício dos personagens naquele momento, o que é vital para o sucesso da sequência. Ajudando o espectador a se localizar em cada ambiente, a fotografia de Trent Opaloch caracteriza tempos e locais de maneira distinta, adotando, por exemplo, tons dourados no planeta onde se encontra Thanos no presente, realçando seus poderes quase divinos, enquanto as sequências que acompanham o cotidiano dos fragilizados Vingadores surgem com paletas azuladas, simbolizando a tristeza da vida pós extermínio, assim como as cores sombrias que acompanham a batalha final realçam a tensão do conflito.


Os efeitos visuais como de costume são excepcionais, tornando crível aquele universo fantasioso e trazendo representações criativas para as viagens no tempo e os poderes dos personagens. Da mesma forma, os figurinos de Judianna Makovsky conseguem mais uma vez cumprir a missão de dar vida as funcionais armaduras dos heróis sem jamais fazer com que o espectador saia do filme e lembre estar assistindo uma fantasia. E finalmente, a empolgante trilha sonora de Alan Silvestri ganha destaque em momentos-chave, como o início da missão de volta ao passado em busca das joias do infinito.

Após surpreenderem o espectador ao simplesmente antecipar para o primeiro ato o esperado confronto entre os heróis e Thanos, criando um enorme ponto de interrogação sobre o caminho que tomariam a seguir, os irmãos Russo demonstram controle absoluto sobre a narrativa, permitindo que o segundo ato se desenvolva com calma e ao seu próprio ritmo, passando do luto para a esperança de maneira gradual até finalmente nos conduzir a esperada conclusão épica. Neste sentido, a montagem de Jeffrey Ford e Matthew Schmidt tem papel crucial, acompanhando sem pressa a trajetória de cada personagem nesta fase difícil e saltando bem entre as diferentes linhas narrativas, especialmente durante a execução das três missões paralelas em busca das joias, que trazem momentos muito interessantes no passado, como o diálogo entre Thor e sua mãe (Rene Russo), a luta entre os dois Capitães América e o encontro entre Tony Stark e seu pai (John Slattery), que servem para explorar dilemas dos personagens e fortalecem exponencialmente o arco dramático de todos eles.

Personagem responsável por iniciar toda essa trajetória, o Homem de Ferro é também quem vive o arco dramático mais interessante, transformando-se do milionário egocêntrico que pensava somente em si no herói que irá se sacrificar pelo bem maior, numa conclusão tocante como poucos momentos vividos até então em filmes da Marvel. Da mesma forma, agrada bastante a maneira encontrada pelo Capitão América (Chris Evans) para seguir ajudando as pessoas, algo totalmente apropriado ao personagem, assim como é bem crível que a Viúva Negra continue sendo quem agrega todos eles, por enxergar ali a família que nunca teve. E se o Gavião Arqueiro encontra uma maneira nada honrosa de curar sua dor, Thor (Chris Hemsworth) abraça a desilusão e a depressão causada pela derrota para Thanos e se entrega ao alcoolismo, numa decisão também coerente com a história do personagem. Por sua vez, Hulk (Mark Ruffalo) encontra uma forma de equilibrar suas personalidades conflitantes, o que o transforma num personagem mais leve e divertido.


Com seus personagens bem desenvolvidos ao longo de tantos anos, naturalmente o elenco inteiro mostra-se muito a vontade nos papéis, destacando-se não apenas nos momentos de impacto dramático, que aqui surgem em maior quantidade que o normal, mas também nas costumeiras brincadeiras entre eles, que desta vez soam mais funcionais e divertidas. Enquanto o Homem-Formiga (Paul Rudd) transforma-se no alvo principal do grupo e responsável por boa parte dos momentos de alívio cômico, outros momentos divertem pela desconstrução de seus personagens icônicos, como quando Hulk tira selfie tranquilamente com fãs e, principalmente, na hilária sequência em que Thor surge barrigudo e relaxado, contrariando a aura construída em torno do personagem de forma surpreendente, o que demonstra coragem e funciona muito bem. Vale citar ainda a forma criativa como o relacionamento entre Gamora (Zoe Saldana) e o Senhor das Estrelas (Chris Pratt) é praticamente levado à estaca zero, ao contrário do caminho trilhado por Nebula (Karen Gillan, que confere expressão a personagem mesmo debaixo de muita maquiagem), que desta vez acaba sendo crucial para ajudar seu pai, mesmo que uma de suas versões não tivesse esta intenção.

Personagem extremamente bem construído no filme anterior, Thanos é um vilão memorável, que faz com que o espectador de fato tema pelo futuro dos heróis, o que é raro em filmes do gênero. Este temor ecoa, é claro, na conclusão de “Vingadores: Guerra Infinita”, mas também vem do respeito que temos por um vilão que foge muito do convencional. Por mais que não caiba justificativa para sua visão distorcida do que fez, entendemos suas motivações e tememos seu poder, o que faz dele um vilão bastante respeitável. Some a isso pequenas ações que humanizam o personagem, como quando ele senta na escada após sua filha dizer que nunca gostou de seu trono, e instantes em que ele contraria nossas expectativas, como quando após chegar ao local da batalha com os heróis, ao invés de simplesmente atacá-los, Thanos senta e espera por eles, até que a luta (muito bem coreografada, por sinal) finalmente comece.


