TOY STORY (1995)

Roberto Siqueira5 Comentários

(Toy Story)

 

Videoteca do Beto #137

Dirigido por John Lasseter.

Elenco: Vozes de Tom Hanks, Tim Allen, Jim Varney, Wallace Shawn, John Ratzenberger, John Morris, Erik von Detten e Don Rickles.

Roteiro: Joss Whedon, Andrew Stanton, Joel Cohen e Alec Sokolow, baseado em estória de John Lasseter, Andrew Stanton, Peter Docter e Joe Ranft.

Produção: Bonnie Arnold e Ralph Guggenheim.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Responsável por revolucionar o cinema ao utilizar pela primeira vez animação feita em computador num longa-metragem, o excelente “Toy Story” marcou também o início da impecável filmografia dos estúdios Pixar, que só viriam a tropeçar artisticamente no recente “Carros 2”, após anos de sucessos de crítica e público. E o longa que iniciou esta bela história faz jus ao posto, porque além de divertir o público infantil com sua empolgante aventura, conquista também espectadores de todas as idades ao abordar temas universais e remeter à deliciosa fase da infância.

Escrito por Joss Whedon, Andrew Stanton, Joel Cohen e Alec Sokolow a partir de história criada por John Lasseter, Andrew Stanton, Peter Docter e Joe Ranft, “Toy Story” tem inicio no dia do aniversário do menino Andy (voz de John Morris), uma data que provoca verdadeiro pavor entre seus brinquedos, que temem serem substituídos por novos brinquedos e relegados ao esquecimento. Tentando manter a calma de todos, o cowboy Woody (voz de Tom Hanks) tem sua autoconfiança abalada quando Andy ganha o moderno astronauta Buzz Lightyear (voz de Tim Allen), um sério candidato a roubar dele o cobiçado posto de brinquedo favorito do garoto. Buscando evitar o esquecimento, ele traça um plano para se livrar do rival, mas acaba criando uma situação bastante complicada para ambos.

Abordando de maneira delicada o tema universal do apego aos brinquedos na infância, “Toy Story” começa a conquistar o coração da plateia logo em seus minutos iniciais, quando acompanhamos o empolgado Andy brincando com seus bonecos e imaginando uma divertida situação – algo que, certamente, a maioria das pessoas já fez um dia. Independente da idade, o espectador se identifica imediatamente com o que vê, já que as crianças, por razões óbvias, se imaginam no lugar de Andy, ao passo em que os adultos recordam com nostalgia dos tempos de infância. Afinal de contas, quem não se lembra daquele brinquedo especial, que nos acompanhou durante o mágico período da infância?

Apresentando a notável qualidade das animações feitas através de computação gráfica, que tornam ainda mais fascinantes os personagens e cenários, “Toy Story” jamais utiliza sua inovadora tecnologia como muleta, valorizando corretamente suas virtudes técnicas, mas se preocupando também com o desenvolvimento de uma boa história. Assim, a narrativa parte da curiosa premissa de nos mostrar o que fazem os brinquedos quando estão sozinhos, acertando também ao conferir humanidade aos bonecos, mostrando sentimentos tão comuns nos seres humanos como a inveja, a raiva, o medo e até mesmo o amor, representado pela delicada boneca de porcelana Beth que é apaixonada por Woody. Estes sentimentos são transmitidos através das impecáveis expressões faciais que dão vida aos personagens, como podemos notar quando Buzz questiona se Woody está gozando sua cara – num momento hilário de Tom Hanks, que demonstra no tom de voz a inveja que sente do novo companheiro. Conferindo ainda sentimentos aos brinquedos através do medo de serem esquecidos na mudança e principalmente do medo que eles sentem de serem substituídos, o roteiro de “Toy Story” aproxima os personagens do espectador com precisão, o que é vital para que este embarque de corpo e alma na aventura.

Além disso, o roteiro não desperdiça a oportunidade de explorar situações interessantes envolvendo a natureza dos brinquedos para criar gags divertidíssimas, como ao utilizar soldados de plástico numa arriscada missão ou ao brincar com as partes que se soltam do rosto do Sr. Cabeça de Batata (voz de Don Rickles), inserindo ainda diversas situações que criam obstáculos para os heróis, permitindo que o diretor John Lasseter se divirta na condução de ótimas cenas de ação. Embalando estas cenas de ação, a trilha sonora de Randy Newman injeta adrenalina na narrativa, entretanto, as sequencias musicais, tradicionais nas animações até então, surgem apenas ocasionalmente em “Toy Story”, como na bela “You’ve got a friend in me” que abre o filme e na nas canções cantadas por Woody e Buzz, que não empolgam. E como normalmente acontece nas animações, o ótimo design de som e os fabulosos efeitos sonoros destacam-se pela riqueza de detalhes, conferindo realismo em cada movimento dos brinquedos.

Conduzindo a aventura com empolgação, John Lasseter acerta na escolha de planos interessantes, como na seqüência do posto de gasolina em que nos coloca sob o ponto de vista dos brinquedos, transformando carros e caminhões em verdadeiros gigantes. Da mesma forma, ao iniciar a cena da abertura dos presentes mostrando apenas a reação dos brinquedos e a narração via transmissor, o diretor cria um interessante suspense justamente por nos colocar na mesma posição dos apavorados bonecos. Caprichando ainda no aspecto visual, como na elegante transição da noite para o dia num travelling que sai da casa de Andy e vai para a casa de Sid – que conta também com o trabalho dos montadores Robert Gordon e Lee Unkrich -, o diretor consegue até mesmo criar momentos de tensão, como no plano em que Buzz está escondido atrás da porta enquanto o cão bravo de Sid ameaça entrar no quarto. Ainda seguindo esta estratégia de colocar o espectador no lugar dos heróis, Lasseter utiliza a câmera subjetiva para mostrar a janela ficando distante na frustrada tentativa de voar de Buzz e, no plano seguinte, emprega o contra-plongèe para diminuir o personagem no chão e ilustrar sua tristeza, confirmando seu domínio da linguagem cinematográfica.

Acertando também ao balancear de maneira orgânica as sequencias de ação, de suspense e de humor, como quando Woody pede uma mãozinha para Buzz e recebe seu braço quebrado ou quando o astronauta afirma que “não acredita que Sid tenha estudado medicina”, Lasseter e seus montadores imprimem um ritmo delicioso à narrativa, que ganha ainda mais vida graças ao visual colorido das sequencias diurnas, que, por sua vez, criam um forte contraste com a sombria sequencia que se passa dentro da casa de Sid – repare, por exemplo, como a chuva acentua a tensão quando Buzz é amarrado num foguete sob o olhar atento de Woody.

Dando vida ao antigo brinquedo preferido de Andy, a voz do carismático Tom Hanks colabora para que o medroso Woody crie empatia com a plateia, apesar de suas atitudes pouco nobres que tentam forçar sua permanência como brinquedo favorito do garoto. Seus esforços, no entanto, são em vão, pois a chegada de Buzz tira este posto de Woody, algo evidenciado quando Andy joga o cowboy pra longe da cama. Apresentado de baixo pra cima para demonstrar sua imponência, Buzz representa mais do que um simples candidato ao cobiçado posto, trazendo à tona um verdadeiro confronto de gerações entre o velho e o novo, o antigo e o moderno, simbolizado perfeitamente nas figuras do cowboy, o herói máximo do passado, e o astronauta, o herói moderno no imaginário das crianças.

Regido por um curioso código de ética – que ele quebra para poder acertar as contas com Woody sob a alegação de que estava fora de seu planeta -, Buzz não acredita que é um brinquedo, agindo sempre com seriedade absoluta enquanto tenta cumprir sua missão – o que garante momentos hilários, diga-se de passagem. Imprimindo um tom de voz solene e lançando o bordão “Ao infinito e além!”, Tim Allen ilustra bem este lado da personalidade do astronauta e ainda transmite sua tristeza quando, num momento comovente, ele descobre que é apenas um brinquedo dentro da casa de Sid. Apresentado através da janela do quarto de Andy enquanto explode um brinquedo apenas por diversão ao lado de seu cão raivoso, Sid rapidamente se estabelece como o vilão da trama, o que é essencial para que o espectador tema pelo destino de Woody e Buzz quando eles são pegos pelo malvado garoto. Quando isto acontece, a fotografia passa a priorizar cenas noturnas e cores escuras, refletindo a angústia dos protagonistas diante daquela verdadeira casa dos horrores, repleta de brinquedos “mutantes”, alterados na “sala de cirurgia” do rapaz – e até mesmo a decoração do quarto auxilia na criação desta atmosfera assustadora.

