COMO TREINAR O SEU DRAGÃO 3 (2019)

(How to Train Your Dragon: The Hidden World)

 

Lançamentos #1

Dirigido por Dean DeBlois.

Elenco: Vozes de Cate Blanchett, T.J. Miller, Kristen Wiig, Kit Harington, Jonah Hill, Jay Baruchel, America Ferrera, Djimon Hounsou, Christopher Mintz-Plasse, F. Murray Abraham, Craig Ferguson e AJ Kane.

Roteiro: Dean DeBlois.

Produção: Bonnie Arnold e Brad Lewis.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Quase uma década após o lançamento de “Como treinar o seu Dragão”, longa responsável por elevar a Dreamworks a outro patamar em termos de ambição narrativa, finalmente chegamos a conclusão da trilogia que acompanha a amizade entre um garoto e seu dragão de estimação. E se não atinge o nível de excelência do primeiro filme, “Como treinar o seu Dragão 3” cumpre bem seu papel e encerra dignamente a trajetória dos personagens, colocando um ponto final naquele ciclo sem impedir que novos filmes surjam futuramente e garantam mais alguns milhões de dólares para o estúdio.

Mais uma vez escrito pelo próprio Dean DeBlois, o roteiro nos leva de volta ao vilarejo onde dragões e humanos convivem em harmonia, conforme sonhado por Soluço (voz de Jay Baruchel). No entanto, o agora líder de Berk decide ir em busca do mundo secreto citado por seu pai, enquanto Banguela conhece uma companheira de espécie que recebe o nome de Fúria da Luz. Só que o caçador de dragões Grimmel (voz de F. Murray Abraham) surge para estragar os planos da dupla e obriga ambos a tomares decisões complexas em busca da salvação de suas espécies.

Seguindo o padrão estético dos outros filmes e, o que é melhor, demonstrando evolução, “Como treinar o seu Dragão 3” é um deleite visual, a começar pela direção de fotografia de Gil Zimmerman que além de dar vida aos cenários imaginados pelo excelente design de produção de Pierre-Olivier Vincent, ainda tem função narrativa ao, por exemplo, contrastar as cores sombrias que predominam as cenas envolvendo os vilões com o visual colorido e agradável das cenas que envolvem os vikings, o que reforça a sensação de bem estar e a empatia do espectador com os personagens. Além disso, o capricho da animação nos presenteia com momentos visualmente belíssimos como quando somos apresentados a ilha que serve de abrigo para a nova Berk ou a arrebatadora caverna abaixo de uma cascata que nos leva ao deslumbrante mundo secreto do subtítulo onde vivem os dragões.

Este capricho é perceptível também nos pequenos detalhes como a barba por fazer do Soluço e os movimentos naturais dos personagens e do próprio Fúria da Noite, que em diversos momentos remetem a gestos de cães e gatos, ganhando a simpatia do público infantil ao fazê-lo parecer um animal domesticado. Observe também como durante o encontro dos dragões apaixonados, DeBlois destaca os olhos de ambos, reforçando a empatia do público e demonstrando que aprendeu a lição que Spielberg já tinha ensinado em “E.T.”. A sequência do namoro, aliás, diverte com gags engraçadinhas que colocam o poderoso Fúria da Noite na posição de bobo apaixonado que não sabe o que fazer para conquistar a amada que domina completamente as ações, o que torna o personagem vulnerável e ainda mais interessante, em especial se considerarmos que momentos depois ele seria reverenciado como o rei dos dragões, em outra bela cena.

Reforçando a aura épica pretendida pelos realizadores desde o primeiro filme, a trilha sonora de John Powell sublinha os momentos grandiosos do longa, como quando Soluço fala sobre o sonho de encontrar o mundo secreto, enquanto o design de som se destaca em cenas como o namoro dos dragões, quando estes cruzam nuvens carregadas e mergulham nas águas para finalmente consolidar a relação, algo indicado pelos trovões que transmitem a tensão natural pré-conquista. O relacionamento dos casais, aliás, é outro ponto positivo de “Como treinar o seu Dragão 3”. Tanto Soluço e Astrid (voz de America Ferrera) quanto o casal de dragões demonstram entrosamento e agradam, assim como boa parte dos personagens coadjuvantes que continuam interessantes e cumprem bem seu papel, funcionando ainda como alívio cômico com piadas que funcionam razoavelmente bem na maior parte do tempo, como a rima narrativa com o primeiro filme (“Tem mesmo um plano?”) ou a minha favorita em que um personagem afirma que o mundo é redondo, provocando risos de seus colegas – e cutucando a bobagem contemporânea dos terraplanistas.