E chegamos então a esperada conclusão, numa batalha épica filmada em escala grandiosa pelos irmãos Russo, que conferem um visual apocalíptico totalmente apropriado ao momento e nos colocam dentro do confronto sem tornar nossa compreensão do espaço confusa, inserindo uma sequência de momentos simbólicos de tirar o fôlego e diversos presentes feitos para emocionar os fãs, como a volta dos personagens mortos em “Guerra Infinita”, na qual vale destacar a expressão do Homem de Ferro ao ver o ressurgimento do Homem-Aranha (Tom Holland), diversas rimas narrativas com outros filmes da franquia, como quando o Capitão América ouve alguém dizer “À sua esquerda”, e frases de efeito como “Eu sou o Homem de Ferro!” – que aqui ganha um significado completamente novo e conclui com perfeição o enorme arco dramático do personagem. Há espaço ainda para pequenas vinganças pessoais, como quando a Feiticeira Escarlate (Elizabeth Olsen) confronta Thanos – num diálogo memorável –, além de momentos esperados há tempos pelos fãs, como quando o Capitão América finalmente consegue levantar o martelo de Thor, numa referência a uma brincadeira entre eles ocorrida em “Vingadores: A Era de Ultron”. É importante dizer que estes inúmeros momentos que buscam satisfazer os anseios dos fãs jamais soam deslocados, sendo integrados de maneira orgânica à narrativa ao mesmo tempo em que demonstram a total compreensão dos diretores sobre o que significa esta conclusão.

E por falar em significados, o momento em que a capitã Marvel surge dos céus para literalmente salvar todos é extremamente simbólico, assim como é emblemático o instante em que ela e as outras heroínas se juntam para atravessar o campo de batalha com a manopla, num recado direto a horda de frustrados que atacou “Capitã Marvel” e a atriz Brie Larson recentemente. Simbólico também é o momento em que o Capitão América, provavelmente o super-herói mais ufanista da Marvel, passa o seu escudo para Sam Wilson, o Falcão (Anthony Mackie). Num país repleto de tensões raciais e num momento em que movimentos como Black Lives Matter são atacados pelo governo conservador que assumiu os Estados Unidos, a Marvel posicionar-se claramente ao entregar seu personagem símbolo do país a um ator negro é digno de aplausos.

Quando acompanhamos o triste ritual de despedida do Homem de Ferro, sabemos que estamos também nos despedindo de uma era – e aquele plano-sequência que acompanha todos os personagens presentes no local evidencia isso. É claro que a franquia continuará seu caminho com filmes de personagens importantes como Pantera Negra (Chadwick Boseman) e os Guardiões da Galáxia, mas o fato é que o funeral de Tony Stark simboliza o fim de um ciclo. Um ciclo que nos divertiu, nos transportou para universos distantes, nos empolgou e, finalmente, nos emocionou. Se para alguns os filmes baseados em quadrinhos são apenas uma forma de escapismo – e obviamente não são –, que bom que podemos buscar refúgio em tempos tão sombrios como os que estamos vivendo hoje. Que o cinema continue sendo esta verdadeira máquina de gerar empatia, capaz de provocar reflexões e também de nos permitir, ainda que somente por alguns instantes, reservar o direito de, como Steve Rogers, viver um momento intimista com pessoas que amamos enquanto o mundo desmorona ao redor.

Texto publicado em 06 de Maio de 2019 por Roberto Siqueira

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MÁQUINA MORTÍFERA 4 (1998)

(Lethal Weapon 4)

3 Estrelas 

Videoteca do Beto #185

Dirigido por Richard Donner.

Elenco: Mel Gibson, Danny Glover, Joe Pesci, Rene Russo, Chris Rock, Jet Li, Steve Kahan e Kim Chan.

Roteiro: Channing Gibson.

Produção: Richard Donner e Joel Silver.

Máquina Mortífera 4[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Apostando na competente mistura de cenas de ação de tirar o fôlego com muito bom humor, a série “Máquina Mortífera” consolidou-se como uma franquia de sucesso que, obviamente, também contava com o enorme carisma de seus personagens para conquistar a plateia. No entanto, se os três primeiros trabalhos eram marcados pela eficiência e regularidade, este quarto filme traz uma leve queda neste aspecto, ainda que o tombo não seja suficiente para fazer de “Máquina Mortífera 4” um longa ruim, apenas um trabalho claramente mais preguiçoso que os anteriores.

Escrito por Channing Gibson (que não tem relação de parentesco com Mel Gibson), “Máquina Mortífera 4” nos traz os policiais Martin Riggs (Mel Gibson) e Roger Murtaugh (Danny Glover) já mais velhos e agora promovidos ao cargo de Capitão após causarem mais confusão pelas ruas de Los Angeles. O problema é que eles acidentalmente descobrem uma gangue chinesa que atua na cidade trazendo imigrantes ilegais, dando início a uma investigação que levará a novas descobertas que colocarão em perigo suas famílias e amigos, entre eles Lorna (Rene Russo), a namorada de Riggs, o falastrão Leo (Joe Pesci) e o novato Detetive Lee Butters (Chris Rock), especialmente quando se deparam com o perigoso Wah Sing Ku (Jet Li).

Logo em seus empolgantes instantes iniciais, “Máquina Mortífera 4” já deixa claro que estamos assistindo a um legítimo filme da série, nos colocando dentro da ação enquanto acompanhamos o divertido diálogo dos carismáticos personagens, numa sequência muito bem conduzida por Richard Donner e que conta ainda com o excepcional design de som para nos ambientar, permitindo distinguir a conversa em meio aos tiros e explosões com precisão. Ciente de que já somos familiarizados com os personagens e seus dramas, traumas, problemas familiares e qualidades, o roteiro economiza tempo e parte logo para a apresentação do conflito que moverá a narrativa, através da chegada dos chineses no porto.

O problema é que Channing Gibson infla demais a trama com um excesso desconfortável de personagens que busca arrumar espaço para cada estrela que compõe o elenco, se perdendo também através de “surpresas” extremamente previsíveis, como a revelação de que Butters engravidou uma das filhas de Murtaugh. Por outro lado, a mistura de humor e ação que marca toda a série aparece novamente com força, balanceada de maneira extremamente eficiente durante toda a narrativa, encontrando espaço também para criticar a exploração de imigrantes ilegais nos Estados Unidos.