Só que, numa excelente subversão de expectativa, os horripilantes brinquedos de Sid se revelam amigáveis e até mesmo ajudam a consertar o braço de Buzz. Diante de novos amigos, Woody pode então planejar e executar sua divertida fuga da casa, que resulta na ótima cena em que os brinquedos se rebelam contra o perverso garoto e salvam Buzz, deixando uma clara mensagem para as crianças: cuidem bem dos seus brinquedos. Em seguida, a excelente perseguição ao caminhão de mudança, também muito bem conduzida por Lasseter, traz o tão desejado vôo do astronauta (“Isto não é voar, é cair com estilo”) e garante a diversão da garotada. Pra finalizar, a cena final que traz o agora preocupado Buzz fingindo não se importar com o que ouve no transmissor enquanto os soldados narram os presentes recebidos por Andy no natal é hilária e fecha com perfeição à narrativa.

Aventura deliciosa e com uma bela mensagem, “Toy Story” é um marco do cinema, não apenas por utilizar a computação gráfica na criação de seu refinado visual, mas também por inaugurar a “era Pixar”, que presenteou os cinéfilos ao longo dos anos com muitos filmes inesquecíveis. De quebra, fez tudo isto através de uma história interessante, apresentando personagens cativantes que ainda nos acompanhariam por muitos anos nesta deliciosa trilogia.

Texto publicado em 04 de Agosto de 2012 por Roberto Siqueira

SEVEN – OS SETE CRIMES CAPITAIS (1995)

Roberto Siqueira14 Comentários

(Se7en)

 

 

Videoteca do Beto #136

Dirigido por David Fincher.

Elenco: Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow, R. Lee Ermey, Kevin Spacey, Daniel Zacapa, John Cassini, Richard Roundtree, John C. McGinley, Richard Portnow, Leland Orser, Andrew Kevin Walker, Richard Schiff e Charles S. Dutton.

Roteiro: Andrew Kevin Walker.

Produção: Phyllis Carlyle e Arnold Kopelson.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Logo em seu segundo filme na carreira (antes ele dirigiu “Alien 3”), David Fincher já demonstrava todo seu talento neste sufocante thriller policial, capaz de grudar os espectadores na cadeira com sua atmosfera constante de tensão. Narrando uma história intrigante de maneira impecável, a obra-prima “Seven” não apenas funciona perfeitamente como uma complexa investigação policial na busca de um misterioso serial killer, como vai além, mostrando também a decadência da nossa sociedade e questionando os valores contemporâneos.

Muito bem escrito por Andrew Kevin Walker, o roteiro perfeito de “Seven” narra a investigação dos detetives David Mills (Brad Pitt) e William Somerset (Morgan Freeman), que tentam impedir um assassino em série que utiliza os sete pecados capitais como motivação para seus crimes.

Conduzindo uma narrativa envolvente e bem construída, o diretor David Fincher imprime um ritmo ágil durante todo o tempo, contando obviamente com a colaboração de seu montador Richard Francis-Bruce, que já demonstra seu talento nos sensacionais créditos iniciais, acompanhados de uma agitada música eletrônica (que denuncia a origem de Fincher, na época ex-diretor de videoclipes famosos na MTV) e que revelam ainda o planejamento meticuloso do criminoso antes que o espectador perceba o que está acontecendo. Indicando a passagem dos dias através de letreiros (não dá pra deixar de citar a beleza temática envolvendo o número de dias e os pecados capitais), eles cobrem os acontecimentos de maneira envolvente, sem jamais perder o foco nas investigações, mas encontrando espaço também para Interessantes discussões filosóficas e existenciais entre o desiludido Somerset e o esperançoso Mills, que rendem debates a respeito da degradação de nossa sociedade (tema favorito de Fincher) e do ser humano de forma geral.

Apostando num visual obscuro e repleto de sombras, a fotografia de Darius Khondji cria a atmosfera pretendida pelo diretor através dos diversos ambientes fechados que predominam na narrativa, iluminados apenas por poucos pontos de luz até mesmo quando estamos dentro dos escritórios da policia ou de uma simples biblioteca. Observe ainda como quando as ações se passam nas ruas, ou as cenas são noturnas ou são banhadas pela forte chuva (que, aliás, só não aparece no último dia). A decoração dos ambientes também reforça esta atmosfera, revelando o excepcional trabalho de direção de arte de Gary Wissner em lugares como o simétrico escritório do advogado assassinado, o conturbado quarto da prostituta, a apertada casa do homem obeso e o sinistro apartamento de John Doe (Kevin Spacey). Seguindo a mesma lógica, a sombria trilha sonora de Howard Shore só aumenta a aflição, pontuando as cenas com precisão e alternando para um ritmo intenso nas cenas com mais ação física.

Inteligente, Fincher aproveita esta atmosfera perfeita para criar planos sombrios que aumentam o clima sufocante da narrativa, conduzindo as ações de maneira sempre eletrizante, seja através de momentos mais agitados que são capazes de nos fazer perder o fôlego ou através de instantes mais intimistas que acompanham o raciocínio dos detetives na busca de informações. Aliás, o diretor acerta ao envolver a plateia nestas investigações, nos permitindo acompanhar os estudos sobre os sete pecados de Dante, por exemplo, como se fossemos parceiros de Mills e Somerset na caça ao misterioso assassino. Vale destacar ainda a destreza de Fincher na construção do suspense. Observe, por exemplo, como ele estica ao máximo os momentos que precedem a revelação do corpo da primeira vitima, trabalhando o suspense com precisão através de planos escuros, iluminados apenas pelas lanternas dos detetives.

O diretor também trabalha muito bem no desenvolvimento dos personagens, extraindo excelentes atuações de todo o elenco. Surgindo juntos inicialmente num plano baixo que os engrandece na tela, Mills e Somerset rapidamente estabelecem suas maneiras distintas de trabalhar. Transmitindo a segurança exigida por seu experiente personagem com incrível tranquilidade, Morgan Freeman revela-se a escolha ideal para viver o inteligente Somerset, um homem já acostumado a enfrentar diversas situações adversas e que, talvez por isso (e pelos crimes brutais que provavelmente investigou), já não acredita mais no futuro da humanidade. Entretanto, o ator demonstra com precisão que o caso dos pecados capitais é diferente de tudo que viu, transmitindo a crescente preocupação de Somerset através de seu semblante e de suas reações, que chamam a atenção do parceiro Mills (“Fala a verdade, você já viu algo assim antes?”, questiona Mills; Somerset responde: “Não”). Freeman consegue até mesmo a proeza de driblar com habilidade o velho clichê do policial prestes a se aposentar que decide encarar seu ultimo desafio, transmitindo o dilema de Somerset com enorme sensibilidade e de maneira verossímil, como quando reflete na cama sem conseguir dormir e, bastante abatido, joga seu metrônomo na parede, numa interessante rima com um dos primeiros planos do longa.

Por sua vez, Brad Pitt exala jovialidade demonstrando a ansiedade esperada de alguém que acaba de mudar do interior para uma metrópole e enxerga em sua nova posição a grande oportunidade de sua carreira, o que o leva, por exemplo, a aceitar sem hesitar todo e qualquer caso que apareça (“Dane-se ele, eu pego o caso!”). Transformando seu detetive Mills num personagem potencialmente tenso que raramente nos permite prever suas reações, o ator faz dele o contraponto ideal para o experiente e controlado Somerset. Observe, por exemplo, como ele praticamente desiste de investigar o caso na sala do advogado, mas rapidamente se empolga novamente quando Somerset descobre as digitais que revelam as palavras “Help me” escondidas na parede. Priorizando a ação física em detrimento do raciocínio lógico, Mills torna-se o ponto psicologicamente vulnerável da dupla – algo que o assassino não demora a perceber. Finalmente, ele consegue estabelecer boa química com sua esposa Tracy nos raros momentos em que eles surgem juntos.

Surgindo em raras ocasiões na primeira metade de “Seven”, Tracy lentamente passa a se aproximar de Somerset (e do espectador), convidando-o até mesmo para jantar em sua casa e, posteriormente, revelando sua gravidez ao experiente detetive (num ótimo momento de Paltrow), o que é essencial para aumentar o impacto do terceiro ato. Além disso, o divertido jantar na turbulenta casa dos Mills é responsável por um belo momento das atuações de Freeman, Pitt e Paltrow, num dos raros instantes de alivio cômico da narrativa. Além de Paltrow, vale destacar também R. Lee Ermey que, em seu segundo papel importante no ano (ele também estava em “Os últimos passos de um homem”), faz o chefe de polícia encarregado dos detetives.