Letal diante dos dragões, como fica evidente na cena em que vislumbramos pela primeira vez com clareza a Fúria da Luz, Grimmel é mencionado como uma ameaça e já na cena seguinte aparece em Berk e ataca os vikings, o que prejudica um pouco a construção do personagem e reduz o impacto que sua aparição no vilarejo poderia causar. Vivendo uma história distinta de Soluço ao tomar uma decisão contrária a dele no passado diante de um Fúria da Noite, o vilão inicialmente parece mais ameaçador do que é de fato, ainda que tenha bons momentos como quando liberta uma prisioneira, apenas para segui-la e encontrar Berk – infelizmente, sua real intenção é revelada de maneira nada sutil.

Sutis, no entanto, são os flashbacks que, se por um lado exploram o velho clichê da conversa entre pai e filho diante do horizonte, por outro funcionam ao reforçar a nostalgia que domina o capítulo derradeiro da trilogia e trazem ainda momentos elegantes como a transição da conversa entre eles para o momento em que Soluço admira a cidade de Berk repleta de dragões. A propósito, a montagem de John K. Carr merece destaque por saltar bem entre as diferentes linhas narrativas que envolvem o namoro dos dragões, a busca pelo mundo secreto, a jornada de Soluço rumo a liderança de Berk e a perseguição de Grimmel sem jamais tornar o longa confuso.

Reafirmando o amadurecimento da própria Dreamworks, a temática mais adulta completa a jornada de Soluço rumo a maturidade lidando com questões importantes como a liderança de seu povo, o casamento e o futuro de sua amizade com Banguela e é precisamente neste aspecto que reside boa parte do sucesso da trilogia, pois muitos fãs se identificam com os dilemas do protagonista justamente por estarem em fase similar na vida, assim como ocorria no primeiro filme lançado há nove anos. A evolução de Soluço é também a evolução deles como seres humanos, o que torna a identificação com o personagem inevitável.

O ato final tem início logo após a solução do conflito sentimental dos personagens e a decisão de separarem-se, mas a batalha, apesar de muito bem coreografada, tem solução fácil demais, jamais levando o espectador a temer de fato pelos personagens, trazendo momentos até mesmo embaraçosos como quando Banguela se solta sozinho do nada e ataca Grimmel. Ainda assim, por alguns instantes “Como treinar o seu Dragão 3” ensaia um final trágico que teria um peso dramático infinitamente maior e bem acima do tom adotado pela trilogia até então – e que parecia ser construído durante a narrativa através de frases como “Um dia você irá entrar numa luta que não poderá vencer”. Seria, no entanto, um drama excessivo.

Chegamos então ao tocante momento da emancipação do Fúria da Noite e a inevitável separação dos amigos, que traz reflexões muito interessantes sobre o conceito de amizade e até mesmo sobre o sentimento de posse, ensinando como o desapego e a preocupação genuína com a felicidade do outro podem ser recompensadores. Pena que, assim como o casamento de Soluço e Astrid, a cena do reencontro dele com o Fúria da Noite soe desnecessária e feita apenas para aliviar o tom dramático da separação ocorrida instantes antes, mas nada que prejudique demais o belo trabalho feito até ali.

Flertando com um final bem mais pesado dramaticamente, “Como treinar o seu Dragão 3” encerra bem uma trilogia coesa, visualmente belíssima e que traz uma convincente jornada de amadurecimento de seu herói. Pois o fato é que a amizade verdadeira seguirá viva em nossas memórias e em nossos corações independente dos caminhos que a vida nos leve. Afinal de contas, a separação física não pode apagar os momentos que compartilhamos com seres que por um curto ou longo período tanto amamos e tão importantes foram em nossas vidas.

Texto publicado em 27 de Abril de 2019 por Roberto Siqueira

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NÃO ESTOU LÁ (2007)

(I’m Not There.)

5 Estrelas 

Filmes em Geral #116

Dirigido por Todd Haynes.

Elenco: Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard Gere, Heath Ledger, Ben Whishaw, Charlotte Gainsbourg, Julianne Moore, Michelle Williams, David Cross, Bruce Greenwood, Kris Kristofferson e Peter Friedman.

Roteiro: Todd Haynes e Oren Moverman.

Produção: John Goldwyn, John Sloss, James D. Stern e Christine Vachon.

Não estou lá[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Poucos artistas na história da música provocam tanto fascínio e devoção como Bob Dylan, excepcional músico e compositor que transitou por diversos gêneros ao longo de sua carreira, deixando um legado composto por inúmeras canções marcantes e inesquecíveis. Em constante transformação não apenas visual, mas também na vida profissional e pessoal, Dylan se configurou quase num mistério, dificultando ao máximo a tarefa de resumi-lo como pessoa ou artista. Coube então ao diretor Todd Haynes a tarefa de conduzir este excelente “Não estou lá”, que traz em sua narrativa complexa a ousada proposta de compor as várias facetas do lendário músico.