Com tantos personagens, a montagem de Dallas Puett, Kevin Stitt, Eric Strand e Frank J. Urioste soa um pouco confusa em certos momentos, mas acerta ao focar a maior parte do tempo no núcleo de sucesso da série, que é a relação entre Riggs e Murtaugh. Vividos novamente por Gibson e Glover de maneira extremamente descontraída e entrosada, os dois policiais são os grandes destaques de um elenco recheado, garantindo os melhores momentos do longa através de suas brincadeiras. Com o passar dos anos e o conhecimento mútuo, a relação de amizade entre eles só melhora, e isto fica evidente em “Máquina Mortífera 4”, que traz ainda um momento marcante da série, quando Riggs finalmente diz que “está velho demais para isso”, num instante que sinaliza a nostalgia que tomará conta da tela no ato final.

Empolgantes instantes iniciaisRelação de amizade só melhoraEstou velho demais para issoE se a química entre Riggs e Murtaugh continua intacta, o mesmo pode se dizer da relação entre Riggs e Lorna, novamente interpretada por Rene Russo e agora auxiliada pelo charme que a gravidez traz. Já Joe Pesci surge ainda mais falastrão e caricato na pele do engraçado Leo, que agora ganha a companhia de outro falastrão, o nem tão engraçado Butters vivido por Chris Rock.

Lorna e o charme que a gravidez trazEngraçado LeoNem tão engraçado ButtersJá os vilões continuam sendo a pedra no sapato da série, já que novamente eles surgem enfraquecidos e raramente representam alguma ameaça aos protagonistas. Esta sensação é reforçada pelo momento em que Riggs ridiculariza quase todos eles no restaurante de Benny (Kim Chan), que serve ao menos para apresentar a rara exceção dentro daquele grupo. Obviamente, estou me referindo ao misterioso Wah Sing Ku, interpretado por Jet Li. Compondo o vilão mais perigoso de toda franquia, Li não escapa da natureza unidimensional que marca os antagonistas da série, mas ao menos consegue oferecer alguma ameaça aos protagonistas, o que claramente não acontece com os outros vilões de “Máquina Mortífera”. Inicialmente soando ameaçador somente através da expressão facial, ele apresenta o quanto é letal quando mata um integrante da gangue num telhado, demonstrando toda sua capacidade nas artes marciais.

A presença dos chineses oferece uma oportunidade para que a figurinista Ha Nguyen se divirta ao criar as típicas roupas orientais, ganhando destaque também por chamar a atenção para o contraste entre Riggs e Murtaugh, que antes associávamos às diferenças de estilo entre eles, mas agora passamos a associar ao suposto sucesso financeiro de Murtaugh que gera desconfiança em Riggs. Já a fotografia de Andrzej Bartkowiak aposta novamente em cenas diurnas e iluminadas, que contrastam com o ato final, claramente mais sombrio e banhado pela chuva (outra marca da série). E finalmente, a trilha sonora composta por Eric Clapton (sim, ele!), Michael Kamen e David Sanborn aposta novamente em toques de guitarra que remetem aos bons momentos da franquia, mas agora inova ao trazer uma composição que faz alusão à China na sequência em Chinatown, escorregando por outro lado pelo tom exagerado que emprega em certos instantes, como na chegada do navio que carrega os chineses logo no começo.

Misterioso Wah Sing KuCenas diurnasAto final sombrio e banhado pela chuvaConduzindo todo este trabalho com segurança, Richard Donner acerta novamente na criação de cenas marcantes, como a excelente perseguição de carros envolvendo um trailer numa autopista de Los Angeles, repleta de malabarismos absurdos dos personagens e conduzida de maneira ágil e nunca confusa pelo diretor. Já quando Riggs para o carro na beira do trilho do trem, a tensão toma conta da tela justamente por termos acompanhado um assassinato semelhante no início do filme – e o posicionamento idêntico da câmera ajuda nesta associação. Balanceando estes momentos de adrenalina e tensão, as cenas engraçadas surgem em profusão, mas a que mais se destaca é mesmo a hilária conversa entre Riggs, Murtaugh e Benny num consultório odontológico. E finalmente, Donner mantém-se fiel à estrutura narrativa clássica da série, nos levando ao confronto final entre Riggs e o vilão numa noite chuvosa, fotografada de maneira bem obscura para ampliar a tensão. Só que desta vez, a luta corporal conta também com a participação de Murtaugh e, obviamente, é reforçada pela presença de um oponente realmente ameaçador.

Excelente perseguição de carros envolvendo um trailerHilária conversa num consultório odontológicoConfronto final entre Riggs e o vilãoEscorregando especialmente no roteiro, “Máquina Mortífera 4” representa uma leve queda na qualidade da série, mas está longe de ser um fracasso. Ainda que falte um pouco mais de ação, a foto da “família” e a criativa apresentação dos créditos finais conferem uma atmosfera nostálgica ao desfecho do longa, garantindo o encerramento digno de uma série muito eficiente e divertida.

Máquina Mortífera 4 foto 2Texto publicado em 17 de Fevereiro de 2014 por Roberto Siqueira

O PREÇO DE UM RESGATE (1996)

(Ransom)

3 Estrelas 

Videoteca do Beto #144

Dirigido por Ron Howard.

Elenco: Mel Gibson, Rene Russo, Gary Sinise, Delroy Lindo, Liev Schreiber, Lili Taylor e Brawley Nolte.

Roteiro: Richard Price e Alexander Ignon.

Produção: Brian Grazer, B. Kipling Hagopian e Scott Rudin.