Além de todas as qualidades citadas acima, Fincher ainda nos reserva cenas realmente espetaculares, daquelas que ficam gravadas por muito tempo na memória do espectador. A invasão da casa de Victor, por exemplo, é um destes grandes momentos conduzidos com precisão pelo diretor, que inicialmente emprega um ritmo ágil, mostrando as ações da SWAT com sua câmera agitada, mudando para um silêncio capaz de paralisar o espectador quando eles encontram o homem deitado na cama, quebrado somente pela tosse repentina do moribundo traficante – que, aliás, quase me matou de susto na primeira vez que assisti ao filme. Assustar, aliás, parece ser um dos prazeres de Fincher em “Seven”, como acontece também quando os detetives descobrem o apartamento de John Doe e, segundos depois, um homem surge no corredor, finge procurar a chave no bolso e atira repentinamente contra eles, iniciando uma sensacional sequência de perseguição na chuva, conduzida novamente num ritmo alucinante pela câmera agitada de Fincher, que só terminará quando o misterioso homem apontar uma arma para a cabeça de Mills – repare como o diretor evita revelar o rosto do criminoso, mantendo o suspense através das gotas que embaçam a câmera na chuva.

Após esta eletrizante sequência, a ligação de John Doe só confirma o quão respeitável ele é. De fala educada e polida, o assassino demonstra toda sua inteligência ao não provocar a ira dos policiais e demonstrar respeito por eles. Mesmo com a inesperada descoberta de seu apartamento, ele sabia que tinha o total controle da situação, sendo hábil para mudar a rota e continuar sua “obra”, o que o torna um vilão bastante temível, algo vital para que o espectador continue temendo pelo futuro dos detetives. A crueldade dos seus crimes também chama muito a atenção (e Fincher faz questão de não ocultar os resultados de seus atos violentos, o que é ótimo). Trabalhando nos mínimos detalhes para, como ele mesmo diz, virar o pecado contra seu pecador, Doe é capaz de torturar uma vítima por um ano, praticamente explodir outra ao alimentá-la à força e, naquele que considero o mais cruel dos cinco primeiros crimes, obrigar um homem a violentar uma prostituta com um artefato letal – e a atuação de Leland Orser como o desesperado homem encontrado na boate é digna de aplausos. Tudo isso ajuda na formação de um assassino realmente temível, capaz de deixar o espectador constantemente intrigado e tenso.

[Antes de seguir lendo o texto, vale repetir: só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme!]

Só que, quando menos esperamos, um taxi para na porta da delegacia logo após a chegada dos detetives. Em seguida, um homem desce e caminha lentamente para dentro do local, dando início à épica aparição de John Doe, que surpreendentemente se entrega aos policiais, deixando a todos atônitos. Porque ele teria feito isto? Porque se entregaria antes de completar os sete crimes? A mente dos investigadores e do próprio espectador passa a fervilhar e a resposta virá de maneira cruel e ainda mais surpreendente. Surgindo de maneira simplesmente sensacional como o psicopata capaz de realizar crimes tão cruéis, Kevin Spacey está absolutamente perfeito com seu olhar penetrante, tom de voz controlado e sua ideologia capaz de minar qualquer um que tente interrogá-lo (e me arrisco a dizer que ele merecia o Oscar daquele ano, mas por este papel e não pela boa atuação em “Os Suspeitos”). Ainda durante o interrogatório na delegacia, ele já demonstra seu assustador controle emocional, aguardando tranquilamente enquanto os policiais tentam desvendá-lo – e vale notar também como após a sua prisão, Mills menciona a esposa duas vezes, num indicio sutil do que viria pela frente.

Chegamos então ao momento mais fantástico de “Seven” (e uma das melhores cenas dos anos 90) durante a conversa entre Mills, Somerset e Doe dentro do carro, onde os três atores demonstram todo seu talento num diálogo memorável, penetrante e perturbador, em que o assassino questiona os valores contemporâneos e se intitula um escolhido por Deus enquanto Mills espuma de raiva e Somerset demonstra sabedoria ao tentar decifrar a mente do criminoso (“Vemos um pecado capital em cada esquina e toleramos”, afirma Doe, tentando explicar sua filosofia distorcida ao mostrar o lado podre de suas vitimas). O tenso final, também sensacional, ainda reserva uma surpresa capaz de abalar a plateia, encerrando a obra-prima de John Doe e de David Fincher de maneira brilhante (e aqui vale destacar a atuação de Pitt, que demonstra toda a ira de seu personagem com precisão).

Contudo, engana-se quem pensa que grande parte do sucesso do longa está em seu impactante final. Com sua narrativa complexa e envolvente, roteiro perfeito, atuações competentes e direção impecável, “Seven” é um thriller espetacular, uma verdadeira obra-prima que merece um lugar de destaque entre os grandes filmes da história da sétima arte.

Texto publicado em 29 de Julho de 2012 por Roberto Siqueira

RAZÃO & SENSIBILIDADE (1995)

Roberto SiqueiraDeixe um comentário

(Sense and Sensibility)

 

Videoteca do Beto #135

Dirigido por Ang Lee.

Elenco: Emma Thompson, Kate Winslet, Alan Rickman, Hugh Grant, James Fleet, Gemma Jones, Tom Wilkinson, Harriet Walter, Robert Hardy, Hugh Laurie, Imelda Staunton, Elizabeth Spriggs, Greg Wise, Imogen Stubbs e Emilie François.

Roteiro: Emma Thompson, baseado em romance de Jane Austen.

Produção: Lindsay Doran.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Seguramente, “Razão & Sensibilidade” é uma das melhores adaptações para o cinema da obra de Jane Austen, escritora que se caracterizava por abordar a vida sufocante das mulheres na Inglaterra do século XIX e que já inspirou outros bons filmes como “Emma” e “Orgulho e Preconceito”. Entretanto, apesar da elegante direção de Ang Lee e das excelentes atuações de todo o elenco, é no delicioso roteiro escrito por Emma Thompson que reside o maior mérito do longa, que nos diverte com diálogos primorosos e uma narrativa sempre envolvente.

O filme narra à história das irmãs Elinor (Emma Thompson) e Marianne Dashwood (Kate Winslet) quando, após a morte do pai (Tom Wilkinson), elas se veem obrigadas a deixar a casa onde moravam e mudar-se para o campo, acompanhadas da mãe (Gemma Jones) e da irmã mais nova Margaret (Emilie François). Enfrentando grandes dificuldades financeiras, elas buscam encontrar o amor de maneiras bem distintas, numa sociedade onde as posses da família eram determinantes na escolha dos parceiros. Enquanto a reservada Elinor tenta esconder seus sentimentos pelo jovem Edward Ferrars (Hugh Grant) por saber das diferenças sociais entre eles, a espontânea Marianne não esconde sua empolgação quando conhece o jovem John Willoughby (Greg Wise), para a tristeza de Christopher Brandon (Alan Rickman).

Alternando entre planos gerais que valorizam as paisagens e closes que realçam as atuações, Ang Lee aposta numa direção clássica e sem muitos invencionismos para transformar em imagens o excelente roteiro de Emma Thompson. Apesar disto, o diretor emprega interessantes movimentos de câmera que ajudam a transmitir as sensações que deseja, como quando Willoughby parte para Londres, provocando o choro de Marianne, Margaret e da Sra. Dashwood, que se trancam no quarto e abandonam Elinor sentada na escada, numa cena filmada em plongèe para realçar a tristeza daquele instante. Além disso, o diretor sabe conduzir momentos interessantes, como quando Edward visita Elinor e, após os comentários de Marianne, os olhares desconfiados de Lucy (Imogen Stubbs) colocam o rapaz numa situação bem delicada, ou quando Lucy prepara-se para revelar seu segredo à Fanny e um zoom lentamente nos aproxima das duas, aumentando o impacto da estridente reação da personagem de Harriet Walter.

Lee demonstra ainda sua preocupação com os pequenos detalhes, extraindo um excelente trabalho de toda sua equipe técnica, a começar pela detalhada direção de arte de Philip Elton e Andrew Sanders, que dá vida aos ambientes internos através da realista decoração, assim como os impecáveis figurinos de Jenny Beavan e John Bright ambientam o espectador à época e ao local da narrativa com perfeição com os longos vestidos das mulheres e os engomados fraques dos homens. Já a direção de fotografia de Michael Coulter colabora na criação de planos belíssimos nas tomadas externas, que captam com precisão a beleza dos campos ingleses, auxiliando também na iluminação à luz de velas das cenas noturnas que conferem um visual interessante aos ambientes internos, enquanto a trilha sonora solene de Patrick Doyle reforça o tom épico do longa.