Escrito pelo próprio Haynes ao lado de Oren Moverman, “Não estou lá” aborda seis etapas da vida de Bob Dylan, que jamais tem seu nome citado durante a narrativa. Ao invés disso, os roteiristas preferem dar nomes diferentes para o personagem em cada uma destas fases, sendo Woody Guthrie (Marcus Carl Franklin) para a infância, Jack Rollins para a fase folk (Christian Bale), Arthur Rimbaud (Ben Whishaw) para seu lado poético, Jude Quinn (Cate Blanchett) para sua faceta roqueira e polêmica, Robbie Clark (Heath Ledger) para a vida familiar e Billy the Kid (Richard Gere) para sua fase mais reclusa.

Provavelmente, a grande questão que assolou os responsáveis pelo projeto “Não estou lá” era: como transpor para a telona a trajetória de um artista mutante como Bob Dylan? Felizmente, a escolha do diretor e roteirista Todd Haynes não poderia ser mais acertada. Indicando desde o começo que vários atores representarão o personagem, Haynes adota a estratégia ideal para tentar compor o complexo mosaico deste artista multifacetado, que passou de cantor folk “de protesto” a poeta, de roqueiro a cristão e de ícone da contracultura a caubói solitário ao longo de sua grande carreira artística. Adotando uma estrutura narrativa complexa e fragmentada que tende a afastar o espectador comum, o diretor e seu montador Jay Rabinowitz exigem atenção da plateia, ainda que compreender o que se está ocorrendo não demande tanto esforço intelectual, já que as dicas surgem desde a abertura em que vemos os diversos rostos que interpretarão Dylan – e meu instante favorito entre as dicas ocorre quando o velho Billy the Kid olha para o jovem Woody Guthrie e, ao ouvir seu lado poético dizer para “jamais olhar para si mesmo”, ele desvia o olhar.

Empregando elegantes movimentos de câmera, como quando um travelling passeia pelos fãs revoltados de Dylan após uma apresentação com guitarras elétricas na Nova Inglaterra, o diretor cria ainda sequências visualmente inventivas, como quando as imagens transmitem o significado da música “Ballad of a thin man”, num instante em que a montagem de Rabinowitz também chama a atenção, conferindo dinamismo sem jamais soar confusa. No entanto, é mesmo na condução firme de tantas linhas narrativas que o diretor se destaca, permitindo que o espectador se envolva com todas elas sem jamais deixar o ritmo do longa cair.

A fotografia de Edward Lachman também ajuda na orientação do espectador, oscilando entre o preto e branco e o colorido e alterando também o tamanho do grão para criar cenas ora mais limpas ora mais granuladas, conferindo aspectos visuais diferentes para cada estágio da vida do cantor. Assim, se na infância o tom dourado confere um ar nostálgico, as fases de cantor político folk, poeta controverso e artista polêmico surgem em preto e branco, como num registro documental das facetas que ele mais mostrava ao público. Já a vida familiar é fotografa em tons azulados, talvez demonstrando a mágoa que ele sente por ter se distanciado da esposa e das filhas. E finalmente, a fase cristã e a reclusão no campo ganham a mesma fotografia dourada da infância, talvez por remeter aos momentos em que o artista se sente mais confortável (ou seja, distante dos holofotes).

InfânciaPoeta controversoReclusão no campoAjudando a nos ambientar em cada época através da mudança na decoração das casas, dos carros e das próprias vestimentas dos personagens, o design de produção de Judy Becker e os figurinos de John Dunn acertam ainda na recriação de imagens icônica de Dylan ao longo dos anos, com as constantes alterações no corte de cabelo, a barba por fazer, os óculos escuros e o violão pendurado no corpo. Mas ainda que o visual seja importante, é mesmo a espetacular composição do elenco que nos ajuda a compreender as multifaces de Bob Dylan, em atuações não apenas coesas, mas simplesmente sensacionais.

Vivendo a infância do ícone de maneira incrivelmente despojada, Marcus Carl Franklin simboliza a paixão do cantor por Woody Guthrie (não por acaso, o nome do personagem), ícone da música folk que influenciou muito o começo da carreira de Dylan. São dele momentos marcantes de “Não estou lá”, como a conversa com dois senhores num trem e a performance encantadora com o violão na casa de uma família humilde. Único ator a interpretar duas épocas diferentes da vida de Dylan, Christian Bale adota uma postura corporal encurvada na fase folk (quando ele usa o nome Jack Rollins), empregando uma entonação diferente na voz e falas rápidas que tornam suas declarações polêmicas ainda mais impactantes. Já na fase religiosa, quando o cantor deixa o rock para trás para dedicar-se a igreja, sua postura corporal é mais firme e o tom de voz imponente, ainda que alguns velhos trejeitos estejam lá, como a movimentação rápida das mãos e o olhar inquieto.