O Preço de um Resgate[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Poucas situações devem ser mais desesperadoras do que aquela que move “O Preço de um Resgate”. Por isso, é uma pena constatar que Ron Howard e sua equipe falhem ao não explorar todas as possibilidades oferecidas pelo tema abordado, ainda que, dramaticamente, o diretor consiga provocar impacto, baseando-se essencialmente nas ótimas atuações de seu elenco. O resultado é um filme eficiente que, nas mãos de um diretor um pouco mais ousado, poderia ser um complexo estudo sobre os efeitos trágicos que tal situação pode provocar em uma família.

Escrito a quatro mãos por Richard Price e Alexander Ignon (baseado no filme “Decisão Amarga”, de 1956), “O Preço de um Resgate” nos apresenta Tom Mullen (Mel Gibson), o milionário dono de uma companhia de aviação que tem o filho Sean (Brawley Nolte) sequestrado num evento na cidade e se vê obrigado a pagar os dois milhões de dólares exigidos pelos criminosos em troca do resgate do filho. Apoiado pela esposa Kate (Rene Russo) e sob a orientação do agente Lonnie (Delroy Lindo), ele decide seguir as orientações, mas devido à inesperada interferência do FBI, a operação falha e culmina na morte de um dos bandidos, levando à ira o mentor do sequestro Jimmy Shaker (Gary Sinise). Pai e sequestrador passam então a discutir por telefone com frequência e, com os ânimos elevados, Mullen começa a agir de maneira completamente irracional.

Apresentada inicialmente como uma família feliz e bem sucedida, os Mullen (como toda família, aliás) também escondem seus problemas sob aquela fachada de riqueza e prosperidade escancarada em sua vistosa mansão (design de produção de Michael Corenblith), o que é bom, pois aproxima a família do espectador. Neste sentido, aliás, é ótimo que o roteiro evite transformar o longa numa disputa entre mocinho e bandido, driblando o maniqueísmo e a santificação de Tom logo de cara através de seu problema com Jackie Brown. Fugindo de clichês básicos através de pequenos detalhes (repare, por exemplo, que a primeira ligação após o sequestro não é do sequestrador), os roteiristas anunciam gradativamente que a narrativa tomará um caminho diferente do usual, preparando o espectador para o que virá pela frente após o sequestro do garoto. Vale notar ainda como, ainda que apenas superficialmente, o roteiro aborda temas adjacentes interessantes, como o comportamento nada racional da imprensa nestas situações.

Família feliz e bem sucedidaVistosa mansãoComportamento nada racional da imprensaPreparando a plateia para o sequestro desde os primeiros minutos de projeção, Ron Howard faz questão de ressaltar num plano detalhe a tatuagem no pescoço de uma garçonete durante o evento que abre o longa, da mesma maneira que faz com um dos sequestradores enquanto este prepara o cativeiro. Assim, quando vemos a mão tatuada pegando um copo acompanhada pela trilha sonora sombria (e clichê!), já sabemos que os criminosos estão presentes no parque, iniciando o sequestro que se confirmará num movimento de câmera interessante, no qual num instante estamos acompanhando Sean andando pelo parque e, após a câmera passar por trás de uma pilastra, já não vemos mais o garoto. Além de demonstrar de maneira eficiente o drama dos pais neste momento, o diretor também acerta na tensa sequencia da entrega do dinheiro, contando com o auxilio da montagem dinâmica de Dan Hanley e Mike Hill para imprimir um ritmo intenso que deixa a plateia em frangalhos, reforçada pela trilha acelerada de James Horner. Mas, se acerta no tom de urgência empregado nos momentos de tensão, Horner cai num velho clichê ao utilizar o rock pesado para embalar as ações dos sequestradores, esvaziando seu trabalho na composição da trilha sonora.

Tatuagem no pescoço de uma garçoneteMão tatuada pegando um copoO sequestroAtravés das cores frias da fotografia de Piotr Sobocinski e dos figurinos de Rita Ryack, Howard cria um visual acinzentado que ajuda a manter o tom sóbrio exigido pela narrativa. Por outro lado, o diretor aposta no uso frequente do zoom in e do zoom out para realçar as reações dos atores, transmitindo a atmosfera de tensão que é complementada pelo movimento agitado da câmera em diversos momentos, como quando os sequestradores entram em contato com os pais do garoto. O diretor ainda reflete bem a angústia que as horas representam para qualquer pai que enfrente esta situação, mostrando-o prostrado diante do telefone, como se implorasse pela chamada que determinaria as condições exigidas pelos criminosos para acabar com aquele pesadelo.

Cores friasAtmosfera de tensãoProstrado diante do telefoneFuncionando como um porto seguro para aqueles pais desesperados, o agente Lonnie de Delroy Lindo é obrigado a andar no fio da navalha, tentando equilibrar todos os lados daquela equação. Demonstrando autoridade quando preciso, mas também sabendo ser compreensivo nos momentos mais delicados, o agente se sai bem na difícil tarefa e o ator é responsável direto por isso. Entretanto, para que esta situação funcione dramaticamente, é essencial que o espectador acredite que o garoto corre perigo de fato e, por isso, é fundamental que os sequestradores surjam falando abertamente em matar o garoto, deixando claro que aqueles criminosos representam uma ameaça real. Por outro lado, os conflitos entre os sequestradores são essenciais para que a reviravolta provocada pela oferta de Tom tenha algum efeito na plateia, já que, desta forma, nós acreditamos que uma recompensa milionária poderia provocar o desequilibro daquele grupo pouco homogêneo.