Para conduzir a narrativa de maneira envolvente, Lee conta com a montagem discreta de Tim Squyres e, mais uma vez, apoia-se nos diversos diálogos elegantes e recheados pelo típico humor britânico do roteiro de Thompson, que ainda apresenta interessantes pontos de virada na trama, como a pequena reviravolta provocada pela revelação de um noivado secreto que abala uma das irmãs Dashwood. E para dar vida a estes diálogos, Ang Lee formou um elenco de primeira, que, além do sotaque britânico marcante, demonstra enorme talento mesmo nos papéis secundários.

Empregando um tom de voz baixo e controlado, o ótimo Alan Rickman faz de seu Brandon um personagem cativante, que conquista a torcida da plateia através de sua paciência e bondade, deixando claro que tem plena consciência de que sua idade atrapalha suas intenções com a sonhadora Marianne. Enquanto isso, Hugh Grant faz o tipo tímido, porém educado e simpático (que é a cara dele), conquistando o coração da família Dashwood ao brincar alegremente com a irmã mais nova, Margaret, por exemplo. A atração entre ele e Elinor é quase imediata, mas ambos são “racionais” demais para viver aquela paixão e enfrentar as convenções sociais, superando os problemas financeiros dela que claramente atrapalham a concretização do romance. Quem também merece destaque é Harriet Walter, que dá vida a irritante Sra. Fanny Dashwood, fazendo a cabeça do irmão John (James Fleet) para não ajudar as meias-irmãs e importunando toda e qualquer pretendente sem posses que se aproxime dos irmãos solteiros. E finalmente, vale citar o divertido Sr. John Middleton vivido por Robert Hardy, a falastrona Sra. Jennings de Elizabeth Spriggs e a pequena participação de Tom Wilkinson como o moribundo Sr. Dashwood.

Apesar de abordar muito bem estas características da sociedade inglesa na época, “Razão & Sensibilidade” recorre mesmo à velha formula dos amores impossíveis para conquistar de vez a plateia, focando desde o início nas dificuldades financeiras das irmãs Dashwood, o que, somado ao carisma de Thompson e Winslet, conquista quase que imediatamente a empatia do espectador. Demonstrando seus sentimentos de maneira contida, Thompson oferece um desempenho marcante e repleto de momentos tocantes, como quando chora sozinha na cama após descobrir o noivado de Edward, deixando claro desde o início que sua Elinor é a mais séria e racional das irmãs (portanto, “a razão”), enquanto Marianne é pura paixão (portanto, “a sensibilidade”). Entre tantos momentos marcantes, vale destacar sua reação à acusação da irmã de ser fria, logo após a descoberta do noivado de Edward, quando ela afirma que não é nada fácil sofrer calada e esconder os sentimentos. Já Kate Winslet demonstrava todo seu talento logo em seu segundo papel no cinema, explodindo com facilidade para demonstrar o turbilhão de emoções de sua Marianne em diversos momentos, com quando ela recebe a carta de Willoughby em Londres.

O caso John Willoughby realça ainda mais as diferenças entre as irmãs. Enquanto Winslet demonstra claramente a empolgação de Marianne logo após conhecer o rapaz, com sua fala ofegante e trejeitos escandalosos, Thompson transmite o ciúme e o a forma reticente de agir de Elinor com precisão, com seu olhar reservado e tom de voz baixo. Aliás, os duelos verbais entre elas confirmam o talento das atrizes, que tornam cada embate num momento realista e doloroso. Contudo, ainda que discutam e sejam muito diferentes, é inegável que ambas nutrem um sentimento de respeito e admiração uma pela outra. Por isso, se a chuva realça o sofrimento de Marianne na colina enquanto ela contempla a casa de Willoughby, o quarto escuro e o plano plongèe ilustram o sofrimento de Elinor ao ver a irmã doente logo em seguida. Mas, quando tudo parece se encaminhar para um triste final, o roteiro ainda nos reserva uma empolgante reviravolta. Após ouvirem a confirmação do casamento do “Sr. Ferrars”, as Dashwood recebem a visita inesperada de Edward e descobrem que, na verdade, quem casou foi o irmão dele, numa linda cena que provoca o choro espontâneo da controlada Elinor, em outro momento marcante de Thompson que inicia o inesperado final feliz.

Por tudo isso, “Razão & Sensibilidade” é um filme belo, bem escrito, dirigido e atuado, onde cada nota está em seu devido lugar. Não importa se você é mais racional ou emocional, pois o longa de Ang Lee é capaz de satisfazer todo tipo de espectador. Jane Austen estaria orgulhosa.

Texto publicado em 22 de Julho de 2012 por Roberto Siqueira

POCAHONTAS (1995)

Roberto Siqueira1 comentário

(Pocahontas)

 

Videoteca do Beto #134

Dirigido por Mike Gabriel e Eric Goldberg.

Elenco: Irene Bedard, Mel Gibson, Christian Bale, David Ogden Stiers, Judy Kuhn, John Kassir e Russell Means.

Roteiro: Carl Binder, Susannah Grant e Philip LaZebnik, baseado em história de Glen Keane, Joe Grant, Ralph Zondag, Ed Gombert, Burny Mattinson, Kaan Kalyon, Rob Gibbs, Francis Glebas, Todd Kurosawa, Duncan Marjoribanks, Chris Buck e Bruce Morris.

Produção: James Pentecost.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Abordando o inevitável conflito cultural que a arrogância do homem branco trouxe para as Américas na época das grandes embarcações, “Pocahontas” certamente poderia ser considerado um grande filme se tivesse sido lançado algumas décadas antes. No entanto, lançado um ano depois de “O Rei Leão” e no mesmo ano de “Toy Story”, o longa dirigido por Mike Gabriel e Eric Goldberg claramente soa ultrapassado. Apesar de divertir, seu visual fascinante não consegue eliminar a fraqueza de uma narrativa inocente demais para os padrões de sua época.

Adaptado por Carl Binder, Susannah Grant e Philip LaZebnik com base em história de diversos autores, “Pocahontas” traz a história do encontro da personagem título (voz de Irene Bedard) e de seu povo indígena com os conquistadores britânicos, que chegam ao “novo mundo” liderados pelo governador Ratcliffe (voz de David Ogden Stiers) e pelo capitão John Smith (voz de Mel Gibson), trazendo na bagagem o interesse pela exploração da terra local. Obviamente, este interesse se choca diretamente com os interesses dos nativos, criando um ambiente instável que pode levar à guerra, para a tristeza dos apaixonados Pocahontas e Smith.

Apostando no mais que batido tema das diferenças culturais entre homens brancos e índios, “Pocahontas” ao menos acerta ao questionar a imbecilidade da guerra, mas sua fórmula desgastada fica evidente em diversos momentos da projeção. Pra piorar, quando comparado ao excepcional resultado alcançado pela Disney um ano antes na obra-prima “O Rei Leão”, o projeto soa ultrapassado tanto tematicamente quanto em sua estrutura narrativa, empalidecendo ainda mais diante da renovação que o gênero sofreria no mesmo ano de 1995 com o revolucionário “Toy Story” (da própria Disney, em parceria com os estúdios Pixar). Abordando o conflito entre conquistadores e nativos da maneira mais direta possível, “Pocahontas” não hesita em caracterizar os europeus como cruéis exploradores da terra, que surgem entoando canções sobre como matarão os “selvagens” – o que não está tão distante da realidade apresentada em filmes como o ótimo “A Missão”. E apesar de jamais mostrar o resultado das ações violentas dos personagens (poupando o público infantil), “Pocahontas” pelo menos apresenta estes inevitáveis confrontos, ainda que no primeiro deles apenas um índio seja ferido. Neste sentido, a morte de Kocoum é bem mais realista e essencial para que o espectador entenda o risco daquela situação, trazendo peso dramático num momento crucial da narrativa.

O roteiro peca ainda ao trazer os índios falando em inglês, mas esta é uma escolha compreensível, pois seria comercialmente inviável numa produção voltada para o público infantil misturar dois idiomas e intercalar trechos dublados e legendados, apesar da verossimilhança que esta escolha traria para a narrativa. Por outro lado, os roteiristas acertam ao respeitar características marcantes da cultura indígena, como as reuniões coletivas em que eles debatem assuntos relevantes, o que ajuda na ambientação do espectador, além de inserir na cabeça das crianças, ainda que de maneira inocente, esta visão mais profunda e despida de preconceitos sobre as diferenças entre os povos, reforçada nas conversas entre Smith e Pocahontas. E se – talvez pela falta de carisma de alguns personagens – a narrativa jamais consegue envolver o espectador completamente, por outro lado apresenta personagens interessantes, como a adorável árvore falante que rouba a cena sempre que aparece.