Em seu penúltimo papel na carreira, Heath Ledger comprova mais uma vez seu grande talento ao viver a difícil faceta familiar do cantor e também sua rápida incursão no cinema, demonstrando o quanto é complicado manter um relacionamento para um astro como Dylan (no caso, Robbie Clark), passando grande parte do tempo ausente e se irritando com o assédio da imprensa ao ponto de estragar um almoço com amigos, ainda que tenha ótimos momentos com sua bela esposa Claire, interpretada com carisma por Charlotte Gainsbourg, atriz que se destaca especialmente na tocante discussão do casal sobre a guarda das filhas que precede a separação legal.

Fase folkFaceta familiarTocante discussãoIrônica, direta e bastante solta no papel, Cate Blanchett demonstra extrema coragem ao aceitar viver um personagem não apenas masculino, mas também muito conhecido do grande público, obtendo sucesso em sua composição através da fala rápida e da repetição precisa de muitos trejeitos e maneirismos do cantor, como as mãos inquietas e a velocidade em que fuma seus muitos cigarros. Assumindo a identidade de Jude Quinn, ela protagoniza momentos marcantes do polêmico artista como a discussão com Keenan Jones, o acidente de moto, a divertida cena envolvendo os Beatles e o conturbado relacionamento com Coco Rivington, a namorada sensual interpretada com graça por Michelle Williams. Mas, se suas respostas desconcertam a imprensa, seu comportamento consegue irritar alguns fãs (“Judas”, grita um após ser provocado por ele) e até mesmo pessoas mais próximas, como quando se embebeda numa festa e desmaia. É de Quinn também a divertida frase “este é Brian Jones, daquela banda de covers”, referindo-se ao lendário guitarrista dos Rolling Stones.

Ben Whishaw se encarrega das controversas entrevistas do poeta e cantor, surgindo repleto de maneirismos, falando rapidamente e tremendo, além é claro de manter o olhar sempre inquieto e de fumar inúmeros cigarros, numa composição igualmente competente já sob o sugestivo nome de Arthur Rimbaud. E finalmente, Richard Gere expressa o peso da vida conturbada do protagonista em seu olhar carregado e na expressão corporal cansada, ainda que a velha chama revolucionária esteja lá, pronta para surgir quando necessário, como de fato acontece numa manifestação popular. Entre aqueles que não interpretam Dylan, o destaque fica para Julianne Moore, que, com uma postura séria, compõe Alice Fabian (uma versão de Joan Baez) como uma especialista na fase folk do cantor, explicando com clareza as razões de seu sucesso e da revolta dos fãs com sua mudança ao longo dos anos.

Obviamente, as músicas não poderiam faltar num filme sobre Bob Dylan. Repleta de canções deliciosas, a trilha representa um prazer à parte para os fãs do cantor, nos brindando com cenas lindíssimas que casam perfeitamente a imagem e o som, como quando acompanhamos Claire brincando com as crianças no parque enquanto Robbie Clark volta para casa de avião. A trilha tem ainda funções narrativas. Observe, por exemplo, como ela emula um batimento cardíaco momentos antes de Blanchett surgir pela primeira vez em cena, já que ela assumirá a fase mais roqueira e polêmica do cantor, destilando veneno em embates dinâmicos e ferozes com a imprensa, simbolizada especialmente na pele de Bruce Greenwood, que vive o jornalista Keenan Jones e, posteriormente, o pistoleiro Pat Garrett – é ele, aliás, quem desmascara o passado misterioso do protagonista em seu programa de TV (numa ótima cena), desafiando-o também em local público já como Garrett. E o mais interessante é que em todas as fases, independente do estilo musical adotado, Dylan nos presenteia com excelentes canções, enquanto Haynes jamais tenta chegar a uma conclusão sobre quem foi este genial artista, criando um painel complexo que só fomenta as discussões sobre sua personalidade.

Dono de uma mente perturbada, mas igualmente criativa, Bob Dylan é certamente um dos maiores nomes da história da música e da arte, inspirando grupos que se dedicam exclusivamente a estudar os significados de suas ótimas canções. Conseguindo sucesso na exposição das várias faces deste gênio da música, “Não estou lá” representa não apenas um ousado projeto cinematográfico, mas também uma deliciosa viagem pela vida de um artista realmente fascinante. “Eu posso ser um ao amanhecer e outro completamente diferente no fim do dia”, diz Bob Dylan. O filme que ele inspirou também pode.

Não estou lá foto 2Texto publicado em 19 de Setembro de 2013 por Roberto Siqueira