Agente LonnieAmeaça realConflitos entre os sequestradoresSurgindo inicialmente como um policial interessado no comportamento de um suspeito numa loja, Jimmy Shaker invade a casa e revela sua participação no sequestro, pra surpresa da plateia. Exibindo um ar ameaçador convincente, Gary Sinise impõe respeito como o mentor do sequestro, demonstrando a autoridade esperada de um líder e, o que é ainda melhor, evidenciando o desequilíbrio que as atitudes de Tom causam no personagem, como notamos, por exemplo, logo após o anúncio da recompensa que o deixa transtornado. A presença imponente de Sinise é essencial também para que Gibson não ofusque o sequestrador com suas explosões, já que o espectador, ainda que inconscientemente, carrega na memória a persona cinematográfica do ator, normalmente associado a heróis que enfrentam a tudo e a todos para conseguirem o que querem.

Policial interessado no comportamento de um suspeitoMentor do sequestroTranstornadoDemonstrando uma química também já conhecida pelo público desde “Máquina Mortífera 3”, Gibson e Russo convencem como casal, demonstrando afinidade e cumplicidade na mesma intensidade em que enfrentam seus problemas, o que é natural em qualquer relacionamento. Entretanto, as atuações de ambos ganham força mesmo após o sequestro, quando ilustram muito bem o drama dos pais e os conflitos entre o casal que as circunstâncias naturalmente evocam. A partir deste instante, praticamente podemos sentir a dor de Kate graças ao ótimo desempenho de Russo, sempre com o olhar expressivo e desesperado que qualquer mãe lançaria nesta situação. Gibson, por sua vez, parece sempre prestes a explodir, algo também natural na condição dele. Pra completar, a conversa inicial entre Tom e Sean na cama logo após o evento inicial serve para demonstrar a afinidade entre eles e criar empatia com a plateia, o que é essencial para aumentar o impacto que a cena do sequestro naturalmente já provocaria.

Afinidade e cumplicidadeDor de KateConversa inicial entre Tom e SeanPor tudo isso, nós não nos surpreendemos quando Tom, ao ver as imagens do filho numa televisão, decide mudar o jogo e inverter a situação – e a expressão no rosto de Gibson permite que a plateia antecipe seus pensamentos, num momento em que não sabemos pelo que torcer, já que esta atitude ousada poderia colocar em risco a vida de seu filho. Com a voz firme, o olhar frio e o coração cheio de ódio, o pai desesperado anuncia que o resgate agora seria uma recompensa paga a quem trouxer o sequestrador “vivo ou morto”, dividindo opiniões não apenas no ambiente diegético (repare os olhares das pessoas que acompanham o anúncio no estúdio), mas também na plateia. Se por um lado aquele ato poderia significar a desestabilização completa do grupo de sequestradores, por outro poderia definir a morte de seu filho – algo que, convenhamos, é um risco que pai algum no mundo gostaria de correr. Pode até funcionar no filme, mas está bem distante da realidade. Ciente disto, Howard faz questão de inserir imagens da cova sendo preparada para Sean logo após o anúncio, criando um conforto artificial no espectador ou, em outras palavras, manipulando nossa visão do tema ao aliviar a loucura cometida por Tom (o que é uma pena, pois esvazia completamente a discussão que a cena poderia gerar). É como se o diretor e os roteiristas dissessem: “Está tudo bem, eles iam matar o garoto de qualquer jeito”.

Expressão no rostoOlhares das pessoas no estúdioCova preparada para SeanCom este cenário de tensão montado, chegamos ao grande momento de “O Preço de um Resgate”, quando sequestrador e pai discutem ao telefone e levam o publico a pensar que Sean foi morto. Demonstrando o desespero do pai de maneira tocante, Gibson se destaca na cena, indo da ira ao desespero e às lagrimas em segundos, seguido de perto pela explosão de Russo (e a distancia pela ira de Sinise), numa cena dramaticamente densa que, infelizmente, é quase destruída graças a um plano rápido que revela que Sean está vivo. Infelizmente, Howard não teve coragem de estender mais o suspense, o que poderia suscitar reflexões interessantes na plateia. Ainda assim, o diretor (e os montadores) se sai bem ao criar um clima tenso através da troca rápida de planos, encerrando a cena num belo plongè que diminui o casal e ilustra sua tristeza, embalado pela trilha melancólica.

Sequestrador e pai discutem ao telefoneDa ira ao desespero e às lagrimasSean está vivoA discussão, reforçada pelo aumento da recompensa, leva os sequestradores ao desequilíbrio total. Esperto, Shaker decide então eliminar o grupo e sair como herói, numa saída inteligente que poderia elevar “O Preço de um Resgate” a outro patamar. Só que, mais uma vez, Howard e seus roteiristas demonstram covardia e optam por encerrar o longa da maneira convencional, apostando no velho confronto entre mocinho e bandido, ainda que, para isto, nos entreguem outra grande cena, quando o garoto escuta a voz de Shaker e, através da troca de olhares com o pai, indica estar diante do criminoso.

HeróiMocinho e bandidoTroca de olharesAbordando um tema delicado e de alta carga dramática, “O Preço de um Resgate” flerta com a possibilidade de ser um grande filme, mas escorrega sempre que depende de escolhas mais ousadas de seus realizadores. No fim das contas, temos um filme tenso e razoavelmente bem conduzido, mas que acaba fugindo um pouco da realidade e tornando-se apenas um bom entretenimento, ainda que as atuações centrais sejam dignas de aplausos.

O Preço de um Resgate foto 2Texto publicado em 02 de Dezembro de 2012 por Roberto Siqueira

O JOGO DA PAIXÃO (1996)

(Tin Cup)

Videoteca do Beto #141

Dirigido por Ron Shelton.

Elenco: Kevin Costner, Rene Russo, Don Johnson, Cheech Marin, Linda Hart, Dennis Burkley, Rex Linn, Lou Myers, Richard Lineback, George Perez e Michael Milhoan.

Roteiro: John Norville e Ron Shelton.