Repleto de canções desde sua abertura, na seqüência visualmente belíssima em que os britânicos deixam o porto em direção ao novo mundo, “Pocahontas” emprega a estrutura narrativa tradicional da Disney – em menos de 20 minutos de projeção, temos quatro números musicais. Com seu trabalho facilitado pela curta duração do filme, o montador H. Lee Peterson não encontra problemas para dar dinamismo a narrativa, esbarrando apenas nestas sequências musicais que quebram o ritmo constantemente. Por outro lado, Peterson acerta em transições interessantes, como aquela em que vemos os índios dizendo que torcem para que os europeus não tenham vindo pra ficar e, no plano seguinte, vemos a bandeira britânica sendo fincada na terra deles. Mas se esta estrutura narrativa claramente estava ultrapassada, pelo menos as músicas do competente Alan Menken têm função narrativa e dão seqüência na história, ainda que não cheguem a empolgar ou tenham a beleza das canções que ele criou para “A Pequena Sereia” e “A Bela e a Fera” – nem mesmo “Colors of the Wind” me agradou tanto.

Explorando mais uma vez com competência a oportunidade de criar paisagens lindas, os animadores da Disney entregam um universo colorido e impressionante, que ganha vida nos movimentos de câmera e planos gerais dos diretores Mike Gabriel e Eric Goldberg, além dos planos simbólicos como o que Pocahontas se depara diante de dois caminhos no rio, escolhendo o mais tortuoso e indicando sua escolha na vida amorosa. Além disso, os diretores acertam em cheio no esperado primeiro encontro entre Pocahontas e Smith, numa cena conduzida lentamente, sob a névoa da cachoeira e praticamente sem diálogos, embalada apenas pela trilha sonora. O visual ganha destaque também quando Pocahontas visita Smith na sombria prisão e, especialmente, na seqüência predominada por tons avermelhados que realçam a natureza violenta das canções entoadas antes da batalha, quando os dois lados gritam que seus adversários são “bárbaros”.

Apesar do requintado visual, “Pocahontas” não apresenta muitos personagens cativantes, falhando também quando tenta ser engraçado, com piadas desinteressantes que normalmente envolvem os animais da protagonista – como sabemos, os momentos de alívio cômico costumam funcionar muito bem em animações. Por outro lado, os personagens centrais da trama não comprometem e compensam esta falha. Surgindo como um grande herói logo em sua introdução, quando salva um homem que caiu no mar, Smith é o típico “príncipe Disney”, de cabelos compridos e olhos claros, e que conta ainda com a voz imponente de Mel Gibson, que confere carisma ao personagem, ainda que lhe falte o sotaque britânico ideal no papel. Já David Ogden Stiers empresta sua voz ameaçadora ao comandante Ratcliffe, um vilão egoísta que não pensa duas vezes antes de prejudicar alguém em benefício próprio, mas que pelo menos garante raros momentos de diversão graças as suas expressões caricaturais. Vale destacar também que Christian Bale empresta sua voz ao dedicado Thomas. E finalmente, Pocahontas se apresenta como uma heroína destemida e corajosa, que carrega a narrativa com facilidade e conquista a empatia do espectador, o que é fundamental para salvar o projeto do fracasso. E se seu romance com Smith não chega a empolgar, pelo menos não compromete em nada o resultado final.

Construído numa escala dramática crescente, o esperado confronto entre conquistadores e nativos é impedido pela coragem de Pocahontas, num final previsível e até mesmo irreal, mas que funciona ao concluir o arco dramático da protagonista, transformando-a na grande heroína. Em seguida, o tema do amor proibido ganha ecos ainda mais dramáticos na despedida de Smith, quando Pocahontas sobe num monte para ver o navio distante (num lindo plano, aliás), perdendo-se no horizonte enquanto leva seu amado de volta para o velho mundo. Apesar do tom melancólico, este sim é um final coerente com a história narrada.

Coerente também é dizer que “Pocahontas” é um apenas bom filme, que diverte o espectador, mas jamais deixa sua marca. Empalidecido diante do cenário em que foi lançado, tampouco ganhou relevância com o passar dos anos, sendo relegado ao esquecimento de parte do grande público, ainda que sobreviva na memória de cinéfilos e apaixonados por animações. Em todo caso, assim como sua protagonista, o longa tem sua beleza.

Texto publicado em 15 de Julho de 2012 por Roberto Siqueira

O gigante acordou…

Roberto Siqueira4 Comentários

Desculpem o momento torcedor fanático… Mas não dá pra segurar… 😉

Foto publicada em 12 de Julho de 2012 por Roberto Siqueira

OS ÚLTIMOS PASSOS DE UM HOMEM (1995)

Roberto Siqueira7 Comentários

(Dead Man Walking)

 

Videoteca do Beto #133

Dirigido por Tim Robbins.

Elenco: Sean Penn, Susan Sarandon, Scott Wilson, Lois Smith, Jack Black, R. Lee Ermey, Celia Weston, Raymond J. Barry, Jon Abrahams, Robert Prosky, Clancy Brown, Kevin Cooney e Peter Sarsgaard.

Roteiro: Tim Robbins.

Produção: Jon Kilik, Tim Robbins e Rudd Simmons.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Poucos temas me deixam mais indeciso do que a pena de morte. Se por um lado entendo que nenhum ser humano tem o direito de tirar a vida de seu semelhante, por outro tenho a plena convicção de que esta visão seria automaticamente deixada de lado caso algo ocorresse com alguém próximo a mim. Por isso, fico sem saber o que responder diante da pergunta: “Você é a favor ou contra a pena de morte?”. Pois o soberbo “Os últimos passos de um homem” nos ajuda a compreender melhor o tema de maneira genial, sem jamais pender para qualquer lado, num trabalho excepcional tanto de Tim Robbins atrás das câmeras quanto de sua dupla de protagonistas diante delas. O resultado de tanto talento junto só poderia ser um: uma obra-prima do cinema.

Escrito pelo próprio Robbins baseado em livro da verdadeira Helen Prejean, “Os últimos passos de um homem” narra a tentativa da freira Helen (Susan Sarandon) de salvar o condenado a morte Matthew Poncelet (Sean Penn), poucos dias antes de sua execução. Logo após receber uma carta do prisioneiro, ela passa a ter dúvidas sobre as provas do crime e tenta recorrer na justiça ao mesmo tempo em que se transforma em sua conselheira espiritual, contrariando a opinião pública, chamando a atenção da imprensa e sendo pressionada pelos pais das vítimas e pela própria família.

Um dos aspectos mais interessantes do excelente roteiro de Robbins reside no fato de que ele nunca condena ou absolve Matthew pelo que fez, deixando esta decisão exclusivamente para o espectador, como se o diretor/roteirista tomasse uma posição neutra, de mediador mesmo, apresentando os dois lados da moeda e deixando que a plateia pense a respeito. Esta discrição se reflete também em sua direção, que evita chamar a atenção na maior parte do tempo, valorizando as atuações do elenco. Aliás, toda a parte técnica do longa segue o mesmo raciocínio, prezando pela elegância e eficiência em detrimento de exibicionismos, como podemos notar nas cores pouco chamativas da fotografia do mestre Roger Deakins e até mesmo na trilha sonora econômica de David Robbins, que pouco interfere na narrativa, deixando o som diegético predominar em momentos chave e surgindo apenas para pontuar uma ou outra cena de impacto.

Mas, apesar de parecer “invisível”, Robbins sabe os momentos exatos de empregar técnicas que transmitam mensagens somente através do visual, como quando a câmera se aproxima de Helen quando o padre avisa sobre a natureza violenta de Matthew, destacando os olhos arregalados da assustada freira. Observe ainda como no primeiro diálogo entre Matthew e Helen, a grade, inicialmente densa, gradualmente nos permite ver o rosto dele graças à mudança de foco da câmera, simbolizando a queda daquela barreira e o início da aproximação deles. Esta lógica visual se repete no segundo ato, quando eles se encontram e a câmera se posiciona lateralmente, eliminando a grade e simbolizando a aproximação total entre eles – e repare que até mesmo no tradicional plano/contraplano a grade já não aparece mais. Nesta cena, aliás, o ótimo roteiro nos brinda com um diálogo sensacional, onde Matthew demonstra seu preconceito contra negros e é questionado de maneira brilhante por Helen.