Produção: Gary Foster e David Lester.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Após o estrondoso fracasso de “Waterworld”, Kevin Costner praticamente destruiu sua carreira, arruinando sua reputação de maneira quase irreparável em Hollywood. Coube então ao diretor Ron Shelton a difícil tarefa de tentar devolver o prestígio ao astro decadente, oito anos depois de trabalharem juntos em “Sorte no Amor”. Apostando novamente na paixão de Costner pelo esporte, evidente ao longo de sua filmografia, o diretor não conseguiu seu objetivo, mas pelo menos entregou um filme agradável, extraindo ainda uma boa atuação não apenas de Costner, mas também de Rene Russo.

Escrito pelo próprio Shelton ao lado de John Norville, “O Jogo da Paixão” narra o inusitado encontro entre o golfista decadente Roy McAvoy (Kevin Costner), reconhecido pelo talento e pelo temperamento explosivo, e a psicóloga recém-formada e pouco confiante Molly Griswold (Rene Russo), que decide aprender a jogar golfe justamente com ele. O problema é que Molly namora David Simms (Don Johnson), simplesmente o melhor jogador do país.

Não é preciso saber mais do que isto para imaginar o que acontecerá em “O Jogo da Paixão”. Afinal de contas, é óbvio que Roy se apaixonará por Molly, assim como é bem conveniente que ela namore o grande jogador do país que, pasme, era um grande rival de Roy no passado. Previsível e repleto de clichês, o roteiro ainda abusa de diálogos expositivos que buscam explicar o passado de Roy e demonstrar sua personalidade complicada e difícil. Felizmente, mais do que a história em si, são os personagens que representam a força central da narrativa – e neste aspecto o roteiro tem seus méritos, já que, com exceção de David Simms, desenvolve personagens interessantes que conquistam a atenção da plateia.

É evidente que a participação dos atores é fundamental neste processo e logo na introdução de seus personagens, Costner e Russo já demonstram boa química. Leve e descontraído, Costner nem parece o mesmo ator carrancudo de “Waterworld”, com seu olhar inquieto e risadas espontâneas que dão a sensação de que ele tirou um enorme peso das costas. Talvez por isso, seu Roy é um personagem carismático, que consegue encantar Molly mesmo quando é irritante. Teimoso e genioso, ele mal consegue conter o ímpeto quando se irrita e, invariavelmente, age sem pensar nas consequências, mas sob esta carcaça se esconde um homem simples e vulnerável, quase um anti-herói, e isto é suficiente para conquistar Molly e a plateia. Aliás, a decadência do golfista é ilustrada até mesmo em seu “habitat”, com seu trailer bagunçado, o campo de golfe mal cuidado e as roupas velhas e desgastadas (design de produção de James Bissell e figurinos de Carol Oditz).

Personagem fundamental em “O Jogo da Paixão”, a provocante doutora Molly de Rene Russo conquista o espectador ao demonstrar uma vulnerabilidade rara em profissionais especializados na análise de seus semelhantes, algo notável, por exemplo, quando ela liga para outra psicóloga e pede ajuda – repare como a atriz hesita ao telefone, demonstrando a ansiedade da personagem. Em seguida, quando ela decide se abrir com Roy no trailer, a atriz demonstra o conflito de sentimentos com precisão, o que facilita nossa identificação com a personagem. Finalmente, Molly ganha pontos justamente por desistir de mudar Roy, o que é interessante e foge um pouco dos clichês do gênero.

No restante do elenco, as atuações são discretas. Cheech Marin até diverte com o leal Romeu, mas jamais consegue roubar a cena de verdade. Já a incompreensível reação de David Simms diante de um garoto que pede um autógrafo comprova que tanto os roteiristas como Don Johnson não mediram esforços para tornar o personagem num ser desprezível e totalmente unidimensional. Além disso, os conflitos simplistas entre Roy e Simms fazem os golfistas soarem como dois adolescentes, só que Costner se sai bem desta armadilha, conferindo uma leveza ao seu personagem que Johnson jamais consegue repetir.

Discreta também é a direção de Ron Shelton, que se destaca apenas durante os jogos de golfe, com planos criativos que tornam as disputas mais interessantes, além de alguns movimentos de câmera curiosos, como o travelling que apresenta de maneira triunfal o US Open. Estabelecendo logo nos primeiros planos o isolamento da região onde se passa boa parte da narrativa, o que de certa forma ilustra a solidão dos personagens, o diretor insiste na imagem recorrente de um tatu, talvez simbolizando a postura defensiva do protagonista, que esconde sua enorme insegurança sob aquela carcaça de durão. Por outro lado, Shelton conduz bem os momentos divertidos, como a consulta de Roy no escritório de Molly e a aposta entre Roy e Simms, além de uma excelente piada metalinguística, quando Simms cita um “atorzinho” que fez 82 pontos no passado, provocando uma expressão no mínimo engraçada de Kevin Costner, um ator conhecido por praticar o esporte nas horas vagas.

Seguindo o padrão do gênero, a fotografia de Russell Boyd aposta em cores quentes e cenas diurnas na maior parte do tempo, provocando uma sensação mais prazerosa na plateia que é reforçada pela deliciosa trilha sonora de William Ross, repleta de músicas agitadas e empolgantes. No entanto, Ross também pontua muito bem os momentos dramáticos, como quando Molly encontra um solitário Roy no campo de golfe e a trilha melancólica ilustra o sentimento de tristeza de ambos.

Infelizmente, ao estender demasiadamente algumas cenas, Shelton e seus montadores Kimberly Ray e Paul Seydor acabam transformando “O Jogo da Paixão” num filme longo demais. É verdade que existem sequências interessantes durante as disputas de golfe, mas ainda assim os problemas de montagem são evidentes. Observe, por exemplo, como é rápida a transição do fracasso no primeiro dia de competição para o recorde que Roy estabelece no segundo dia. Num momento estamos vendo o golfista desolado no trailer e, alguns segundos depois, já estamos acompanhando a transmissão da televisão, com os apresentadores impressionados com o desempenho dele, o que não permite que o espectador saboreie o momento da virada do protagonista. E mesmo com um desfecho agradável que voltarei a abordar em instantes, o jogo final também é longo demais e, pra piorar, ainda permite que o espectador antecipe o dilema que Roy enfrentará na última bola e qual será a reação dele. Pra completar, a reflexão dos personagens no plano final num sofá soa totalmente desnecessária, praticamente forçando a plateia a engolir uma lição de moral que nem sempre se aplica à vida real. Devemos correr riscos? A resposta correta deveria ser: depende.

E aí entra a dolorosa sequência em que acompanhamos Roy McAvoy enfrentar seus demônios e ser derrotado por eles, praticamente entregando o US Open após ceder ao impulso de tentar a bola perfeita. Felizmente, este desfecho até certo ponto previsível tem o mérito de não tentar mudar o personagem repentinamente, o que é coerente, e ainda nos brinda com a vibrante reação do público após o esperado acerto na última bola. Independente da questão esportiva, o que temos aqui é um homem tão apegado aos seus princípios que se torna incapaz de agir racionalmente, mesmo que isto signifique desperdiçar a única chance de sua vida. Chega a ser bonito, poético, mas apenas nas telas do cinema, já que nem sempre a vida real funciona assim.

Apesar dos clichês, “O Jogo da Paixão” consegue divertir o espectador, especialmente por causa da boa química entre os dois personagens centrais da narrativa. Definitivamente, este não seria o filme que recuperaria a desgastada imagem de Kevin Costner, mas, assim como Roy McAvoy, o restante da carreira do ator demonstra que ele não pode ser acusado de não tentar.

Texto publicado em 11 de Novembro de 2012 por Roberto Siqueira

MÁQUINA MORTÍFERA 3 (1992)

(Lethal Weapon 3)

 

Videoteca do Beto #85

Dirigido por Richard Donner.

Elenco: Mel Gibson, Danny Glover, Joe Pesci, Rene Russo, Stuart Wilson, Steve Kahan, Darlene Love, Traci Wolfe, Damon Hines, Ebonie Smith, Gregory Millar, Nick Chinlund, Bobby Wynn, Alan Scarfe e Mark Pellegrino.

Roteiro: Jeffrey Boam, baseado em história de Jeffrey Boam e Robert Mark Kamen.

Produção: Richard Donner e Joel Silver.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Se “Máquina Mortífera 2” apresentava algumas novidades que evitavam a sensação de “mais do mesmo”, este “Máquina Mortífera 3” não apresenta o mesmo frescor, dando a sensação de que simplesmente repete a fórmula dos filmes anteriores. Felizmente, “Máquina Mortífera” é uma série que depende muito pouco da trama de cada filme, baseando seu sucesso na excelente mistura de ação e comédia empregada por Richard Donner, e, principalmente, na química de sua dupla de policiais, graças ao excepcional entrosamento de Mel Gibson e Danny Glover. Desta forma, se os vilões enfraquecidos e a história simples demais prejudicam a narrativa, a força das cenas de ação constantemente intercaladas com momentos de bom humor e a dinâmica relação da dupla principal garantem o sucesso do longa.

Após provocar acidentalmente a explosão de um prédio, a dupla de policiais formada por Martin Riggs (Mel Gibson) e Roger Murtaugh (Danny Glover) é rebaixada ao cargo de guarda de rua. Só que um movimento suspeito num furgão dá a chance de redenção para a explosiva dupla, que inicia uma investigação a respeito de um gigante esquema de roubo de armas, comandado por um ex-integrante da policia.

Apostando na mesma fórmula de “Máquina Mortífera” e “Máquina Mortífera 2”, Richard Donner consegue mais uma vez balancear com incrível competência as empolgantes seqüências de ação com momentos dignos dos bons filmes de comédia, algo notável desde a primeira cena deste “Máquina Mortífera 3”, quando o conflito entre a impulsividade de Riggs e o conservadorismo de Murtaugh nos leva pra dentro de um prédio cercado pela polícia devido a suspeita de uma bomba e nos entrega uma das mais emblemáticas cenas da série. Observe a excepcional condução de Donner, intercalando as tiradas de Riggs (“Cher não tem tanto plástico!”), a discussão sobre qual fio é o correto e, inteligentemente, incluindo um plano de um gato andando sobre o carro, que será a chave para o hilário final da seqüência (“Pegue o gato!”). O diretor é competente também na condução das ótimas cenas de ação, como a perseguição com furgões em alta velocidade, também repleta de pitadas de bom humor, graças à simpática Delores, interpretada com carisma por Delores Hall, ou a empolgante perseguição que se inicia no metro, sai pelas ruas com Riggs numa moto (e na contramão!) e termina com ele pendurado numa ponte. Nesta cena, observe a alternância dinâmica entre os planos aéreos, os closes e planos subjetivos, que nos colocam sob o ponto de vista de Riggs, graças também a montagem ágil de Robert Brown e Battle Davis, além da qualidade do som, que capta com precisão o barulho da moto, dos carros, das buzinas e as vozes dos personagens. Donner também é hábil nos movimentos de câmera que nos jogam pra dentro da trama, como a câmera que acompanha Riggs e Roger no tiroteio que resulta na morte de Darryl (Bobby Wynn), além de utilizar estes mesmos movimentos para nos transmitir sensações, como no zoom out que diminui Roger na tela após este tiroteio, ilustrando a aflição do policial após matar o garoto. E finalmente, Richard Donner mostra talento na condução das cenas engraçadas, como quando Riggs interrompe as filmagens de um filme e atrapalha Rianne (Traci Wolfe), tratando de recuperar imediatamente o emprego da moça à sua maneira, ou quando Leo (Joe Pesci) leva um tiro na quadra de hóquei e é levado ao hospital.