Interpretada com brilhantismo pela excepcional Susan Sarandon (esposa de Tim Robbins), Helen surge demonstrando desde o início o peso da criação católica na formação de sua personalidade – algo que Robbins ressalta através do close do crucifixo que ela carrega no peito. Alternando entre uma assustadora postura confiante diante de situações nada convencionais e momentos de clara fragilidade e vulnerabilidade, Sarandon cria uma personagem ambígua, humana e extremamente cativante, extremamente fiel àquilo que acredita e com sabedoria suficiente para questionar até mesmo alguns valores pregados por sua própria igreja. Vestindo sempre roupas sóbrias e sem cor (figurinos de Renée Ehrlich Kalfus), sua Helen é compreensiva, inteligente e firme quando necessário, mas também é dona de uma compaixão extrema e genuína, o que é essencial para conquistar a confiança do desconfiado Matthew. Pra completar, a atriz ainda demonstra muito bem os conflitos de Helen, questionando em diversos momentos o que faz ao lado daquele homem, saindo-se bem ainda nos interessantes confrontos verbais propostos pelo roteiro, como aquele em que ela debate versículos bíblicos com o chapelão Farlely (Scott Wilson), mostrando como a Bíblia oferece diversas interpretações divergentes para um mesmo tema – algo que volta a acontecer num diálogo com um policial.

A verdadeira aula de interpretação continua durante as visitas de Helen, primeiro no destruído lar dos Delacroix e depois na casa dos amargurados Percy. Interpretado por Raymond J. Barry, o Sr. Earl Delacroix é responsável por uma das frases mais cruéis de “Os últimos passos de um homem”, quando afirma que “setenta por cento dos pais que perdem um filho se separam” após anunciar que se separaria da esposa, dimensionando o tamanho desta tragédia na vida de uma família. Igualmente comovente é o diálogo com os Percy, que demonstram toda a dor que sentem diante da perda da filha, num momento excelente do ótimo R. Lee Ermey (o sargento Hartman de “Nascido para Matar”) e de Celia Weston. Só que a dor não é um “privilégio” dos pais do jovem casal assassinado, já que a mãe de Matthew também sofre profundamente com a situação do filho, algo que Roberta Maxwell demonstra com grande sensibilidade em diversos momentos, como logo após a confirmação da sentença na junta do perdão. E fechando o elenco, vale citar a participação de Jack Black – ainda nos primeiros anos de carreira – como um dos irmãos de Matthew.

Chegamos então ao grande pivô de toda a situação. Certamente um dos mais talentosos atores de sua geração, Sean Penn oferece um desempenho absolutamente impecável na pele do condenado Matthew Poncelet, criando um personagem amargo, ambíguo e pouco carismático. Demonstrando com precisão a natureza explosiva do personagem, Penn surge constantemente tenso, na defensiva e sempre prestes a esbravejar contra tudo e contra todos. No entanto, o ator consegue a proeza de evitar que a plateia sinta repulsa por Matthew ao demonstrar a vulnerabilidade de um homem que participou de um crime horrível, mas que nem por isso deixou de ser humano. Por isso, mesmo condenando seu crime, o espectador por vezes se sente comovido ao constatar que aquele “monstro” também sente medo, aflição, angústia e dor, como qualquer outra pessoa sentiria.

De maneira inteligente, Robbins (e Penn, obviamente) evita cair na armadilha de transformar Matthew num coitado, mostrando seu lado negativo quando ele tenta “cantar” Helen e quando demonstra simpatia por Hitler, por exemplo. Além disso, os flashes da cena do crime que surgem repentinamente durante a projeção nos lembram do que ele fez, confirmando a perfeita estratégia do diretor e de seus montadores Lisa Zeno Churgin e Ray Hubley. Por outro lado, o sofrimento da mãe e dos irmãos humaniza Matthew Poncelet, proporcionando momentos igualmente comoventes, como a conversa dele com os familiares e a tocante despedida momentos antes da execução. Só que Robbins reequilibra novamente a balança, comprovando que evita a todo custo tomar partido, ao mostrar fotos do assassino e das vítimas quando crianças, o choro da mãe dele e dos pais dos jovens assassinados, entre outros momentos tocantes. Pra finalizar, o próprio Matthew confirma a complexidade da questão ao afirmar que “iria querer matar quem fizesse isso” ao responder como reagiria a um suposto crime contra seus familiares.

O terceiro ato se concentra nas angustiantes horas que antecedem a execução (ressaltadas através de inúmeros planos do relógio), aproximando ainda mais o assassino de Helen e do espectador, especialmente ao vê-lo chorando quando se despede da mãe por telefone. E então, as atuações sensacionais dos dois chegam ao auge na cena em que Matthew confessa o crime diante de Helen, num momento inspiradíssimo de ambos que torna quase impossível a missão de conter as lágrimas. Penn está estupendo, corroído pelo medo e pelo arrependimento, enquanto Susan demonstra toda a compaixão de Helen com perfeição. Mas se momentaneamente nos comovemos com o sofrimento dele, Robbins novamente confirma a genialidade de sua estratégia ao intercalar as fortes imagens de sua morte com as cenas brutais do crime que ele cometeu, lembrando ao espectador o que ele fez e deixando que este decida se a pena capital é valida ou não.

Talvez Robbins deixe escapar levemente sua visão nas últimas palavras de Matthew: “Matar é errado, não importa quem faça, eu, você ou o governo”. A frieza com que ele conduz a cena da execução assusta e o impacto é ainda maior por acompanharmos aquele homem tremendo, chorando como uma criança e com o olhar tomado pelo medo da morte eminente. Após sua morte, dois planos idênticos em plongèe nos mostram os corpos de Matthew e dos jovens namorados, como se representassem a visão divina daqueles dois assassinatos. Um lamento? Talvez.

Tratando este tema polêmico com a seriedade que ele merece e contando com uma direção e duas atuações soberbas, o longa se estabelece como um complexo e profundo estudo não apenas da pena capital, mas também da própria natureza humana. Não posso dizer que “Os últimos passos de um homem” me ajudou a encontrar uma resposta para a pergunta do primeiro parágrafo deste texto, mas certamente a obra-prima de Tim Robbins me fez compreender melhor tanto os que defendem a pena de morte quanto os que são contra ela.

Texto publicado em 09 de Julho de 2012 por Roberto Siqueira

OS SUSPEITOS (1995)

Roberto Siqueira6 Comentários

(The Usual Suspects)

 

Videoteca do Beto #132

Dirigido por Bryan Singer.

Elenco: Gabriel Byrne, Benicio Del Toro, Kevin Pollak, Kevin Spacey, Chazz Palminteri, Stephen Baldwin, Pete Postlethwaite, Suzy Armis, Giancarlo Esposito e Dan Hedaya.

Roteiro: Christopher McQuarrie.

Produção: Michael McDonnell e Bryan Singer.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Poucos recursos narrativos provocam tanto impacto no espectador quanto um final surpreendente – um tema, aliás, que já debati anteriormente. Em muitos casos, esta sensação de euforia faz com que o espectador se esqueça de eventuais problemas apresentados até aquele instante e acabe supervalorizando um filme apenas razoável, ao passo em que finais “decepcionantes” provocam exatamente o efeito inverso, levando o público a menosprezar filmes brilhantes somente por não concordar com o final. Felizmente, o thriller “Os Suspeitos” traz muitos mais do que seu final estarrecedor, prendendo o espectador durante todo o tempo graças ao excepcional roteiro, à direção segura de Bryan Singer e as ótimas atuações de seu elenco.

Escrito por Christopher McQuarrie, “Os Suspeitos” tem inicio quando cinco suspeitos de cometer um crime são presos e aproveitam a ocasião para planejarem outro assalto, que será realizado assim que eles saírem dali. O problema é que Dean Kenton (Gabriel Byrne) está apaixonado pela advogada Edie (Suzy Armis) e, por isso, não quer participar do grupo, mas acaba sendo convencido por Verbal Kint (Kevin Spacey) e se junta ao restante da equipe formada por Michael McManus (Stephen Baldwin), Fred Fenster (Benicio Del Toro) e Todd Hockney (Kevin Pollak). Surge então o misterioso Kobayashi (Pete Postlethwaite) para informá-los que eles deverão realizar um perigoso trabalho para o misterioso e temido Keyser Soze, só que o plano não é executado conforme eles planejaram.