Para manter este clima descontraído, Donner manteve também algumas das principais falhas da série, como as situações pouco verossímeis, como quando o ex-tenente Travis (Stuart Wilson) entra na delegacia sem ser revistado, vai até a sala, mata o assaltante preso diante das câmeras e vai embora tranquilamente, e os vilões enfraquecidos pela leveza da narrativa, algo evidenciado quando Lorna (Rene Russo) e Riggs invadem uma casa, batem em todos os bandidos e fogem com as armas e o cachorro deles. E desta vez Donner peca ao criar um plano óbvio demais, quando envolve Travis em chamas na tentativa de “demonizar” o vilão, o que não acontece por tudo que já foi citado, mas também por causa da fraca atuação de Wilson, que jamais consegue transmitir segurança como o vilão principal. Por outro lado, a tradicional trilha sonora de Eric Clapton, Michael Kamen e David Sanborn, repleta de jazz e blues, e a fotografia clara de Jan de Bont, que aposta em cores vivas e muitas cenas diurnas, continuam coerentes com a atmosfera leve da série.

Escrito por Jeffrey Boam, baseado em história de Jeffrey Boam e Robert Mark Kamen, “Máquina Mortífera 3” aborda novamente, ainda que superficialmente, o tema da aposentadoria, ilustrando o cruel dilema que toda pessoa enfrenta ao se aproximar o momento de deixar de fazer o que gosta. Este interessante subtexto fica ainda mais evidente, obviamente, porque agora Roger está muito mais perto de se aposentar (mais precisamente, há oito dias quando a narrativa se inicia). Desta forma, Danny Glover pela primeira vez tem mais destaque que Mel Gibson, ao ilustrar muito bem o incomodo que o personagem sente, por exemplo, através de sua já tradicional frase “Estou muito velho pra isso”, algo refletido também quando responde a pergunta “Cortou-se? Lâmina velha?” com duas palavras secas e diretas: “Rosto velho”. O ator mostra competência ainda quando Roger se preocupa com o filho Nick (Damon Hines), tentando desesperadamente manter a intimidade perdida com o garoto através da patética brincadeira que faz com as gírias que o filho utiliza no dia-a-dia. A situação só piora quando ele mata acidentalmente um amigo de Nick, o que nos leva à melhor cena dramática do longa, quando Riggs mostra pro amigo que ele não teve culpa no assassinato, provando mais uma vez a forte amizade entre eles. Repare o predomínio das sombras na cena, refletindo a angustia de Roger e até mesmo de Riggs, pois, nas palavras dele, “era a dupla que estava sofrendo” e não somente Roger. O alívio só vem para Roger quando seu filho diz que não o culpa, tirando um peso enorme de suas costas e devolvendo-lhe a motivação. Além deste ponto alto em suas atuações, Gibson e Glover mantém o incrível entrosamento dos filmes anteriores, fazendo com que aquela amizade torne-se praticamente palpável ao espectador, que carrega ainda na memória a lembrança de tudo que eles viveram, dando à amizade entre Riggs e Roger um peso enorme. Além disso, as constantes brincadeiras entre eles conferem realismo aquela relação, pois os verdadeiros amigos agem exatamente desta forma.

Novamente interpretado com muito carisma por Mel Gibson, Riggs continua louco ao ponto de brincar com um cachorro feroz e fazer amizade com ele, impressionando sua nova parceira Lorna, mas já não tem o mesmo impulso suicida de antes, pois encontrou o seu lugar na família de Roger. E apesar de sua introdução seguir o clichê “brigam e depois ficam juntos”, a Lorna de Rene Russo é realmente encantadora, conquistando Riggs com suas habilidades durante uma briga (“Minha garota”, diz ele), mas também com seu jeito direto de lidar com o maluco policial. Ainda que não tenha a química de Gibson e Glover em cena, Russo se sai bem e estabelece uma boa parceria com a dupla, especialmente com Mel Gibson, algo notável da divertida cena em que eles mostram as cicatrizes no corpo e acabam dormindo juntos. Fechando os destaques do elenco, Joe Pesci está novamente hilário como Leo, com suas falas rápidas e seu jeito ansioso de lidar com os seus “amigos”.

As agradáveis rimas narrativas também marcam presença neste terceiro filme, como quando Roger usa o chute parafuso e diz que “funciona mesmo”, numa alusão a brincadeira de Riggs na delegacia. Em outra interessante rima narrativa, agora com os dois filmes anteriores, Riggs se envolve numa luta corporal com o grande vilão do filme, resultando no momento em que ele usa as balas “mata ex-tiras” e vence o rival. Além disso, o fogo no chão no empolgante terceiro ato faz alusão aos créditos iniciais do filme, quando os letreiros aparecem sob chamas, o que também é elegante – e aqui vale citar o divertido momento em que Riggs pede que Roger conte até 20 antes de colocar fogo em tudo e Roger, sem se dar conta da insanidade daquele pedido, tenta efetivamente contar (“13, 14… Ah, dane-se!”). Após a explosiva solução do conflito, Riggs, com Lorna nos braços, reencontra o amor e Roger não se aposenta, deixando a sensação (na época) de que um quarto filme era apenas questão de tempo.

Richard Donner aposta na repetição da fórmula dos filmes anteriores neste “Máquina Mortífera 3”, que justamente por não depender exclusivamente da trama, consegue um bom resultado, graças aos seus personagens marcantes e ao que de melhor a série apresenta, uma mistura genuína entre ação e comédia.

PS: Vale aguardar o final dos créditos para acompanhar uma divertida brincadeira envolvendo Roger e Riggs.

Texto publicado em 02 de Fevereiro de 2011 por Roberto Siqueira