Adotando uma estrutura narrativa complexa, que viaja no tempo sem qualquer lógica, o diretor Bryan Singer e seu montador John Ottman envolvem o espectador desde seus minutos iniciais, quando um crime misterioso nos leva pra dentro de uma investigação policial. Através de muitos flashbacks, como aquele que nos apresenta aos cinco suspeitos enquanto acompanhamos a prisão de cada um deles, o diretor trabalha o intrincado roteiro com cuidado, inserindo elementos que auxiliam na investigação sem jamais deixar o espectador confuso, fazendo com que o espectador participe ativamente do processo e tente descobrir a identidade do criminoso. Nesta busca pela revelação da identidade do misterioso Keyser, o espectador se sente o próprio investigador, prestando atenção nos mínimos detalhes que podem ajudar na solução do caso.

Ciente do interesse que o roteiro gera na plateia, Singer aproveita para brincar com nossa expectativa, seja através do óbvio momento em que não revela o rosto do Keyser durante um assassinato ou ao esticar ao máximo o interrogatório feito num hospital, onde um sobrevivente húngaro pode ajudar a identificar o criminoso, mas tem a tarefa dificultada por seu grave estado de saúde e pela barreira do idioma. Por outro lado, Singer força a identificação da plateia com os suspeitos, posicionando sua câmera na linha da cintura dos policiais durante o interrogatório inicial, o que coloca os personagens numa situação desfavorável e acaba conquistando a empatia da plateia – por pior que seja o personagem, o espectador sempre se identifica quando ele surge vulnerável. Singer ainda emprega movimentos elegantes, como o zoom que realça o momento em que Verbal convence Keaton a participar do grupo ou os travellings idênticos que revelam, em instantes diferentes, o navio que deveria ser assaltado.

Empregando cores sem vida nas sequências dentro da delegacia, a fotografia de Tom Sigel cria um contraste interessante com o visual mais colorido que acompanha as ações dos criminosos – como num assalto em plena luz do dia -, simbolizando a satisfação deles nestes momentos e o desconforto que sentem em território policial. Da mesma forma, Sigel ilustra a tristeza do grupo no enterro de Fenster através do visual obscuro, que também surge na seqüência do assalto ao navio, reforçado pela noite e pela trilha sonora agitada de John Ottman que ampliam a tensão.

Mas apesar da parte técnica eficiente, é mesmo no roteiro de Christopher McQuarrie e nas boas atuações que residem às maiores qualidades de “Os Suspeitos”. Observe, por exemplo, como McQuarrie insere dicas sutis sobre a identidade do Keyser, mas jamais as escancara ao ponto do espectador perceber o que está acontecendo – repare a similaridade entre a roupa de Verbal num dos interrogatórios e a roupa do criminoso na cena que abre o longa. São detalhes sutis, mas que servem para indicar o surpreendente desfecho. E nas mãos de um grande ator como Kevin Spacey, este roteiro é um prato cheio para uma grande interpretação.

Surgindo misterioso e até mesmo inofensivo graças ao olhar sempre distante e a postura reprimida – além é claro de sua deficiência física -, Verbal dá sinais de sua faceta agressiva nos diálogos sempre carregados de tensão com o agente Kujan (Chazz Palminteri), mas tem o extremo cuidado de jamais ultrapassar o limite do aceitável e prejudicar seu plano ambicioso, como quando seu sorriso cínico durante uma pergunta some imediatamente quando o investigador se movimenta para frente dele. Aproveitando-se da imunidade que conquistou, ele se sente a vontade diante dos policiais, mas faz questão de parecer acuado na maior parte do tempo – observe o susto que ele leva quando um policial abre a porta da sala repentinamente -, o que é vital para o sucesso de sua estratégia. Empregando um tom de voz tranquilo enquanto narra os eventos, Spacey convence os policiais e o espectador de que está falando a verdade, o que, somado à sua convincente reação ao ouvir Kujan afirmar que Keaton era o Keyser, também é fundamental para que a última reviravolta funcione.

Apaixonado pela advogada criminalista Edie, Keaton hesita antes de voltar para a vida de crimes, justamente por não querer desagradar sua namorada – observe, por exemplo, sua hesitação no diálogo com Verbal que precede o assalto ao navio. Demonstrando bem este conflito, como quando não consegue atirar num homem em um assalto – numa cena, aliás, que demonstra que Verbal não é tão inofensivo assim -, Byrne cria um personagem ambíguo e misterioso, que também é fundamental para que o espectador não concentre sua atenção em Verbal. Afinal, sabemos que se trata de um criminoso respeitado pela forma como os outros se comportam diante dele, mas suas roupas elegantes (figurinos de Louise Mingenbach) indicam uma boa situação financeira, provavelmente resultado da vida estável que leva atualmente. Quando ele decide participar do grupo, o espectador naturalmente passa a focar mais a atenção nele.

Fechando o elenco, Stephen Baldwin vive o intempestivo Michael McManus, Kevin Pollak interpreta Todd Hockney e o ótimo Benicio Del Toro, ainda nos primeiros anos de carreira em Hollywood, surge com um sotaque que delata sua origem latina na pele de Fred Fenster. Já Pete Postlethwaite faz seu Kobayashi soar ameaçador desde que se identifica como contratado pelo Keyser e, especialmente, quando intimida os suspeitos após quase ser morto num elevador, assim como Chazz Palminteri transmite bem a angústia de Kujan durante a investigação, surgindo impaciente diante da natureza misteriosa do caso em que se envolveu.

Ainda assim, Kujan consegue chegar numa conclusão e a primeira reviravolta surge como uma bomba quando ele afirma que Keaton era o Keyser, algo que o espectador dificilmente imaginaria. E com razão, pois quando a xícara de café se estraçalha no chão, a expressão de Kujan indica uma surpresa ainda maior – e agora sim o espectador tende a ficar boquiaberto. Ao ver que os nomes citados por Verbal durante todo o interrogatório estavam escritos nos papéis pendurados num quadro da delegacia, o investigador compreende, assim como o espectador, que o Keyser esteve sempre ali, na frente dele, e saiu andando tranquilamente pelas ruas da cidade (confesso que cheguei a cogitar esta possibilidade durante a narrativa, mas descartei-a momentos depois). E então Singer revela num plano maravilhoso que Verbal sequer era deficiente enquanto este entra no carro do parceiro “Kobayashi” e se perde no horizonte. Um final arrebatador e inteligente, que provoca uma sensação gostosa de desorientação na plateia.

Na maioria das vezes em que isto acontece, o espectador tende a afirmar que assistiu a um grande filme. No caso de “Os Suspeitos”, ele tem razão.

Texto publicado em 01 de Julho de 2012 por Roberto Siqueira

OS 12 MACACOS (1995)

Roberto Siqueira10 Comentários

(Twelve Monkeys)

 

Videoteca do Beto #131

Dirigido por Terry Gilliam.

Elenco: Bruce Willis, Madeleine Stowe, Brad Pitt, Christopher Plummer, David Morse, Jon Seda, Frederick Strother, Frank Gorshin, Carol Florence, Lisa Gay Hamilton e Felix Pire.

Roteiro: David Peoples e Janet Peoples, inspirado no filme “La Jetée” de Chris Marker.

Produção: Charles Roven.

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido ao filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Carregando em cada fotograma o estilo visual caótico e marcante de seu diretor, “Os 12 Macacos” é uma ficção científica interessante, que conta também com atuações inspiradas de seu elenco e uma narrativa ao mesmo tempo complexa e fascinante para conquistar o espectador. Apresentando um ambiente deprimente no futuro e outro prestes a entrar em colapso no passado, o longa de Terry Gilliam mais parece um pesadelo, prendendo a atenção do espectador não apenas por seu visual, mas também pela maneira inteligente que sua ótima premissa é desenvolvida.

Inspirado no filme “La Jetée”, de Chris Marker, o intrincado roteiro de David e Janet Peoples tem inicio em 2035, quando James Cole (Bruce Willis) é enviado de volta ao passado para coletar informações sobre um vírus letal que dizimou os seres humanos em 1996, matando cerca de cinco bilhões de pessoas. Só que, por um erro dos cientistas, James retorna a 1990 e acaba internado num hospício, onde conhece a psiquiatra Kathryn (Madeleine Stowe) e o jovem Jeffrey Goines (Brad Pitt), filho do Dr. Goines (Christopher Plummer) e provável responsável pelo nascimento do grupo conhecido como o “exército dos doze macacos”, que teoricamente teria espalhado o vírus letal pelo mundo.

Logo em seus primeiros minutos, “Os 12 Macacos” demonstra sua faceta onírica através do misterioso sonho de seu protagonista num aeroporto que, na verdade, mais parece um atormentador e recorrente pesadelo, surgindo em diversos momentos para aterrorizá-lo. Em seguida, James aparece numa cela bastante desconfortável, conversando com outro prisioneiro no mundo subterrâneo (onde os poucos sobreviventes ao vírus tentam sobreviver) momentos antes de ser convocado para uma misteriosa missão. Desta forma, o diretor busca facilitar a identificação do espectador com seu protagonista, que surge vulnerável, em condições precárias e prestes a ser enviado numa missão incerta. Com a ajuda do montador Mick Audsley, Gilliam imprime dinamismo à narrativa, mantendo-a sempre intrigante justamente por conduzi-la sob a perspectiva de James, nos colocando assim na mesma posição do protagonista, acertando ainda ao inserir as viagens no tempo de maneira orgânica – com exceção do primeiro salto brusco do presente para 1990 em Baltimore.

Criando um mundo sujo e abandonado no presente e outro tampouco atraente no passado, o diretor reflete na tela a confusão mental de seu protagonista. O caótico local onde James se encontra com os cientistas, por exemplo, ajuda a criar a atmosfera conturbada e anárquica pretendida pelo diretor. Aliás, as cenas que se passam no presente chegam a ter um tom caricato tão exagerado que, por vezes, acabam arrancando o riso da plateia – o que serve como alívio cômico numa narrativa que exige muita atenção. Já no passado, as paredes descascadas do hospício tornam o ambiente bastante realista e ajudam a ilustrar a repulsa do protagonista naquele lugar. E se a direção de arte de William Ladd Skinner é essencial neste processo, os interessantes figurinos de Julie Weiss não apenas reforçam este visual como ainda distinguem bem cada época, como na segunda guerra mundial e nos anos 90.

Sempre carismático, Bruce Willis conquista o espectador com seu vulnerável James Cole, levando a plateia com ele naquela jornada e convencendo até mesmo quando começa a questionar sua própria sanidade – destaque especial para duas cenas, uma na cama de um hospital diante dos cientistas e outra num quarto de hotel com Kathryn. Exibindo a angústia de quem se sente deslocado e confuso e a determinação de quem tem uma missão a cumprir, Willis cria um personagem cativante e muito humano. Já Brad Pitt está sensacional como o pirado Jeffrey Goines, com seus tiques, a fala rápida, a oscilação no tom de voz e a constante movimentação no olhar, que caracterizam muito bem um personagem simultaneamente perigoso e fascinante. Juntos, eles são responsáveis pelos melhores momentos de “Os 12 Macacos”. Contudo, existem outros momentos interessantes, especialmente quando envolvem a Kathryn de Madeleine Stowe, que transmite bem a aflição e a confusão na mente da personagem diante de James e suas afirmações. E não podemos deixar de citar Christopher Plummer, que encarna com eficiência o famoso pai de Jeffrey, ainda que surja poucas vezes em cena.

Em certo momento da trama, o espectador passa a compartilhar da dúvida de James e questiona se tudo aquilo não existe mesmo apenas na mente do protagonista. Mas a reviravolta completa acontece quando um menino é encontrado no celeiro (conforme ele havia dito que aconteceria) e, somado a uma fotografia da primeira guerra mundial e à bala retirada da perna dele, comprova para Kathryn e para o espectador que James falava a verdade. E então a referencia ao clássico “Um corpo que cai” surge no disfarce de Kathryn, nas imagens do longa de Hitchcock dentro de um cinema e até mesmo na trilha sonora, amarrando tematicamente a narrativa e escancarando a mensagem do longa: jamais poderemos alterar o passado. Esta mensagem se confirma na emblemática cena final, onde o “sonho” se repete. O olhar de Kathryn para o jovem James, acompanhado de um leve sorriso, torna esta dolorosa cena num momento belo, ilustrando o instante em que ela percebe que James viveria eternamente neste ciclo.

Utilizando com inteligência o complicado conceito da viagem no tempo, “Os 12 Macacos” nos apresenta um futuro decadente e um passado povoado por personagens cativantes, numa narrativa que exige muita atenção do espectador, mas o recompensa por sua coerência e complexidade. Somando ainda atuações marcantes e uma direção eficiente, o longa se confirma como uma ficção científica melancólica, intrigante e competente, que nos permite discutir horas e horas a respeito de seus interessantes conceitos. Precisa mais?

Texto publicado em 18 de Junho de 2012 por Roberto Siqueira

Videoteca do Beto: novas aquisições

Roberto SiqueiraDeixe um comentário

Mais quatro novidades em Blu-ray na Videoteca:

A Dama e o Vagabundo (1955)*

Pânico (1996)

A Árvore da Vida (2011)

Rio (2011)

*Como sempre, os filmes que chegaram depois de sua posição na ordem cronológica das críticas “Videoteca do Beto” serão assistidos e avaliados na medida do possível e serão encaixados na seqüência da Videoteca. Por exemplo, se a Videoteca estiver no filme #129 e eu divulgar em seguida a crítica do filme “A Dama e o Vagabundo”, este será o filme Videoteca do Beto #130.

Um abraço.

Texto publicado em 15 de Junho de 2012 por Roberto Siqueira

Qual é o seu casal favorito no cinema?

Roberto Siqueira27 Comentários

Neste dia dos namorados, além de agradecer minha eterna namorada por me aguentar por tantos anos, quero propor um novo tema para debate. Desde o início, o cinema sempre se caracterizou pela capacidade de conquistar o coração de casais apaixonados através de histórias românticas com finais felizes ou trágicos. E dentre tantos casais marcantes, alguns certamente merecem destaque e tem um lugar reservado eternamente no coração dos cinéfilos.

Abaixo, relembrarei alguns dos casais que me marcaram, e já peço perdão de antemão por esquecer outros tão ou mais importantes, já que fazer listas não é mesmo o meu forte (neste campo, sugiro as listas maravilhosas da minha amiga Cecilia Barroso no “Cenas de Cinema”).

Em todo caso, vamos aos meus 20 casais favoritos “neste momento”:

Rett Butler e Scarlett O’Hara (“E o Vento Levou”, 1939)

Richard Blane e Ilsa Lund Laszlo (“Casablanca”, 1942)

Vagabundo e Dama (“A Dama e o Vagabundo”, 1955)

Romeu e Julieta (“Romeu e Julieta”, 1968)

Alvy Singer e Annie Hall (“Annie Hall”, 1977)

Etienne Navarre e Isabeau d’Anjou (“O Feitiço de Áquila”, 1985)

Johnny Castle e Frances ‘Baby’ (“Dirty Dancing – Ritmo Quente”, 1987)

Harry Burns e Sally Albright (“Harry & Sally – Feitos um para o outro”, 1989)

Sam Wheat e Molly Jensen (“Ghost – Do outro lado da vida”, 1990)

Edward Lewis e Vivian Ward (“Uma Linda Mulher”, 1990)

Fera e Bela (“A Bela e a Fera”, 1991)

Robin Hood e Lady Marian (“Robin Hood – O príncipe dos ladrões”, 1991)

Nick Curran e Catherine Tramell (“Instinto Selvagem”, 1992)

Mickey Knox e Mallory Knox (“Assassinos por Natureza”, 1994)

Robert Kincaid e Francesca Johnson (“As Pontes de Madison”, 1995)

Jack e Rose (“Titanic”, 1997)

Christian e Satine (“Moulin Rouge – Amor em Vermelho”, 2001)

Jesse e Celine (“Antes do Amanhecer”, 1995; e “Antes do pôr-do-sol”, 2004)

Joel Barish e Clementine Kruczynski (“Brilho Eterno De Uma Mente Sem Lembranças”, 2004)

Henry Roth e Lucy Whitmore (“Como se fosse a primeira vez”, 2004)

Meu favorito? Gosto muito da relação silenciosa de Rick e Ilsa em Casablanca, adoro a paixão de Scarlett O’Hara e Rett Butler em “E o Vento Levou”, me emociono com os trágicos Romeu e Julieta (em diversas versões) e Jack e Rose em “Titanic”, sou fã dos perigosos Mickey e Mallory (e o que me preocupa é que minha esposa também é muito fã deles) e também sou fã das divertidas relações entre Harry e Sally e Alvy Singer e Annie Hall.

Mas, entre todos os casais que consigo recordar, meu favorito certamente é aquele formado por Jesse e Celine em “Antes do Amanhecer” e “Antes do pôr-do-sol”. Pelo realismo, pelo carisma, pelos diálogos inteligentes, pela magia de caminhar numa cidade europeia com uma pessoa especial (penso nos momentos que vivi com a Dri no velho continente) e por tantos outros motivos, eu escolho Jesse e Celine como o meu casal favorito.

E pra você? Qual o seu casal favorito no cinema?

Um abraço e bom debate.

 Texto publicado em 12 de Junho de 2012 por Roberto Siqueira